Streszczenie

Oleksandr Porfyrovytch Arkhypenko (ukraiński: Олекса́ндр Порфи́рович Архи́пенко), znany również jako Aleksander Archipenko, urodzony w Kijowie 30 maja 1887 roku, a zmarły w Nowym Jorku 25 lutego 1964 roku, był naturalizowanym ukraińsko-amerykańskim rzeźbiarzem.

Syn inżyniera, Aleksander Archipenko studiował również matematykę (pozostał zafascynowany związkiem sztuki i nauki), ale szybko zwrócił się ku malarstwu i rzeźbie w Kijowie i Moskwie w latach 1902-1906. W tym okresie rozwinął szczególne zainteresowanie bizantyjskimi freskami, mozaikami i ikonami Kijowa. Po pobycie w Moskwie, w 1908 roku przeniósł się do Paryża. Tam zetknął się z ruchami awangardowymi, w szczególności z grupą kubistów. Zamieszkał w La Ruche (2, passage de Dantzig), dawnym pawilonie winiarskim z Wystawy Powszechnej 1889 przekształconym w pracownię artystyczną. Pracował samotnie, wolał chodzić do muzeum w Luwrze, by studiować archaiczną rzeźbę grecką, niż do Beaux-Arts, którego akademickim nauczaniem gardził (zarzut ten artysta kierował już do swoich nauczycieli w kijowskiej szkole artystycznej, którzy w końcu go wyrzucili). Pozostając pod wpływem Rodina, aż do momentu prezentacji prac w Moskwie w 1906 roku, od 24 roku życia zaznaczył się jako jeden z liderów awangardy rzeźbiarskiej.

W 1910 roku wystawiał na Salon des indépendants w Paryżu. W piątek 21 kwietnia 1911 roku na 27. Salon des indépendants jego prace, wraz z pracami Alberta Gleizesa, Jeana Metzingera, Roberta Delaunaya, Henri Le Fauconniera, André Lhote'a i Josepha Csaky'ego, stały się przedmiotem żarliwej krytyki, przypominającej tę wywołaną przez wystawę fowistów. Uznani za "mistrzów kubizmu" artyści ci wprawili w zakłopotanie nawet Guillaume'a Apollinaire'a. Zarzucano im nadużywanie kubizmu, jego karykaturalność, a nawet antyakademickość. Żałowano nieobecności na tej wystawie Picassa i Braque'a (którzy wystawiali wyłącznie w galerii Daniela-Henry'ego Kahnweilera).

Pierwsza indywidualna wystawa Archipenki miała miejsce w Muzeum Folkwang w Hagen (Niemcy) w 1912 roku. W tym samym roku otworzył szkołę artystyczną w Paryżu i dołączył do grupy Section d'Or. Powstają też pierwsze obrazy reliefowe, "sculpto-paintings". W październiku 1912 roku w Galerie La Boétie w Paryżu odbył się pierwszy Salon de la Section d'Or, na którym prace Archipenki wystawiono obok prac Fernanda Légera, Alberta Gleizesa, Jeana Metzingera, Juana Grisa, Marcela Duchampa, Raymonda Duchampa-Villona, Jacquesa Villona, André Lhote'a, Rogera de La Fresnaye'a i Louisa Marcoussisa. W sumie obecnych było 31 artystów z 200 pracami. Mimo zauważalnej nieobecności Picassa, wystawa ta ma charakter dydaktyczny: kubizm wszedł w fazę teoretyczną cztery lata po swoich narodzinach. Salon de la Section d'Or sprowokował ostrą krytykę tych rewolucyjnych dzieł: Apollinaire bronił ich jednak w swoich felietonach dla L'Intransigeant i w przedmowach do katalogów.

W 1913 roku cztery prace Archipenki zostały pokazane na Armory Show w Nowym Jorku. W tym czasie powstały też jego pierwsze ryciny, które w 1914 roku zostały zamieszczone we włoskiej publikacji futurystycznej Lacerba. W tym samym roku wziął udział w XXX Salon des Indépendants, a w 1920 roku wystawił się na Biennale w Wenecji. Podczas I wojny światowej artysta mieszkał w Cimiez, niedaleko Nicei. Poznał tam artystkę Marthe Donas, która stała się jego towarzyszką. Między nimi nawiązała się intensywna współpraca. W latach 1919-1921 artysta podróżował do Genewy, Zurychu, Paryża, Londynu, Brukseli, Aten i innych miast europejskich, aby wystawiać swoje prace. Jego pierwsza indywidualna wystawa w Stanach Zjednoczonych odbyła się w 1921 roku w Nowym Jorku w Société Anonyme. W 1923 roku wyjechał z Berlina do Stanów Zjednoczonych, gdzie w latach otworzył kilka szkół artystycznych w Nowym Jorku, Woodstock, Los Angeles i Chicago. Przez kolejne trzy lata wykładał w Stanach Zjednoczonych w szkołach artystycznych i na uniwersytetach, w tym w krótko istniejącym Nowym Bauhausie. W 1928 roku został naturalizowanym obywatelem amerykańskim.

W 1933 roku wystawiał w pawilonie ukraińskim na Światowych Targach Stulecia Postępu w Chicago. W latach 1937-1939 był zastępcą instruktora w Nowej Szkole Bauhausu w Chicago. W tym samym czasie większość prac artysty w niemieckich muzeach została skonfiskowana przez nazistów z zamiarem oczyszczenia ze zdegenerowanej sztuki. W 1947 roku stworzył rzeźby, które były podświetlane od wewnątrz. Później towarzyszył objazdowej wystawie swoich prac w całych Niemczech w latach 1955 i 1956. Napisał również książkę Archipenko: 50 lat tworzenia (1908-1958), wydaną w 1960 roku, w której zebrano wypowiedzi pięćdziesięciu historyków sztuki z tekstami Archipenki na temat tworzenia sztuki. W 1962 roku został wybrany do Amerykańskiej Akademii Sztuki i Literatury.

Dla Archipenki "trudno jest sklasyfikować twórczość artysty na okresy". dodaje:

"Nigdy nie należałem do szkół: ze szkół zostałem wyrzucony. Badałem, wymyślałem i eksperymentowałem, a potem byłem naśladowany... Dla każdego artysty sztuka jest twórczym ruchem w górę w kierunku indywidualnego odkrycia prawdy w formach natury i okresach są tylko pudełkami w umysłach krytyków."

Według Archipenki głównym problemem poruszanym przez rzeźbę jest problem objętości i połączenia między masami. Był w tym jeszcze bardziej skrajny niż współcześni rzeźbiarze, tacy jak Brancusi czy Duchamp-Villon, którzy podobnie jak on należeli do grupy Złotej Sekcji. Jego głównym problemem jest pustka, która posiada moc nieobecnego przedmiotu i w ten sposób tworzy objętość. Uproszczenie, wydrążenie objętości przy zachowaniu aspektu figuratywnego to zasady jego rzeźby. Jego sztuka, charakteryzująca się dużym rygorem matematycznym, pozostawia dominujące miejsce ciału kobiecemu. Z upodobaniem przywołuje w dzieciństwie wszechobecność kamiennych idoli dawnych Słowian.

Picasso opracował pierwsze zasady tej rzeźbiarskiej gramatyki: polichromia, integracja najróżniejszych materiałów, rytmiczne stosowanie płaszczyzn, pojawianie się form otwartych. Podobnie jak malarstwo, rzeźba kubistyczna zajmuje się przede wszystkim relacją między przedmiotami a przestrzenią, objętościami i pustkami, które je oddzielają lub w które są wprowadzane. Wpływ włoskiego futuryzmu, szczególnie poprzez Boccioniego, którego Archipenko poznał w 1912 roku, jest odczuwalny w dynamicznych formach jego prac. Archipenko szczególnie eksplorował dialektykę form wklęsłych i wypukłych.

Wypracował indywidualny styl o stereometrycznie uproszczonych masach ciała, przestrzennie wyprostowanych figurach, fazowanych formach, ostrych kątach, krystalicznych załamaniach z formalnego inwentarza kubizmu, inspirował się też manieryzmem.

Poza Boccionim żaden inny rzeźbiarz nie uczynił analizy przestrzeni, centralnego problemu dekady, tak absolutną, ani nie przesunął interakcji między objętością a pustką w tak osobisty sposób w obszary ekspresyjne i liryczne, dynamiczne i posągowe. Udało mu się połączyć formalny rygor i figlarny urok, zjednoczyć w jednej formie cztery nieuchwytne elementy: przestrzeń, przejrzystość, światło i odbicie, tworząc w ten sposób nowoczesny styl rzeźbiarski, który bawi się wklęsłymi formami.

Tors (1909) to jego pierwsza rzeźba o tendencjach kubistycznych. W niej zdezartykulował bryły, przebijając je, by umożliwić przenikanie przestrzeni.

Nie znał wówczas kubizmu i inspirował się skierowanymi do wewnątrz rzeźbami Barlacha czy Kollwitza (Kobieta i kot w 1910 czy Kobieta z kotem w 1911). W latach 1911-12 rzeźby są rozbudowywane, a wpływy kubistyczne wyczuwa się w nabrzmiałych udach i ramionach lub przeciwnie - w tendencji do chudych form (Kobieta idąca w 1912). Od 1911 roku aktywnie uczestniczył w ruchu kubistycznym. Problemy plastyczne, które podejmowała jego rzeźba były wówczas zdecydowanie nowe: pełne objętości, relacje między pustymi i pełnymi, puste objętości. Chciał symbolizować "nieobecną rzeczywistość". W 1912 roku w Femme marchant po raz pierwszy eksperymentował z głową w negatywie. W 1912 roku określa swój ulubiony temat: przenikanie się ciała i przestrzeni, rozwój krzywych wklęsłych i wypukłych, tak aby forma rzeźbiarska stała się w pewien sposób odczuwalna poprzez swoją matrycę. Rozwija własną teorię form komplementarnych: każda pustka generuje swoją wyobrażoną antytezę.

W serii Medrano, wykonanej w 1912 roku, stworzył pierwszy asamblaż z różnych malowanych materiałów (szkło, drewno i metal): są to przegubowe lalki przypominające drewniane harlequiny, wykorzystujące szkło, folię metalową, drut, stożki cylindryczne i dyski energetyzowane farbą polichromowaną. W ciągłych poszukiwaniach artystycznych rozwija nowe metody tworzenia i tworzy interakcję pomiędzy malarstwem i rzeźbą. Dzięki wyzwoleniu formy Archipenko zerwał z tradycyjną rzeźbą i stał się jednym z mistrzów awangardy. Ożywił gatunek zaniedbany od XVII wieku przez zachodnią rzeźbę - polichromię.

Jego "sculpto-paintings" powstałe w 1912 roku to malowane reliefy gipsowe. Pomiędzy malarstwem a rzeźbą badał wzajemne relacje pomiędzy formą i kolorem, z których jedna akcentuje lub pomniejsza drugą. Te dwie sztuki są zjednoczone lub skontrastowane na poziomie wizualnym i duchowym, w zależności od poszukiwanego celu.

W latach 1913-1916 forma dominowała nad rzeczywistością. La Danse (1912) opiera się na przestrzeni wewnętrznej, która wznosi się z lekkością dzięki arabesce tworzonej przez parę. Zorganizował tę rzeźbę wokół pustki. Tworząc to dzieło o pustce i pełni, uważał, by nie uzupełniać ciał, których kończyny zatrzymywał, gdy nakazywała mu to plastyczność. W ten sposób wprowadza pustkę jako część pełną, jak w Kobiecie w 1915 roku, której głowa jest obrysowana wokół szczeliny.

W 1913 roku stworzył rzeźbę z drutu, którą Apollinaire określił jako "wieloryba z parasolką". Później jego traktowanie kubizmu przejdzie w stronę konstruktywizmu.

W La Boxe z 1913 roku artysta próbował przełożyć brutalną energię sportu na formy abstrakcyjne. Bokserzy zredukowani są do ostrych kształtów zazębiających się ze sobą i gwałtownie ścierających, mięśnie zastąpione są rytmiczną energią.

Tête constructiviste (1913) zbudowana jest z asamblażu płaszczyzn. Gondolier (1914) jest skomponowany w lekko przesuniętych sekcjach, aby dać poczucie ruchu w duchu futuryzmu. Martwą naturą (1915) Archipenko dostarczył również jeden ze swoich rzadkich obrazów w reliefie.

Po przybyciu do Stanów Zjednoczonych na początku lat 20. podjął tradycję: dominuje gładkość, perfekcja i luz. Z Femme (1920) natychmiast powrócił do rzeźby z wysoką metalową figurą na malowanym panelu. Następnie zbliżył się do tradycyjnej rzeźby.

W latach 1924-1928 opracował "archipainting", oparty na płótnach wprawianych w ruch przez sprytnie ukryte silniki: mechanizm elektryczny u podstawy aparatu wprawiał w ruch tam i z powrotem centralną ramę, a na powierzchni pojawiały się tysiące następujących po sobie fragmentów malarskich, tworzących kompletny obraz. Wynalazek ten został wdrożony w Nowym Jorku. Jego badania zawsze dotyczyły wizualnej animacji dzieł, czy to poprzez wycięcie w nich otworów umożliwiających przenikanie przestrzeni, czy też poprzez zastosowanie materiałów takich jak szkło, drewno, metal - lub w przypadku obrazów rzeźbiarskich - poprzez dodanie koloru.

En Famille (1935) to skoncentrowane dzieło, na które wpływ miał konstruktywizm.

W dwóch wymiarach można też znaleźć wyjątkowe prace, takie jak ta postać kobieca w gwaszu, której naprzemienne brązowe i białe masy tworzą relief ciała (Moonlight in 1937).

W latach 40. i 50. kontynuował swoje artystyczne poszukiwania, wykorzystując nowe materiały i techniki. Na przykład w Figure assise zastosował cięty i oświetlony plastik. Podejmował swoje początkowe formy, z których większość zniknęła, w gigantycznych formatach (Figures d'acier w 1951, Cléopâtre w 1957). W latach 50. zdał sobie sprawę, że przez pewien czas popełniał błąd w orientacji i zaczął pastiszować swoje początki lub je rekonstruować, ponieważ wiele jego prac nie przetrwało I wojny światowej.

Od końca lat 50. powrócił do swojego kubo-konstruktywistycznego stylu, z silnie zgeometryzowanymi figurami, zachowującymi znaczne puste przestrzenie i najczęściej symetrycznymi (Kimono z 1961 r. czy Król Salomon z 1963 r.).

Źródła

1. Alexander Archipenko
2. Alexandre Archipenko
3. En russe : Алекса́ндр Порфи́рьевич Архи́пенко ; en anglais : Alexander Archipenko.
4. ^ "Alexander Archipenko". Britannica. 2022. Retrieved 2023-02-16. Ukrainian-American artist
5. https://www.collectienederland.nl/dimcon/defundatie/1998
6. a b Integrált katalógustár (német és angol nyelven). (Hozzáférés: 2014. április 26.)
7. a b SNAC (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)