Streszczenie

Franz Kline (23 maja 1910 - 13 maja 1962) był amerykańskim malarzem. Jest kojarzony z ruchem ekspresji abstrakcyjnej lat 40. i 50. Kline, wraz z innymi malarzami akcji, takimi jak Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell, John Ferren i Lee Krasner, a także lokalnymi poetami, tancerzami i muzykami, stał się znany jako nieformalna grupa, New York School. Choć Kline zgłębiał te same innowacje w malarstwie, co inni artyści z tej grupy, jego twórczość jest odrębna sama w sobie i jest czczona od lat 50.

Kline urodził się w Wilkes-Barre w Pensylwanii, małej społeczności w regionie węglowym w północno-wschodniej Pensylwanii. Gdy miał siedem lat, ojciec Kline'a popełnił samobójstwo. W młodości przeniósł się do Lehighton w Pensylwanii, gdzie ukończył Lehighton High School. Jego matka wyszła później ponownie za mąż i wysłała go do Girard College, akademii w Filadelfii dla chłopców bez ojca. Po ukończeniu szkoły średniej Kline studiował sztukę na Boston University w latach 1931-1935, a następnie spędził rok w Anglii uczęszczając do Heatherley School of Fine Art w Londynie. W tym czasie poznał swoją przyszłą żonę, Elizabeth V. Parsons, brytyjską tancerkę baletową. Wraz z Kline'em wróciła do Stanów Zjednoczonych w 1938 roku.

Po powrocie do kraju Kline pracował jako projektant dla domu towarowego w stanie Nowy Jork. Następnie w 1939 roku przeniósł się do Nowego Jorku i pracował dla scenografa. To właśnie w tym czasie w Nowym Jorku Kline rozwinął swoje techniki artystyczne i zdobył uznanie jako znaczący artysta.

Później uczył w wielu instytucjach, w tym w Black Mountain College w Północnej Karolinie i Pratt Institute na Brooklynie. W latach 1956-1962 spędzał lato malując w Provincetown w stanie Massachusetts, a zmarł w 1962 roku w Nowym Jorku na chorobę reumatyczną serca, dziesięć dni przed swoimi 52. urodzinami.

Wczesna praca

Wykształcenie artystyczne Kline'a skupiało się na tradycyjnym ilustrowaniu i rysowaniu. W późnych latach 30. i wczesnych 40. Kline pracował figuratywnie, malując pejzaże i krajobrazy miejskie, a także portrety i murale na zamówienie. Jego indywidualny styl można po raz pierwszy dostrzec w serii murali Hot Jazz, które namalował dla Bleecker Street Tavern w Greenwich Village w 1940 roku.

Cykl ten ujawnił jego zainteresowanie rozbijaniem form reprezentacyjnych na szybkie, rudymentarne pociągnięcia pędzla.

Osobisty styl, który rozwinął w tym czasie, używając uproszczonych form, stawał się coraz bardziej abstrakcyjny. Wiele z przedstawionych przez niego postaci opiera się na lokomotywach, surowych krajobrazach i dużych mechanicznych kształtach jego rodzinnej, górniczej społeczności w Pensylwanii. Dla widza jest to czasem widoczne tylko dlatego, że prace noszą nazwy tych miejsc i obiektów, a nie dlatego, że rzeczywiście wyglądają jak ich przedmiot. Pod wpływem współczesnej nowojorskiej sceny artystycznej, Kline pracował dalej w kierunku abstrakcji i ostatecznie porzucił reprezentacjonizm. Od końca lat 40. Kline zaczął uogólniać swoje figuratywne tematy na linie i płaszczyzny, które pasują do siebie jak dzieła kubizmu z tamtych czasów.

W 1946 roku Lehighton, Pennsylvania, Post of the American Legion zlecił Kline'owi wykonanie dużego płótna przedstawiającego miasto, w którym uczęszczał do szkoły średniej. Mural Lehighton został nabyty od Postu Legionu Amerykańskiego w 2016 roku przez Allentown Art Museum w Allentown w Pensylwanii i jest tam dziś na stałej wystawie.

Późniejsza praca

Powszechnie uważa się, że najbardziej rozpoznawalny styl Kline'a wywodzi się z sugestii jego przyjaciela i twórczego wpływu, Willema de Kooninga. Żona de Kooninga, Elaine, przedstawiła romantyczną relację z tego wydarzenia, twierdząc, że w 1948 roku de Kooning poradził sfrustrowanemu artystycznie Kline'owi, by ten rzutował szkic na ścianę jego pracowni, używając projektora Bell-Opticon. Kline tak opisał projekcję:

"Czarny rysunek fotela bujanego o wymiarach cztery na pięć cali (...) ukazywał się w gigantycznych czarnych pociągnięciach, które eliminowały jakikolwiek obraz, pociągnięcia rozszerzały się jako byty same w sobie, niezwiązane z żadnym bytem, ale z ich własnym istnieniem".

Jak sugeruje Elaine de Kooning, to właśnie wtedy Kline poświęcił się pracom abstrakcyjnym na dużą skalę i zaczął rozwijać swoją osobistą formę ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Jednak, choć Willem de Kooning wspomina, że Kline zagłębił się w abstrakcję "nagle, pogrążył się w niej", przyznaje również, że zajęło mu to sporo czasu, stwierdzając, że "Franz miał wizję czegoś i czasami potrzeba sporo czasu, aby ją dopracować". Przez następne dwa lata pociągnięcia pędzla Kline'a stały się całkowicie nieprzedstawiające, płynne i dynamiczne. W tym czasie Kline zaczął też malować wyłącznie w czerni i bieli. Wyjaśnił, jak jego monochromatyczna paleta ma przedstawiać negatywną i pozytywną przestrzeń, mówiąc: "Maluję biel tak samo jak czerń, a biel jest równie ważna". Jego użycie czerni i bieli jest bardzo podobne do obrazów wykonanych przez de Kooninga i Pollocka w latach czterdziestych. Wydaje się, że w czarno-białych obrazach Kline'a są również odniesienia do japońskiej kaligrafii, poprzez jego wymianę z japońską awangardową grupą kaligraficzną Bokujinkai i jej liderem Morita Shiryu, chociaż Kline później zaprzeczył temu powiązaniu.

Pierwsza indywidualna wystawa Kline'a odbyła się między 16 października a 4 listopada 1950 roku w Egan Gallery przy 63 East 57th Street i składała się z jedenastu abstrakcyjnych obrazów. Kolor był rzadkim elementem w obrazach: brązowy podkład w pobliżu dolnej części Nijinsky'ego i ulotne odcienie zieleni w Ledze. Obrazy prezentowały różnorodne kompozycje i nastroje, ale wszystkie miały jedną cechę definiującą: charakterystyczny dla Kline'a styl czerni na bieli. Na początku lat 50. jego twórczość okazała się bardzo inspirowana francuskim malarzem Pierre'em Soulages, który w 1949 roku wystawiał w galerii Betty Parsons w Nowym Jorku. Pod koniec lat 30. w Londynie Kline nazwał siebie "czarno-białym człowiekiem", ale dopiero wystawa w Egan Gallery uświadomiła innym trafność tej fazy. Ze względu na wpływ Kline'a i jego konkretny styl, Kline został nazwany "czarno-białym artystą", etykietą, która przylgnęła do artysty i przez którą czasami czuł się ograniczony. Pierwsza indywidualna wystawa Kline'a była kluczowym wydarzeniem w jego karierze, ponieważ oznaczała praktycznie jednoczesny początek i koniec głównej inwencji Kline'a jako artysty abstrakcyjnego. W wieku czterdziestu lat, Kline miał zapewniony osobisty styl, który już opanował. Nie istniały dla niego żadne realne sposoby na dalsze poszukiwania; miał jedynie możliwość powielania stylu, który już opanował. Aby pójść dalej, Kline mógł pójść tylko w jednym logicznym kierunku: z powrotem do koloru, w kierunku, w którym podążał w momencie swojej przedwczesnej śmierci z powodu niewydolności serca.

W późniejszych latach 50-tych, w takich obrazach jak Requiem (1958), Kline zaczął eksperymentować z bardziej złożonym światłocieniem zamiast skupiać się na ścisłej monochromatycznej palecie. Następnie w 1958 roku ponownie wprowadził do swojej twórczości kolor poprzez kolorowe akcenty w swoich czarno-białych obrazach. Ta eksploracja z powrotem do użycia koloru była wciąż w fazie rozwoju, gdy Kline zmarł w 1962 roku. Cyfrowy katalog raisonne na temat "Franz Kline Paintings, 1950-1962" został niedawno opublikowany przez Hauser & Wirth Institute przy użyciu platformy Navigating.art.

Kline jest uznawany za jednego z najważniejszych, a zarazem problematycznych artystów nowojorskiego ruchu ekspresji abstrakcyjnej. Jego styl jest trudny do zinterpretowania przez krytyków w odniesieniu do współczesnych mu artystów. Podobnie jak Jackson Pollock, Willem de Kooning i inni abstrakcyjni ekspresjoniści, Kline był uważany za malarza akcji ze względu na swój pozornie spontaniczny i intensywny styl, skupiający się nie na postaciach czy obrazach, ale na ekspresji pociągnięć pędzla i wykorzystaniu płótna. Jednak obrazy Kline'a są zwodniczo subtelne. Podczas gdy generalnie jego obrazy mają spontaniczny i dramatyczny wpływ, Kline często ściśle odnosił się do swoich kompozycyjnych rysunków. Wiele ze swoich najbardziej złożonych obrazów Kline starannie odwzorował na podstawie obszernych studiów, zwykle tworzonych na odrzuconych stronach książki telefonicznej. W przeciwieństwie do swoich kolegów z kręgu ekspresji abstrakcyjnej, prace Kline'a miały wyglądać tylko na wykonane w chwili natchnienia; każdy obraz był jednak gruntownie badany, zanim pędzel malarza domowego dotknął płótna.

Kline był również znany z tego, że unikał nadawania znaczenia swoim obrazom, w przeciwieństwie do swoich kolegów, którzy dawali mistyczne opisy swoich dzieł. W katalogu prac Kline'a historyk sztuki Carolyn Christov-Bakargiev pisze, że "jego sztuka zarówno sugeruje, jak i zaprzecza znaczeniu i sensowi." Wiele z jego prac historycy sztuki postrzegają jako oznaki progresji w kierunku malarstwa minimalistycznego. Uważają oni, że jego prace posiadają obiektywną nieprzejrzystość i szczerość, która różni się od subiektywności związanej ze stylem Szkoły Nowojorskiej. To czyni jego prace bardziej podobnymi do awangardowych platform takich jak minimalizm, który zastąpił ruch Abstrakcyjnej Ekspresji w latach 60.

Historyk sztuki David Anfam zauważa, że artyści pracujący za życia Kline'a i po nim - tacy jak Robert Rauschenberg, Aaron Siskind, Cy Twombly, Mark di Suvero i Brice Marden - wszyscy nazywali Kline'a inspiracją.

W 2012 roku finansista z San Francisco George R. Roberts sprzedał w Christie's w Nowym Jorku szeroką na prawie dziesięć stóp (3 m), czarno-białą pracę bez tytułu z 1957 roku. Obraz trafił do licytującego przez telefon za 36 mln dolarów, czyli 40,4 mln dolarów z opłatami (Christie's zagwarantował sprzedającemu Robertowi Mnuchinowi nieujawnione minimum), co było rekordową ceną dla artysty na aukcji i ponad sześciokrotnie przekraczało poprzedni rekord, który został ustanowiony w 2005 roku, kiedy Christie's sprzedał Crow Dancer (1958) za 6,4 mln dolarów.

Wczesna praca, UNTITLED, z 1940 roku (wnętrze pokoju) została zakupiona w Sotheby's w 1995 roku przez prywatnego kolekcjonera za 21.850 dolarów. Ta wczesna praca pomaga zdefiniować wczesną fazę artysty, przed jego transformacją z malarza realistycznego w przełomowego ekspresjonistę abstrakcyjnego. Śmiałe pociągnięcia pędzla zapowiadają epicką czarną abstrakcję jego przełomowego stylu.

W 2018 roku Instytut Hauser & Wirth we współpracy z Estate of Franz Kline rozpoczął przygotowanie catalogue raisonné Franz Kline Paintings, 1950-1962. Projekt, w ramach którego po raz pierwszy zaprezentowane zostanie internetowe kompendium prac Kline'a wykonanych techniką olej na płótnie w okresie od 1950 roku do śmierci artysty w 1962 roku, ma zostać ukończony w 2022 roku.

W 1950 roku Kline miał swoją przełomową wystawę w Charles Egan Gallery, a rok później wziął udział w 9th Street Art Exhibition. W 1958 roku został włączony do głównej wystawy Museum of Modern Art "The New American Painting", która odbyła się w ośmiu miastach Europy. W dekadzie poprzedzającej jego śmierć jego prace znalazły się na licznych międzynarodowych wystawach, w tym na Biennale w Wenecji (oraz Whitney Annuals and Biennials (1952, 1953, 1955, 1961). Washington Gallery of Modern Art, Washington, D.C., zorganizowała wystawę pamiątkową (1962). Duże wystawy monograficzne odbyły się także w Whitney Museum of American Art, Nowy Jork (Cincinnati Art Museum, podróżujące do San Francisco Museum of Modern Art i Pennsylvania Academy of Fine Arts (oraz Castello di Rivoli, Museo d'arte contemporanea, Włochy (2004).

Źródła

1. Franz Kline
2. Franz Kline
3. ^ "A Lehighton art gem moves to Allentown". Archived from the original on December 31, 2018. Retrieved May 24, 2017.
4. ^ "Hot Jazz". Chrysler Museum of Art. Retrieved 16 January 2019.
5. ^ Christov-Bakargiev, Carolyn; Anfam, David; Ashton, Dore (2004). Franz Kline, 1910-1962. Italy: Skira Editore. p. 356. ISBN 88-8491-866-9.
6. Jean-Luc Chalumeau, « A propos du géant Soulages », [verso-hebdo],‎ 3 novembre 2022 (lire en ligne) :« En 1949, Franz Kline était un peintre figuratif spécialisé dans les fauteuils à bascule (Rocking chairs). Six mois plus tard, il était devenu abstrait, et ses formes noires ressemblaient étrangement à celles de Soulages. »
7. a b c d e f g DavidD. Anfam DavidD., Kline, Franz (Rowe), Oxford Art Online. Grove Art Online, 16 października 2013, DOI: 10.1093/gao/9781884446054.article.T046894, via Oxford University Press [dostęp 2020-10-13]  (ang.).
8. a b c d e f g h i j k l m FranzF. Kline FranzF., Franz Kline, Guggenheim [dostęp 2020-10-13]  (ang.).
9. LUCIE-SMITH, Edward (2006). Os Movimentos Artísticos a Partir de 1945. São Paulo: Martins Fontes. pp. 23, 25