Alexander Archipenko

Annie Lee | 22.01.2023

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Zusammenfassung

Oleksandr Porfyrovytch Arkhypenko (ukrainisch: Олекса́ндр Порфи́рович Архи́пенко), genannt Alexander Archipenko, geboren am 30. Mai 1887 in Kiew und gestorben am 25. Februar 1964 in New York City, war ein ukrainischer Bildhauer mit US-amerikanischer Staatsbürgerschaft.

Alexander Archipenko, der Sohn eines Ingenieurs, besuchte ebenfalls Mathematikkurse (und blieb auch später von der Beziehung zwischen Kunst und Wissenschaft begeistert), wandte sich aber bald dem Studium der Malerei und Bildhauerei zu, das er von 1902 bis 1906 in Kiew und Moskau absolvierte. Während dieser Zeit entwickelte er ein besonderes Interesse an den byzantinischen Fresken, Mosaiken und Ikonen in Kiew. Nach einem Aufenthalt in Moskau ließ er sich 1908 in Paris nieder. Dort kam er in Kontakt mit den Strömungen der Avantgarde, insbesondere mit der Gruppe der Kubisten. Er lebte in La Ruche (2, passage de Dantzig), einem ehemaligen Weinpavillon der Weltausstellung von 1889, der zu einem künstlerischen Atelier umgebaut worden war. Er arbeitete als Einzelgänger und zog es vor, im Louvre archaische griechische Skulpturen zu studieren, anstatt die Kunsthochschule zu besuchen, deren akademischen Unterricht er verachtete (diesen Vorwurf hatte der Künstler bereits seinen Professoren an der Kunsthochschule in Kiew gemacht, die ihn schließlich entließen). Bis zu seinen 1906 in Moskau präsentierten Werken wurde er von Rodin beeinflusst, doch schon mit seinen Pariser Arbeiten im Alter von 24 Jahren etablierte er sich als einer der führenden Vertreter der Avantgarde-Bildhauerei.

1910 stellte er im Salon des indépendants in Paris aus. Am Freitag, den 21. April 1911, wurden seine Werke zusammen mit denen von Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, André Lhote und Joseph Csaky auf dem XXVII. Salon des Indépendants Gegenstand einer hitzigen Kritik, die an die Kritik an der Ausstellung der Fauves erinnerte. Diese Künstler, die als "Würfelmeister" angesehen wurden, verwirrten sogar Guillaume Apollinaire. Man warf ihnen vor, den Kubismus zu verdrehen, ihn zu karikieren oder gar zu antiakademisch zu sein. Die Abwesenheit von Picasso und Braque (die ausschließlich mit der Galerie von Daniel-Henry Kahnweiler ausstellten) bei dieser Ausstellung wird bedauert.

Archipenkos erste Einzelausstellung fand 1912 im Museum Folkwang in Hagen, Deutschland, statt. Im selben Jahr eröffnete er eine Kunstschule in Paris und schloss sich der Gruppe der Section d'Or an. Er stellte auch seine ersten Reliefgemälde, die sogenannten "sculpto-peintures", her. Im Oktober 1912 fand in der Galerie La Boétie in Paris der erste Salon der Section d'Or statt, bei dem Archipenkos Werke neben denen von Fernand Léger, Albert Gleizes, Jean Metzinger, Juan Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, André Lhote, Roger de La Fresnaye und Louis Marcoussis ausgestellt wurden. Insgesamt waren 31 Künstler mit 200 Werken vertreten. Trotz der bemerkenswerten Abwesenheit Picassos hat die Ausstellung einen didaktischen Charakter: Der Kubismus war vier Jahre nach seiner Entstehung in eine theoretische Phase eingetreten. Apollinaire verteidigte sie jedoch in seinen Kolumnen für L'Intransigeant und in Vorworten zu Katalogen.

1913 wurden vier Werke von Archipenko auf der Armory Show in New York ausgestellt. Zu dieser Zeit fertigte er auch seine ersten Radierungen an, die 1914 in der futuristischen italienischen Publikation Lacerba abgedruckt wurden. Im selben Jahr nahm er am XXX Salon des Indépendants teil, bevor er 1920 auf der Biennale in Venedig ausstellte. Während des Ersten Weltkriegs lebte der Künstler in Cimiez in der Nähe von Nizza. Dort lernte er die Künstlerin Marthe Donas kennen, die seine Lebensgefährtin wurde. Es folgte eine intensive Zusammenarbeit zwischen den beiden Künstlern. Von 1919 bis 1921 reiste er nach Genf, Zürich, Paris, London, Brüssel, Athen und in andere europäische Städte, um seine Werke auszustellen. Seine erste Einzelausstellung in den USA fand 1921 in New York bei der Société Anonyme statt. 1923 verließ er Berlin und ging in die USA, wo er im Laufe der Jahre mehrere Kunstschulen in New York, Woodstock, Los Angeles und Chicago eröffnete. In den folgenden drei Jahren unterrichtete er in den USA an Kunstschulen und Universitäten, darunter auch am kurzlebigen New Bauhaus. Im Jahr 1928 wurde er amerikanischer Staatsbürger.

1933 stellte er im ukrainischen Pavillon im Rahmen der Century of Progress World's Fair in Chicago aus. Von 1937 bis 1939 war er Associate Instructor an der New Bauhaus School of Industrial Arts in Chicago. Parallel dazu wurden die meisten seiner Werke in deutschen Museen von den Nazis mit der Absicht konfisziert, entartete Kunst zu säubern. Im Jahr 1947 schuf er Skulpturen, die von innen beleuchtet wurden. Später begleitet er 1955 und 1956 eine Wanderausstellung seiner Werke durch ganz Deutschland. Er schreibt auch ein Buch, Archipenko: 50 Years of Creation (1908-1958), das 1960 veröffentlicht wird und Beiträge von 50 Kunsthistorikern mit Texten von Archipenko über das Kunstschaffen vereint. Im Jahr 1962 wurde er in die American Academy of Arts and Letters gewählt.

Für Archipenko ist es "schwierig, das Werk eines Künstlers in Perioden einzuteilen". Er fügt hinzu:

"Ich habe nie einer Schule angehört: Ich wurde aus den Schulen geworfen. Ich habe geforscht, erfunden und experimentiert, dann wurde ich nachgeahmt... Für jeden Künstler ist die Kunst ein kreativer Aufwärtsstrom zur individuellen Entdeckung der Wahrheit in den Formen der Natur, und die Perioden bilden nur Kästchen in den Köpfen der Kritiker."

Archipenko zufolge ist das Hauptproblem, das die Skulptur aufwirft, das Volumen und die Verbindung der Massen untereinander. In dieser Hinsicht war er noch extremer als die modernen Bildhauer wie Brancusi oder Duchamp-Villon, die wie er Mitglieder der Gruppe des Goldenen Schnitts waren. Sein Hauptanliegen ist die Leere, die die Kraft des abwesenden Objekts besitzt und dadurch das Volumen schafft. Die Vereinfachung, das Aushöhlen der Volumen unter Beibehaltung des figurativen Aspekts sind die Prinzipien seiner Skulptur. Seine Kunst, die sich durch eine große mathematische Strenge auszeichnet, lässt dem weiblichen Körper einen herausragenden Platz. Er erinnert sich gerne an die allgegenwärtigen Steinidole der alten Slawen in seiner Kindheit.

Picasso hatte die ersten Regeln dieser bildhauerischen Grammatik ausgearbeitet: Mehrfarbigkeit, Integration verschiedenster Materialien, rhythmische Verwendung von Ebenen, Erscheinen von Formen im Lichtraumprofil. Wie die Malerei beschäftigte sich auch die kubistische Skulptur hauptsächlich mit den Beziehungen zwischen den Objekten und dem Raum, mit den Volumen und Leerräumen, die sie voneinander trennten oder in die sie sich einfügten. Der Einfluss des italienischen Futurismus, vor allem durch Boccioni, den Archipenko 1912 kennengelernt hatte, ist in den dynamischen Formen seiner Werke spürbar. Archipenko erforschte insbesondere die Dialektik von konkaven und konvexen Formen.

Er entwickelte einen persönlichen Stil mit stereometrisch vereinfachten Körpermassen, im Raum aufgerichteten Figuren, abgeschrägten Formen, spitzen Winkeln und kristallinen Brüchen, der aus dem formalen Inventar des Kubismus stammt und auch vom Manierismus inspiriert ist.

Abgesehen von Boccioni hat kein Bildhauer die Analyse des Raums, das zentrale Problem dieses Jahrzehnts, so sehr verabsolutiert und die Interaktion zwischen Volumen und Leere auf so persönliche Weise in expressive und lyrische, dynamische und statuarische Bereiche vorangetrieben. Er schaffte die Verbindung zwischen formaler Strenge und spielerischem Reiz und vereinte die vier Ungreifbaren - Raum, Transparenz, Licht und Reflexion - in einer Form, wodurch er einen modernen bildhauerischen Stil schuf, der mit konkaven Formen spielte.

Torso (1909) ist seine erste Skulptur mit kubistischen Tendenzen. In seiner ersten Skulptur, dem Torso, setzte er auf eine Disartikulation der Volumen, die er durchlöcherte, um den Raum in sie eindringen zu lassen.

Zu dieser Zeit wusste er noch nichts vom Kubismus und ließ sich von den in sich gekehrten Skulpturen von Barlach oder Kollwitz inspirieren (Frau und Katze 1910 oder Frau mit Katze 1911). 1911/12 entfalten sie sich, und man ahnt den kubistischen Einfluss in den aufgeblähten Schenkeln und Armen oder im Gegenteil eine Tendenz zu mageren Formen (Femme marchant 1912). Ab 1911 nahm er aktiv an der kubistischen Bewegung teil. Die plastischen Probleme, mit denen sich seine Skulptur zu dieser Zeit auseinandersetzt, sind entschieden neu: volle Volumen, Beziehungen zwischen Leere und Fülle, Volumen in Vertiefungen. Er möchte die "abwesende Realität" symbolisieren. Mit Femme marchant aus dem Jahr 1912 experimentierte er zum ersten Mal mit einem Kopf in Negativform. 1912 identifiziert er sein Lieblingsthema: Durchdringung von Körper und Raum, Entwicklung von konkaven und konvexen Kurven, so dass die skulpturale Form durch ihre Matrix gewissermaßen wahrnehmbar wird. Er entwickelt seine eigene Theorie der komplementären Formen: Jede Leere erzeugt ihren imaginären Gegenpol.

Mit der Medrano-Serie, die 1912 entstand, schuf er eine erste Assemblage aus verschiedenen bemalten Materialien (Glas, Holz und Metall): Es handelte sich um Gelenkpuppen, die wie Harlekine aus Holz aussahen, indem er Glas, eine Metallfolie, Draht, Zylinderkegel und Scheiben verwendete, die durch eine mehrfarbige Bemalung dynamisiert wurden. In seiner ständigen künstlerischen Suche entwickelte er neue kreative Methoden und schuf eine Interaktion zwischen Malerei und Skulptur. Durch diese Befreiung der Form brach Archipenko mit der traditionellen Bildhauerei und etablierte sich als einer der Meister der Avantgarde. Er knüpfte an ein Genre an, das seit dem 17. Jahrhundert von der westlichen Bildhauerei vernachlässigt wurde: die Polychromie.

Seine 1912 geschaffenen "sculpto-peintures" sind Reliefs aus bemaltem Gips. Zwischen Malerei und Skulptur untersuchte er die wechselseitige Beziehung zwischen Form und Farbe, wobei die eine die andere betont oder abschwächt. Diese beiden Künste werden auf visueller und spiritueller Ebene vereint oder kontrastiert, je nachdem, was das Ziel ist.

Von 1913 bis 1916 dominiert die Form über die Realität. La Danse (1912) dreht sich um einen aufsteigenden Innenraum, der dank der von einem Paar gebildeten Arabeske von Leichtigkeit geprägt ist. Er organisiert diese Skulptur um die Leere herum. Bei dieser Arbeit mit der Leere und der Fülle hütet er sich davor, die Körper zu vollenden, deren Glieder er anhält, wenn die Plastik es ihm befiehlt. So führt er die Leere als vollen Bestandteil ein, wie in Femme (Frau) aus dem Jahr 1915, deren Kopf um eine Lücke herum gezeichnet ist.

1913 schuf er eine Skulptur aus Draht, die Apollinaire als "en baleine de parapluie" (aus dem Wal eines Regenschirms) beschrieb. Später ging seine Auseinandersetzung mit dem Kubismus in Richtung Konstruktivismus.

Mit La Boxe im Jahr 1913 versuchte der Künstler, die brutale Energie des Sports in abstrakte Formen umzusetzen. Die Boxer werden zu scharfen Formen reduziert, die ineinander verschachtelt sind und heftig aufeinanderprallen, wobei die Muskeln durch rhythmische Energien ersetzt werden.

Tête constructiviste (1913) besteht aus einer Zusammenstellung von Ebenen. Gondoliere (1914) ist aus leicht versetzten Abschnitten zusammengesetzt, um im Sinne des Futurismus ein Gefühl für Bewegung zu vermitteln. Mit Stillleben (1915) liefert Archipenko auch eines seiner seltenen Reliefgemälde.

Als er Anfang der 1920er Jahre in die Vereinigten Staaten kam, bekennt er sich zur Tradition: Es herrscht Glätte vor, perfekt und entspannt. Mit Femme (1920) nahm er sofort wieder die Skulptur mit hoher Metallfigur auf bemalter Platte auf. Damit näherte er sich der traditionellen Bildhauerei an.

Von 1924 bis 1928 entwickelte er die "Archipeinture", die auf Leinwänden basierte, die durch geschickt versteckte Motoren in Bewegung gesetzt wurden: Ein elektrischer Mechanismus an der Basis des Geräts versetzte den zentralen Rahmen in eine hin- und hergehende Bewegung, und Tausende von nacheinander gemalten Fragmenten erschienen auf der Oberfläche, um ein vollständiges Bild zu bilden. Diese Erfindung wurde in New York umgesetzt. Seine Suche galt stets der visuellen Belebung seiner Werke, entweder durch Löcher in der Masse, damit der Raum sie durchdringen kann, oder durch die Verwendung von Materialien wie Glas, Holz oder Metall - oder sogar, bei seinen Skulpturengemälden, durch Hinzufügen von Farbe.

En Famille (1935) ist ein Werk, das sowohl konzentriert als auch vom Konstruktivismus beeinflusst ist.

In die zwei Dimensionen schlüpft auch ein außergewöhnliches Werk wie diese weibliche Figur in Gouache, deren abwechselnd braune und weiße Massen das Relief des Körpers schaffen (Moonlight, 1937).

In den 1940er und 1950er Jahren setzte er seine künstlerischen Erkundungen fort, indem er neue Materialien und Techniken verwendete. So verwendet er für Figure assise geschnitzten und beleuchteten Kunststoff. Seine ursprünglichen Formen, von denen die meisten verschwunden waren, nahm er in riesigen Formaten wieder auf (Figures d'acier 1951, Cleopatra 1957). In den 1950er Jahren bemerkte er für einige Zeit seine falsche Ausrichtung und versuchte, seine Anfänge zu pastisieren oder zu rekonstruieren, da viele seiner Werke den Ersten Weltkrieg nicht überlebten.

Ab Ende der 1950er Jahre kehrte er zu seinem kubo-konstruktivistischen Stil zurück, mit stark geometrisierten Figuren, die signifikante Leerstellen beibehielten und meist symmetrisch waren (Kimono 1961 oder Le Roi Salomon 1963).

Quellen

  1. Alexander Archipenko
  2. Alexandre Archipenko
  3. En russe : Алекса́ндр Порфи́рьевич Архи́пенко ; en anglais : Alexander Archipenko.
  4. ^ "Alexander Archipenko". Retrieved 27 July 2022.
  5. ^ Donald H. Karshan, Archipenko, Content and Continuity 1908–1963, Kovlan Gallery, Chicago, 1968. p. 40.
  6. ^ Halich, W. (1937) Ukrainians in the United States, Chicago ISBN 0-405-00552-0
  7. https://www.collectienederland.nl/dimcon/defundatie/1998
  8. a b Integrált katalógustár (német és angol nyelven). (Hozzáférés: 2014. április 26.)