Streszczenie

William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Królestwo Anglii, ok. 23 kwietnia 1564jul. - Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Królestwo Anglii, 23 kwietniajul.

Według Encyclopædia Britannica "Szekspir jest powszechnie uznawany za największego pisarza wszech czasów, wyjątkową postać w historii literatury. Sława innych poetów, takich jak Homer i Dante Alighieri, czy powieściopisarzy, takich jak Lew Tołstoj czy Charles Dickens, przekroczyła granice państw, ale żaden z nich nie osiągnął reputacji Szekspira, którego dzieła są obecnie czytane i wystawiane częściej i w większej liczbie krajów niż kiedykolwiek wcześniej. Spełniła się zatem przepowiednia jednego z jego wielkich współczesnych, Bena Jonsona: "Szekspir należy nie do jednego wieku, lecz do wieczności".

Amerykański krytyk Harold Bloom stawia Szekspira obok Dantego Alighieri na szczycie swojego "zachodniego kanonu": "Żaden inny pisarz nie dysponował tak wielkimi zasobami językowymi jak Szekspir, tak obfitymi w Love's Labours Lost, że mamy wrażenie, iż raz na zawsze osiągnięto wiele granic języka. Największa oryginalność Szekspira leży jednak w portretowaniu postaci: Bottom to melancholijny triumf; Shylock, stale dwuznaczny problem dla nas wszystkich; ale Sir John Falstaff jest tak oryginalny i tak zamaszysty, że dzięki niemu Szekspir obraca o sto osiemdziesiąt stopni to, czym jest tworzenie człowieka przez słowa".

Jorge Luis Borges napisał o nim: "Szekspir jest najmniej angielskim z angielskich poetów. W porównaniu z Robertem Frostem (z Nowej Anglii), z Williamem Wordsworthem, z Samuelem Johnsonem, z Chaucerem i z niewiadomymi, którzy pisali lub śpiewali elegie, jest niemal cudzoziemcem. Anglia jest ojczyzną niedopowiedzenia, dobrze wychowanej powściągliwości; hiperbola, nadmiar i przepych są typowe dla Szekspira".

Szekspir był czczonym poetą i dramaturgiem w swoich czasach, ale jego reputacja nie osiągnęła obecnych szczytów aż do XIX wieku. Zwłaszcza romantycy wychwalali jego geniusz, a wiktorianie czcili Szekspira z oddaniem, które George Bernard Shaw nazwał "bardolatrią".

W XX wieku jego sztuki były wielokrotnie adaptowane i odkrywane na nowo przez wszelkiego rodzaju ruchy artystyczne, intelektualne i dramatyczne. Szekspirowskie komedie i tragedie zostały przetłumaczone na wszystkie najważniejsze języki, są stale studiowane i wystawiane w różnych kontekstach kulturowych i politycznych na całym świecie. Ponadto wiele cytatów i aforyzmów, którymi opatrzone są jego sztuki, weszło do codziennego użytku, zarówno w języku angielskim, jak i w innych językach. A jeśli chodzi o życie osobiste, przez lata pojawiało się wiele spekulacji na temat jego życia, kwestionujących jego seksualność, przynależność religijną, a nawet autorstwo jego dzieł.

Istnieje bardzo niewiele udokumentowanych faktów dotyczących życia Szekspira, choć prawdopodobnie urodził się on 23 kwietnia 1564 roku. To, co można stwierdzić, to fakt, że został ochrzczony w Holy Trinity Church w Stratford-upon-Avon, Warwickshire, 26 kwietnia tego samego roku, a zmarł tam 23 kwietnia 1616 roku, według kalendarza juliańskiego (3 maja w gregoriańskim), w domniemanym dniu swoich 52. urodzin.

Początki

William Shakespeare (pisany również jako Shakspere, Shaksper i Shake-speare, ponieważ pisownia w czasach elżbietańskich nie była ani stała, ani bezwzględna) urodził się w Stratford-upon-Avon w kwietniu 1564 roku. Był trzecim z ośmiorga dzieci urodzonych przez Johna Shakespeare'a, zamożnego kupca, który awansował w dzielnicy, i Mary Arden, która wywodziła się z rodziny przodków.

W chwili jego narodzin rodzina mieszkała przy Henley Street w Stratford-upon-Avon. Dokładny dzień jego narodzin nie jest znany, gdyż w tym czasie sporządzano jedynie świadectwo chrztu, w tym przypadku 26 kwietnia, należy więc przyjąć, że urodził się kilka dni wcześniej (2 lub 3 dni), a nie więcej niż tydzień później, jak to było w zwyczaju. Tradycja tradycyjnie wyznacza datę jego narodzin na 23 kwietnia, czyli święto św. Jerzego, być może przez analogię do dnia jego śmierci, 23 kwietnia 1616 r., według kalendarza juliańskiego, ale data ta nie jest poparta żadnym dokumentem, choć jest najbardziej prawdopodobna.

Ojciec Szekspira, który w chwili narodzin Williama był u szczytu dobrobytu, wkrótce potem wypadł z łask. Oskarżony o nielegalny handel wełną, stracił swoją znaczącą pozycję we władzach gminy. Sugerowano również, że ewentualne pokrewieństwo z wiarą katolicką, po obu stronach rodziny, mogło odegrać rolę w jego oskarżeniu.

William Shakespeare prawdopodobnie odbył swoją wczesną edukację w lokalnej szkole gramatycznej, Stratford Grammar School, położonej w centrum jego rodzinnego miasta, która musiała zapewnić mu intensywną edukację w zakresie gramatyki łacińskiej i literatury. Chociaż jakość szkół gramatycznych w okresie elżbietańskim była raczej nierówna, istnieją przesłanki, że ta w Stratford była całkiem dobra. Uczęszczanie Szekspira do tej szkoły jest czystym przypuszczeniem, opartym na fakcie, że miał on prawo do bezpłatnej edukacji jako syn lokalnego urzędnika państwowego. Nie istnieje jednak żaden dokument, który by to potwierdzał, gdyż akta parafialne zaginęły. W tym czasie prowadził ją John Cotton, nauczyciel o szerokim wykształceniu humanistycznym i katolik; w grammar school (odpowiednik gimnazjum w Hiszpanii w XVI wieku lub dzisiejszej matury) uczono od 8 do 15 roku życia, a edukacja koncentrowała się na nauce łaciny; na wyższych poziomach zabroniono używania języka angielskiego, aby zachęcić do biegłego posługiwania się językiem łacińskim; normą było studiowanie dzieł Ezopa przetłumaczonych na łacinę, Owidiusza i Wergiliusza, autorów, z którymi Szekspir był zaznajomiony.

28 listopada 1582 roku, mając osiemnaście lat, Szekspir poślubił Anne Hathaway, lat 26, z Temple Grafton, niedaleko Stratford. Dwaj sąsiedzi Anne, Fulk Sandalls i John Richardson, zeznali, że nie było żadnych przeszkód w przeprowadzeniu ceremonii. Wydaje się, że zorganizowanie ślubu odbyło się w pośpiechu, być może dlatego, że Anne była w trzecim miesiącu ciąży. Po ślubie prawie nie ma śladów Williama Szekspira w zapisach historycznych, aż do momentu, gdy pojawia się na londyńskiej scenie teatralnej. 26 maja 1583 roku w Stratford została ochrzczona pierworodna córka pary, Susanna. Wkrótce potem ochrzczono również syna, Hamneta, i kolejną córkę, Judith, urodzoną jako bliźnięta. Sądząc po testamencie dramatopisarza, który nieco pogardliwie odnosi się do Anne Hathaway, małżeństwo nie było udane.

Późne lata 80. XV wieku znane są jako "stracone lata" dramaturga, ponieważ nie ma żadnych dowodów na to, gdzie przebywał i z jakiego powodu zdecydował się przenieść ze Stratfordu do Londynu. Według jednej z legend, dziś już mało wiarygodnej, został przyłapany na polowaniu na jelenie w parku Sir Thomasa Lucy, lokalnego sędziego, i zmuszony do ucieczki. Według innej hipotezy mógł dołączyć do zespołu teatralnego Lord Chamberlain's Men podczas przejazdu przez Stratford. XVII-wieczny biograf, John Aubrey, odnotowuje świadectwo syna jednego z towarzyszy pisarza, że Szekspir mógł spędzić jakiś czas jako wiejski nauczyciel.

Londyn i jego przejście przez teatr

W 1592 roku Szekspir był już w Londynie, pracując jako dramaturg, i był na tyle znany, że zasłużył na pogardliwy opis Roberta Greene'a, który przedstawia go jako "karierowicza, upiększonego naszymi piórami, który ze swoim tygrysim sercem owiniętym w komediową skórę uważa się za zdolnego do imponowania białym wierszem jak najlepsi z was", a także mówi, że "uważa się za jedynego shake-scena w kraju" (w oryginale Greene używa słowa shake-scene, nawiązując zarówno do reputacji autora, jak i jego nazwiska, w grze na paronomazji).

W 1596 roku, mając zaledwie jedenaście lat, zmarł Hamnet, jedyny syn pisarza, który został pochowany w Stratfordzie 11 sierpnia tego samego roku. Niektórzy krytycy twierdzą, że śmierć syna mogła zainspirować Szekspira do napisania Hamleta (ok. 1601), przeróbki wcześniejszej sztuki, która niestety nie zachowała się.

Do 1598 roku Shakespeare przeniósł swoją rezydencję do parafii St Helen's w Bishopsgate. Jego nazwisko znajduje się na czele listy aktorów w "Every Man in His Humour" Bena Jonsona.

Wkrótce został aktorem, pisarzem, a w końcu współwłaścicielem zespołu teatralnego znanego jako Lord Chamberlain's Men, nazwanego, jak inne w tamtych czasach, od nazwiska jego arystokratycznego patrona, Lorda Chamberlaina. Zespół stał się tak popularny, że po śmierci Elżbiety I i wstąpieniu na tron Jakuba I, nowy monarcha wziął go pod swoją opiekę, zmieniając nazwę na King's Men.

W 1604 roku Shakespeare wystąpił w roli swata córki swojego właściciela. Dokumentacja prawna z 1612 roku, kiedy sprawa trafiła do sądu, pokazuje, że w 1604 roku Szekspir był najemcą Christophera Mountjoya, hugenockiego rzemieślnika z północno-zachodniego Londynu. Uczeń Mountjoya, Stephen Belott, zamierzał poślubić córkę swojego pana, więc dramaturg został wybrany na pośrednika, który miał pomóc w negocjowaniu szczegółów posagu. Dzięki usługom Szekspira małżeństwo zostało zaaranżowane, ale osiem lat później Belott pozwał swojego teścia za niezapłacenie w całości uzgodnionego posagu. Pisarz został wezwany do złożenia zeznań, ale nie pamiętał proponowanej przez siebie kwoty.

Istnieje kilka dokumentów dotyczących spraw prawnych i transakcji biznesowych, które pokazują, że podczas pobytu w Londynie Szekspir stał się na tyle zamożny, że kupił posiadłość w Blackfriars i stał się właścicielem drugiego co do wielkości domu w Stratfordzie.

Ostatnie lata

W 1611 roku Szekspir przeniósł się na emeryturę do rodzinnej wsi, ale został uwikłany w różne sprawy sądowe, takie jak spór o ogrodzenie wspólnych gruntów, które, jeśli z jednej strony zachęcały do wypasu owiec, to z drugiej skazywały biedaków, odbierając im jedyne źródło utrzymania. Ponieważ pisarz miał pewien interes ekonomiczny w takich dobrach, ku niezadowoleniu niektórych zajmował neutralne stanowisko, które zapewniało mu jedynie własne korzyści. W marcu 1613 roku dokonał ostatniego zakupu, nie w rodzinnym mieście, ale w Londynie, kupując za 140 funtów dom i podwórze w pobliżu teatru Blackfriars, z czego na miejscu zapłacił tylko sześćdziesiąt funtów, bo następnego dnia zastawił dom na resztę sprzedawcy. Nawiasem mówiąc, Szekspir nie zarejestrował zakupu wyłącznie na swoje nazwisko, ale skojarzył ze sobą nazwiska Williama Johnsona, Johna Jacksona i Johna Hemynge'a, tego ostatniego, który był jednym z aktorów promujących wydanie Pierwszego Folio. Prawnym skutkiem tego zabiegu, pisze wielki biograf Szekspira Sidney Lee, "było pozbawienie jego żony, jeśli przeżyła, prawa do wdowiego posagu na tej posiadłości"; ale kilka miesięcy później nadeszła katastrofa: Globe Theatre spłonął, a wraz z nim wszystkie rękopisy dramaturga, wraz z jego komedią Cardenio, zainspirowaną epizodem z Don Kichota z La Manchy; wiemy o tej sztuce, ponieważ 9 września 1653 roku wydawca Humphrey Maseley uzyskał licencję na publikację sztuki, którą określa jako Historię Cardenio, autorstwa Fletchera i Szekspira; Sidney Lee twierdzi, że żaden dramat o tym tytule nie dotarł do nas i że prawdopodobnie należy go utożsamiać z zaginioną komedią zwaną Cardenno lub Cardenna, która była dwukrotnie wystawiana przed dworem przez zespół Szekspira, pierwsza w lutym 1613 roku, z okazji uroczystości zaślubin księżniczki Elżbiety, a druga 8 czerwca, przed ambasadorem księcia Sabaudzkiego, czyli na kilka dni przed spaleniem teatru Globe.

W ostatnich tygodniach życia Szekspira człowiek, który miał poślubić jego córkę Judith - karczmarz Thomas Quiney - został oskarżony o rozwiązłość przed lokalnym sądem kościelnym. Kobieta o imieniu Margaret Wheeler urodziła dziecko i twierdziła, że Quiney jest jego ojcem. Zarówno kobieta jak i jej dziecko zmarły wkrótce potem. Wpłynęło to jednak na reputację przyszłego zięcia pisarza i Szekspir zmienił swój testament, aby zabezpieczyć dziedzictwo swojej córki przed wszelkimi problemami prawnymi, jakie mógłby mieć Quiney.

Szekspir zmarł 23 kwietnia 1616 roku, według kalendarza juliańskiego (3 maja w kalendarzu gregoriańskim). Był żonaty z Anne aż do jej śmierci, a przeżyły go dwie córki, Susannah i Judith. Ta pierwsza wyszła za mąż za doktora Johna Halla. Jednak ani dzieci Susannah, ani Judith nie miały potomstwa, więc nie ma obecnie żyjących potomków pisarza. Krążyły jednak pogłoski, że Szekspir był prawdziwym ojcem swojego chrześniaka, poety i dramaturga Williama Davenanta.

Zawsze istniała tendencja do kojarzenia śmierci Szekspira z piciem - zmarł, według najbardziej rozpowszechnionych komentarzy, w wyniku wysokiej gorączki, będącej skutkiem jego pijaństwa - ale wydaje się, że dramaturg spotkał się z Benem Jonsonem i Michaelem Draytonem, by wspólnie z kolegami świętować jakieś nowe pomysły literackie. Ostatnie badania niemieckich naukowców wykazały, że jest bardzo prawdopodobne, że angielski dramaturg cierpiał na raka.

Szczątki Szekspira zostały pochowane w prezbiterium kościoła Świętej Trójcy w Stratford. Zaszczyt pochowania w prezbiterium, w pobliżu ołtarza głównego kościoła, nie wynikał z jego prestiżu jako dramaturga, ale z wykupienia dziesięciny z kościoła za 440 funtów (w tamtych czasach była to znaczna suma). Pomnik pogrzebowy Szekspira, wzniesiony przez jego rodzinę na ścianie w pobliżu jego grobu, przedstawia go w postawie pisarskiej, a co roku, na pamiątkę jego urodzin, w jego ręce umieszczane jest nowe pióro.

Zgodnie z ówczesnym zwyczajem, gdy potrzebowano miejsca na nowe groby, opróżniano stare i przenoszono ich zawartość do pobliskiego ossuarium. Być może obawiając się, że jego szczątki mogą zostać ekshumowane, według Encyclopaedia Britannica, sam Szekspir skomponowałby następujące epitafium na swój nagrobek:

Legenda głosi, że nieopublikowane dzieła Szekspira leżą razem z nim w grobie. Nikt nie odważył się sprawdzić prawdziwości tej legendy, być może w obawie przed klątwą wspomnianego epitafium.

Nie wiadomo, który ze wszystkich istniejących portretów Szekspira jest najwierniejszy wizerunkowi pisarza, gdyż wiele z nich to falsyfikaty, namalowane po fakcie na podstawie ryciny z First Folio. Za najwierniejszy uważa się tzw. Portret Chandosa, pochodzący z lat 1600-1610, znajdujący się w National Portrait Gallery (Londyn). Przedstawia on autora w wieku około czterdziestu lat, z brodą i pozłacanym kolczykiem w lewym uchu.

Debata o Szekspirze

Ciekawe, że cała wiedza, jaka dotarła do potomnych na temat jednego z autorów zachodniego kanonu, jest niczym innym jak konstrukcją złożoną z najróżniejszych spekulacji. Dyskutowano nawet o tym, czy Szekspir jest prawdziwym autorem swoich sztuk, przypisywano go Francisowi Baconowi, Christopherowi Marlowe'owi (w rzeczywistości wszystkie te wyobrażenia wynikają z prostego faktu, że dostępne dane na temat autora są bardzo nieliczne i kontrastują z ogromem jego genialnego dzieła, które jest płodne i rodzi najbardziej pokrętne interpretacje.

Prawie sto pięćdziesiąt lat po śmierci Szekspira w 1616 roku zaczęły pojawiać się wątpliwości co do prawdziwego autorstwa przypisywanych mu sztuk. Krytycy podzielili się na "Stratfordczyków" (zwolenników tezy, że William Szekspir, urodzony i zmarły w Stratfordzie, był prawdziwym autorem przypisywanych mu sztuk) i "anty-Stratfordczyków" (zwolenników przypisywania tych sztuk innemu autorowi). To drugie stanowisko jest obecnie w zdecydowanej mniejszości.

Z dokumentów historycznych wynika, że w latach 1590-1620 ukazało się kilka sztuk i wierszy przypisywanych autorowi Williamowi Szekspirowi, a zespół, który wystawiał te sztuki, Lord Chamberlain's Men (później King's Men), miał wśród swoich członków aktora o tym nazwisku. Aktor ten może być utożsamiany z Williamem Szekspirem, który według zapisów mieszkał i zmarł w Stratfordzie, gdyż ten ostatni w swoim testamencie przekazuje pewne darowizny członkom londyńskiego zespołu teatralnego.

Tak zwani "Stratfordczycy" uważają, że aktor ten jest również autorem sztuk przypisywanych Szekspirowi, opierając się na fakcie, że noszą one to samo nazwisko oraz na wierszach encomiastycznych zawartych w wydaniu First Folio z 1623 r., w których znajdują się wzmianki o "Łabędziu z Avonu" i jego "pomniku ze Stratfordu". Ten ostatni odnosi się do jego pomnika pogrzebowego w kościele Świętej Trójcy w Stratfordzie, na którym, nawiasem mówiąc, przedstawiony jest jako pisarz i którego opisy pochodzą od odwiedzających miasto co najmniej z lat trzydziestych XVI wieku. Zgodnie z tym poglądem sztuki Szekspira zostały napisane przez samego Williama Szekspira ze Stratfordu, który opuścił rodzinne miasto i odniósł sukces jako aktor i dramaturg w Londynie.

Tak zwani "anty-stratfordczycy" nie zgadzają się z tym. Według nich Szekspir ze Stratfordu byłby niczym więcej niż słomianym człowiekiem zasłaniającym prawdziwe autorstwo innego dramatopisarza, który wolałby zachować w tajemnicy swoją tożsamość. Teoria ta ma różne podstawy: rzekome niejasności i luki w dokumentacji historycznej dotyczącej Szekspira; przekonanie, że sztuki wymagałyby wyższego poziomu kultury, niż uważa się, że Szekspir posiadał; rzekomo ukryte w sztukach zakodowane wiadomości; paralele między postaciami w sztukach Szekspira a życiem niektórych dramaturgów.

W XIX wieku najpopularniejszym kandydatem na alternatywę był sir Francis Bacon. Wielu ówczesnych "anty-stratfordczyków" było jednak sceptycznych wobec tej hipotezy, nawet jeśli nie byli w stanie zaproponować alternatywy. Amerykański poeta Walt Whitman poświadczył ten sceptycyzm, kiedy powiedział Horacemu Traubelowi: "Jestem z wami, koledzy, kiedy mówicie 'nie' Shaksperowi (sic): to jest tak daleko, jak mogę się posunąć. Co do Bacona, cóż, zobaczymy, zobaczymy". Od lat 80. XX wieku najpopularniejszym kandydatem jest Edward de Vere, 17. hrabia Oksfordu, zaproponowany w 1920 roku przez Johna Thomasa Looneya, a w 1984 roku przez Charltona Ogburna. Poeta i dramaturg Christopher Marlowe również był brany pod uwagę jako alternatywa, choć jego wczesna śmierć zdegradowała go na drugie miejsce. Zaproponowano wielu innych kandydatów, choć nie zyskali oni zbyt wielu zwolenników.

W kręgach akademickich najbardziej rozpowszechnione jest stanowisko, że William Szekspir ze Stratfordu był autorem sztuk, które noszą jego imię.

Ostatnio jednak pogłoski o autorstwie Szekspira nasiliły się po wypowiedziach aktorów Dereka Jacobi i Marka Rylance'a. Obaj wydali tak zwane Statement of Reasonable Doubt dotyczące tożsamości słynnego dramaturga. Oświadczenie kwestionuje, czy William Shakespeare, XVI-wieczny prostak wychowany w niepiśmiennym domu w Stratford-upon-Avon, napisał genialne sztuki, które noszą jego imię. W oświadczeniu argumentuje się, że człowiek, który ledwo potrafił czytać i pisać, nie mógł posiadać tak rygorystycznej wiedzy prawniczej, historycznej i matematycznej, która przewija się przez wszystkie tragedie, komedie i sonety przypisywane Szekspirowi.

Przez lata pojawiały się teorie, że William Szekspir był jedynie pseudonimem, za którym mogły się ukrywać inne znakomite nazwiska, takie jak Christopher Marlowe (1564-1593), filozof i człowiek pióra Francis Bacon (1561-1626) czy Edward de Vere (1550-1604), 17. hrabia Oksfordu. Jacobi twierdzi, że faworyzuje Edwarda de Vere, który uczestniczył w życiu dworskim za panowania Elżbiety I (1533-1603), i opisuje go jako swojego preferowanego "kandydata", biorąc pod uwagę domniemane podobieństwa między biografią hrabiego a licznymi wydarzeniami opisanymi w książkach Szekspira.

Jaki jest jeden z głównych powodów, dla których kwestionowano autorstwo Szekspira? World Book Encyclopedia wskazuje na "odmowę uwierzenia, że aktor ze Stratford on Avon mógł napisać takie sztuki. Jego wiejskie pochodzenie nie pasowało do obrazu, jaki mieli o wielkim autorze". Encyklopedia dodaje, że większość domniemanych pisarzy "należała do szlachty lub innych uprzywilejowanych klas". Stąd wielu z tych, którzy kwestionowali literackie ojcostwo Szekspira, uważa, że "tylko wykształcony, wyrafinowany, należący do wyższej klasy autor mógł napisać sztuki". Wielu uczonych uważa jednak, że Szekspir rzeczywiście je napisał.

Wiele mówi się o życiu osobistym autora i jego rzekomym homoseksualizmie, spekulacje, które znajdują swoją główną podstawę w bardzo oryginalnym zbiorze sonetów, który został opublikowany, najwyraźniej bez jego zgody. Podejrzewano również, że miał kochanka, który unieszczęśliwiał jego małżeństwo, gdyż jego żona i matka trójki dzieci była od niego znacznie starsza i zaszła w ciążę przed ślubem. Podejrzenia te opierają się na słynnym cytacie z testamentu: "Zostawiam ci moje drugie najlepsze łóżko", który to fragment wywołał najbardziej rozbieżne interpretacje i nieliczne spekulacje. Najbardziej ogólna ma związek z tym, że związek pary nie był w pełni satysfakcjonujący. Inna jednak wskazuje na coś zupełnie przeciwnego, bo podobno dramaturg zadedykował swojej żonie sonet zatytułowany Żona świata.

Uważnie śledzono również okrucieństwo Szekspira wobec postaci kobiecych w jego sonetach, a co za tym idzie - wobec naiwności mężczyzny, który wpada w ich sieci. Tematy rozwiązłości, cielesności i fałszu kobiet - opisywane i humorystycznie krytykowane przez dramaturga - są wystarczającym dowodem dla tych, którzy zakładają, że miałby on pewne upodobanie do mężczyzn i odtrącenie kokieterii pań, zresztą zawsze wymienianych w aluzji do ich powierzchowności i materialistycznych zainteresowań.

Zob. część poniższego fragmentu jego sonetu 144:

Widać wyraźnie ostrą szekspirowską krytykę roli kobiety, która na pierwszy rzut oka wydaje się stać pomiędzy romansem dramaturga a jego mecenasem. Ci, którzy kwestionują to założenie, czynią to poprzez zarzut, że poetycki głos sonetu niekoniecznie odpowiada osobowości autora.

Prawda jest taka, że Szekspir parodiuje swoją perspektywę, co widzimy w cytacie:

Cały ten problem zostaje zamglony, jeśli zatrzymamy się na chwilę przy analizie kilku jego najsłynniejszych fragmentów teatralnych. W jednej ze swoich komedii, zatytułowanej Jak wam się podoba, Szekspir podkreśla zepsucie męskiego świata i zdolność kobiety - Rosalind - do przywrócenia pierwotnego porządku i zaprowadzenia pokoju. Jednak, mimo że bohaterka fabuły jest postacią kobiecą, staje się odważna i zdolna do wielkich czynów dopiero wtedy, gdy wciela się w rolę mężczyzny, Ganymede - postaci mitologicznej, męskiego kochanka Jowisza.

Przechodząc do tragedii, przypadek króla Leara jest również bardzo reprezentatywny. Autor podkreśla tu ślepotę mężczyzn, zwłaszcza Leara, który wygania swoją córkę Kordelię za to, że jako jedyna z trzech sióstr wyraziła swoją szczerość. Studia feministyczne sugerowałyby, że Szekspir atakował współczesne mu społeczeństwo i że używał fikcyjnych nazwisk i miejsc, aby uniknąć prześladowań ze strony sądu.

Broni kobiety i uświadamia mężczyznom, że uciszenie jej zakończy się katastrofą, tak jak to ma miejsce w zakończeniu Leara. Inne poglądy na sztukę mówią o tym, że kobiety nie mogły, według dramaturga, zasiadać na tronie, ponieważ prowadziłoby to do chaosu i kontrowersji. Kiedy król Lear przekazuje władzę swoim dwóm najstarszym córkom, Goneryli i Reganie, gwałtownie zmieniają one swoje zachowanie wobec ojca i poddają go opresyjnym torturom, które stopniowo pochłoną jego życie. Rządy pogarszają się, a królewska świta kruszy się, aż mężczyzna ponownie przejmuje władzę.

W 1559 roku, pięć lat przed narodzinami Szekspira, za panowania Elżbiety I, Kościół Anglii ostatecznie oddzielił się, po okresie niepewności, od Kościoła katolickiego. Z tego powodu naciskano na angielskich katolików, by przeszli na anglikanizm, a także ustanowiono prawa prześladujące tych, którzy odmówili konwersji. Niektórzy historycy twierdzą, że w czasach Szekspira istniała znacząca i powszechna opozycja wobec narzucania nowej wiary. Niektórzy krytycy, na podstawie dowodów zarówno historycznych, jak i literackich, twierdzą, że Szekspir był jednym z tych przeciwników, choć nie byli w stanie tego niezbicie udowodnić. Pewne jest to, że Szekspirowi bardziej odpowiadało panowanie filokatolickiego Jakuba I niż antykatolickiej Elżbiety I.

Istnieją przesłanki, że niektórzy członkowie rodziny dramatopisarza byli katolikami. Najważniejszą z nich jest pamflet podpisany przez Johna Shakespeare'a, ojca poety, w którym rzekomo wyznawał on swój sekretny katolicyzm. Tekst, znaleziony w XVIII wieku wewnątrz jednej z krokwi w miejscu urodzenia Szekspira, został przeanalizowany przez czołowego uczonego, Edmonda Malone'a. Jednak zaginął, więc nie można udowodnić jego autentyczności. John Shakespeare był również wśród tych, którzy nie uczestniczyli w nabożeństwach kościelnych, ale podobno było to "z obawy przed ściganiem za długi", według komisarzy, a nie dlatego, że nie akceptował religii anglikańskiej.

Matka Szekspira, Mary Arden, należała do znanej katolickiej rodziny z Warwickshire; w 1606 roku jej córka Susannah była jedną z niewielu kobiet mieszkających w Stratfordzie, które odmówiły przyjęcia komunii, co może sugerować pewne sympatie dla katolicyzmu. Archidiakon Richard Davies, XVIII-wieczny duchowny anglikański, napisał podobno o Szekspirze: "Umarł jako papista". Co więcej, czterech z sześciu nauczycieli w szkole w Stratfordzie, do której pisarz prawdopodobnie uczęszczał w młodości, było sympatykami katolicyzmu, a Simon Hunt, prawdopodobnie jeden z nauczycieli Szekspira, został w końcu jezuitą.

Chociaż żadna z tych teorii nie dowodzi niezbicie, że Szekspir był katolikiem, historyk Clare Asquith jest zdania, że sympatie Szekspira dla katolicyzmu są dostrzegalne w jego pisarstwie. Według Asquith, Szekspir używa pozytywnych określeń, takich jak "wysoki" (i negatywnych - "niski", "ciemny") w odniesieniu do protestantów.

Choć wiele nie wiadomo o edukacji Szekspira, pewne jest, że artysta nie miał dostępu do wykształcenia uniwersyteckiego, a jego przyjaciel Ben Jonson, który miał, ubolewał kiedyś nad "jego małą ilością łaciny i jeszcze mniejszą ilością greki", co nie przeszkodziło mu nazwać go "słodkim łabędziem znad Avonu" i dodać, że "nie jest on jednego wieku, ale wszystkich czasów". W pewnym sensie jego nienajgorsze wykształcenie (w Stratfordzie była dobra szkoła i Szekspir mógł się w niej nauczyć sporo łacińskiej klasyki) było zaletą, gdyż jego kultura nie była ukształtowana na powszechnym wzorcu swoich czasów; jako autodydaktyk William Szekspir, jak zauważa znawca i tłumacz jego dzieł kompletnych Luis Astrana Marín, miał dostęp do niezwykle rzadkich źródeł literackich dzięki przyjaźni z księgarzem. Analizy jego pism ujawniają, że był żarliwym czytelnikiem; niektóre z nich to istne setki tekstów zaczerpniętych z najróżniejszych źródeł. Można jednak wyróżnić cztery główne źródła dla jego dzieł.

Po pierwsze, historycy angielscy, zwłaszcza drugie wydanie The Chronicles of England, Scotlande, and Irelande Rafaela Holinsheda, opublikowane w 1587 roku, jako źródło dla niektórych jego dramatów historycznych, dla fabuły Makbeta, dla części Króla Leara i Cymbeline'a; Parallel Lives Plutarcha w retranslacji z francuskiej wersji Jacquesa Amyota dokonanej przez jego przyjaciela Thomasa Northa (1573), z której zaczerpnął swojego Tytusa Andronikusa, swojego Juliusza Cezara, swojego Koriolana oraz swojego Antoniusza i Kleopatrę, a także Essays Montaigne'a w tłumaczeniu Johna Florio (1603), które ukształtowały niektóre fragmenty Burzy. ...

Po drugie, jako źródło inspiracji należy wymienić novellieri (od Mateo Bandello pochodzi historia Jak wam się podoba oraz Romeo i Julia, która zainspirowała także Castelvines y Monteses Lope de Vega i Los bandos de Verona Francisco Rojas Zorrilla; od Giambattisty Giraldi Cinthio - Otello; od Giovanniego Boccaccia A buen fin no hay mal tiempo, a od Giovanniego Fiorentino Kupiec wenecki i Wesołe żony z Windsoru; Giovanni Boccaccio A buen fin no hay mal tiempo i Giovanni Fiorentino The Merchant of Venice and The Merry Wives of Windsor; Chaucer również zainspirował niektóre dzieła) oraz różnego rodzaju utwory, niektóre z nich hiszpańskie, jak Noches de invierno Antonio de Eslava czy Silva de varia lección Pero Mexía.

Po trzecie, inspirowała go także poprzedzająca go angielska produkcja dramatyczna, z której czerpał bogactwo fabuł, postaci i zasad kompozycyjnych. Czasem nawet przerabiał całe sztuki (np. istniał wcześniejszy Hamlet przypisywany Thomasowi Kydowi z 1589 roku, który odniósł sukces i nie zachował się, ale zainspirował późniejszego Szekspira). Cytował lub przywoływał teksty z wielu sztuk, będąc we wczesnych utworach szczególnie wrażliwym na wzór Christophera Marlowe'a. Ten imitacyjny zapał nie pozostał niezauważony przez współczesnego mu Roberta Greene'a, który wziął go za plagiatora i w 1592 roku napisał, nawiązując do znanej bajki przytoczonej przez Horacego, następująco:

Wreszcie Szekspir był też dobrze zorientowany w mitologii (znał dobrze Metamorfozy Owidiusza) i w retoryce, choć jego styl czasem świadomie wymyka się sztywnej i mechanicznej symetrii tej ostatniej, a innym razem okazuje się zbytnim graczem słownym, jak to było wówczas w modzie na eufuizm, rozpowszechniony przez Johna Lyly'ego, a z kolei wywodzący się ze stylu Antonia de Guevary, choć Szekspir wypowiadał się przeciwko ekscesom tego stylu.

Szekspir uznawał się za wielkiego asymilatora (siła syntezy charakteryzuje wielkich poetów, podobnie jak np. Dantego Alighieri) i deklarował to w Sonecie LXXVI; ale twierdził też w tym sonecie, że potrafi przewyższyć swoje wzorce, czyniąc coś radykalnie starego nowym, tchnąc w to nowe życie. Zamiast wymyślać lub odwoływać się do oryginalności, wziął istniejące wcześniej historie, takie jak Hamleta, i dał im to, czego brakowało do wybitności. Jednak, i mimo wszystko, okazał się również całkowicie oryginalny, czasem świadomie odrywając się od wszelkiej tradycji, jak w Sonetach, które odwracają wszystkie kanony petrarkizmu, opracowując śpiewnik przeznaczony dla mężczyzny i w których domaga się, ni mniej, ni więcej, tylko porzucenia ówczesnego narcyzmu, porzucenia narcyzmu chwili, aby zapoczątkować transcendencję wieczności poprzez miłość, co może wydawać się dość abstrakcyjne, ale tak właśnie abstrakcyjne i enigmatyczne są te wiersze, z których każdy zawsze zawiera dramatyczny ruch, wezwanie do działania.

Tło: teatr elżbietański

Kiedy Szekspir rozpoczynał swoją działalność teatralną, przechodziła ona zmiany okresu przejściowego. Pierwotnie teatr w Anglii był popularnym widowiskiem, związanym z innymi popularnymi wówczas rozrywkami, jak np. bear baiting (walka zakutego niedźwiedzia z wściekłymi psami). Jego korzeni należy szukać w późnym średniowieczu, w potrójnej tradycji dramatycznej: misteriów, o tematyce religijnej, przeznaczonych do uświetniania świąt różnych cechów; moralitetów lub moralitetów, o charakterze alegorycznym, wystawianych przez zawodowych aktorów; oraz dworskich interludiów, sztuk przeznaczonych dla rozrywki szlachty.

Najznamienitsi szlachcice sponsorowali grupy aktorów noszące ich nazwiska. W ten sposób w epoce elżbietańskiej powstały takie zespoły jak The Hundson Men (później Lord Chamberlain's Men), The Admiral's Men i The Queen's Men, jedne z najważniejszych. Przy pewnych okazjach te zespoły teatralne występowały w pałacu swoich arystokratycznych patronów. Na przykład The King's Men, po objęciu patronatu przez króla Jakuba I, występował na dworze raz w miesiącu. Posiadanie poparcia mecenasa było niezbędne dla zapewnienia przyszłego sukcesu sztuki.

Sztuki były pierwotnie wystawiane na wewnętrznych dziedzińcach karczm. Nawet w czasach Szekspira w niektórych z tych miejsc nadal odbywały się przedstawienia teatralne. Nie nadawały się one jednak zbytnio na przedstawienia, gdyż działalność karczmy utrudniała niekiedy występy. Sprzeciwiały się im również władze, które niepokoiły się panującym tam nieporządkiem i awanturami, a także "niegodziwymi praktykami nietrzymania moczu", które miały tam miejsce. Na ich niekorzyść działał również czynnik higieniczny: bardzo często występowała tam dżuma, a masowe zgromadzenia nie do końca sprzyjały zdrowiu.

Z tych powodów stopniowo pojawiły się przepisy regulujące działalność teatralną, a uzyskanie licencji na występy w karczmach stało się trudniejsze. Doprowadziło to do budowy bardziej zbawiennych, stałych teatrów na obrzeżach miasta, a także do konsolidacji i profesjonalizacji kariery aktorskiej. Pierwszy teatr, zwany po prostu Teatrem, powstał w 1576 roku. Później powstały kolejne: The Curtain, The Rose, The Swan i The Globe. Ten ostatni, zbudowany w 1599 roku i położony, podobnie jak pozostałe, poza miastem, aby uniknąć problemów z City of London, był najsłynniejszy ze wszystkich i ulubiony przez kompanię, której członkiem był William Shakespeare.

Wszystkie te teatry były budowane na wzór dziedzińców karczm. Żaden z nich nie zachował się w stanie oryginalnym, ale dzięki pewnym wzmiankom z epoki można mieć przybliżone wyobrażenie o ich kształcie. Były to sześcio- lub ośmiokątne obudowy (istnieją wyjątki), z umiarkowanie zadaszoną sceną, która przechodziła nieco w środek otwartej areny otoczonej dwoma lub trzema kondygnacjami galerii. Podest składał się z dwóch poziomów, jeden nieco ponad metr nad areną, zadaszony i wsparty na kolumnach, drugi nieco wyżej z dachem skrywającym aparaturę potrzebną do obsługi maszyn scenicznych i manewrowania inscenizacją. Mogła ona unieść flagę, a nawet symulować wieżę.

Teatry te posiadały bardzo dużą liczbę miejsc siedzących. Obliczono na przykład, że The Globe mógł pomieścić około 2000 widzów.

Początkowo status społeczny komików, zwłaszcza tych najskromniejszych, nie był łatwo odróżnić od statusu włóczęgi czy żebraka. Z czasem jednak, wraz z otwarciem nowych teatrów, aktorzy epoki elżbietańskiej zyskali większy status społeczny.

Skromna scenografia sprawiała, że to na wykonawcy spoczywała główna odpowiedzialność za przedstawienie, więc jego technika miała tendencję do nadinterpretacji w języku, gestykulacji i krzykliwych kostiumach. Ponieważ kobietom nie wolno było wychodzić na scenę, role kobiece powierzano dzieciom lub nastolatkom, co sprzyjało komicznej grze erotycznych dwuznaczności. Bardzo ważna była mowa, a fakt, że scena była wysunięta nieco w głąb dziedzińca, sprawiał, że często prowadzono na niej monologi. Brak malowanych kulis powodował, że aktor często odwoływał się do wyobraźni widzów, a pisarz do hipotypów. Publiczność była zróżnicowana i heterogeniczna, w związku z czym mieszały się tu grubiańskie aluzje i sprośne, sprośne żarty z najbardziej kulturalną i wyrafinowaną amoralną galanterią i najbardziej pokrętną eufemistyczną pedanterią.

Widzowie przychodzili do teatru za cenę, która różniła się w zależności od komfortu oferowanego miejsca. Najtańszy bilet wymagał stania i wystawienia na działanie czynników atmosferycznych; najmniej przystępne bilety faworyzowały szlachtę i osoby zamożne, które mogły siedzieć pod osłoną i z dala od słońca.

Zawód dramatopisarza nie był dobrze wynagradzany, a wszelkie prawa do sztuk przechodziły na firmy, które je wystawiały; dlatego sztuki często doznawały wielokrotnych przeróbek i adaptacji przez różne pióra, nie zawsze umiejętnych i szanowanych, nie wspominając już o cięciach, którym poddawano je pod wpływem kaprysu aktorów. Nazwisko autora wymieniano (często niedokładnie) dopiero dwa lub trzy lata później, więc pisarze nie cieszyli się owocami swojej pracy, chyba że posiadali udziały w firmie, jak to było w przypadku Szekspira i innych dramaturgów, którzy pracowali razem i dzielili się zyskami.

Jedną z najważniejszych cech teatru elżbietańskiego, a w szczególności szekspirowskiego, jest wielość płaszczyzn, na których obracają się jego fabuły. To, co tragiczne, to, co komiczne, to, co poetyckie, to, co ziemskie i to, co nadprzyrodzone, to, co realne i to, co fantastyczne, przenika się w tych sztukach w mniejszym lub większym stopniu. Przejścia między tym, co melancholijne, a tym, co aktywne, są szybkie i często przejawiają się w pojedynkach i walkach na scenie, które musiały stanowić żywą choreografię bardzo odpowiadającą ówczesnemu gustowi.

Głupiec jest ważną postacią w twórczości Szekspira, ponieważ daje mu swobodę wypowiedzi i luz. Uznano, że posiada niedostatki umysłowe lub fizyczne, które pozwalały mu mówić rzeczy lub wyrażać opinie na kontrowersyjne tematy, które byłyby zakazane w ustach większych postaci. Bez wątpienia ta strata była idealna dla angielskiego autora, ponieważ każda krytyka władzy królewskiej mogła być uzasadniona poprzez przypisanie jej postaci, która nie myśli jak większość innych ludzi, biorąc pod uwagę niedoskonałości, na które cierpi.

Teatr Szekspira

Wobec braku holograficznych rękopisów i precyzyjnych dat powstania utworów, bardzo trudno jest ustalić chronologię bibliograficzną Szekspira. Pierwsze Folio, skupiające większość jego produkcji literackiej, zostało wydane przez dwóch aktorów z jego kompanii, Johna Hemingesa i Henry'ego Condella, w 1623 roku, osiem lat po śmierci autora. Książka ta dzieliła jego produkcję dramatyczną na Historie, Komedie i Tragedie, a powstało 750 kopii, z których jedna trzecia przetrwała do naszych czasów, w większości niekompletna. Dzięki tej pracy zachowała się połowa niedrukowanych utworów dramatycznych dramaturga, gdyż Szekspirowi nie zależało na tym, aby przejść do historii jako dramaturg.

Pierwsze Folio zawiera wyłącznie utwory dramatyczne (nie uwzględniono w nim liryki), w liczbie 36: 11 tragedii, 15 komedii i 10 sztuk historycznych. Nie zawiera niektórych sztuk tradycyjnie przypisywanych Szekspirowi, takich jak komedie Perykles i Dwaj szlachetni panowie, ani sztuki historycznej Edward III. O ile w przypadku Peryklesa udział Szekspira wydaje się dość pewny, o tyle w przypadku dwóch pozostałych sztuk nie jest to prawdą, tak że liczba tytułów wchodzących w skład szekspirowskiego kanonu waha się, w zależności od wersji, między 37 a 39.

Podobnie jak wiele zachodnich tragedii, tragedia Szekspira często przedstawia bohatera, który spada z bezdroża łaski i w końcu umiera, wraz z bliską proporcją reszty ciała przewodniego. Sugeruje się, że zwrot dramatopisarza w tym gatunku jest biegunowym przeciwieństwem komedii; stanowi przykład poczucia, że istoty ludzkie są nieuchronnie nieszczęśliwe z powodu własnych błędów, a nawet ironicznie tragicznego wykorzystania ich cnót, lub poprzez naturę losu, lub kondycję człowieka do cierpienia, upadku i śmierci.... Innymi słowy, jest to przedstawienie z koniecznie nieszczęśliwym zakończeniem.

Szekspir komponował tragedie od samego początku swojej kariery: jedną z najwcześniejszych była tragedia rzymska Tytus Andronikus, a kilka lat później Romeo i Julia. Jednak największe uznanie zdobyły napisane w ciągu siedmiu lat, między 1601 a 1608 rokiem: Hamlet, Otello, Król Lear, Makbet (cztery główne) oraz Antoniusz i Kleopatra, a także mniej znane Tymon z Aten oraz Troilus i Kressyda.

Wielu podkreślało w tych sztukach arystotelesowską koncepcję tragedii: bohater musi być postacią godną podziwu, ale ułomną, a publiczność musi być w stanie go zrozumieć i współczuć mu. Rzeczywiście, każda z tragicznych postaci Szekspira jest zdolna zarówno do dobra, jak i do zła. Sztuka zawsze kładzie nacisk na koncepcję wolnej woli; (anty)bohater może się zdegradować lub cofnąć i odkupić swoje winy przez swoje czyny. Autor natomiast w końcu prowadzi ich do nieuchronnej zguby.

Poniżej wymieniono kompletne tragedie Szekspira, ułożone według przybliżonej daty ich powstania:

Wśród zasadniczych cech komedii Szekspira znajdujemy komiczną wizję, dialektykę języka pełnego kalamburów, kontrast między postaciami przeciwstawianymi sobie przez klasę społeczną, płeć, płeć lub władzę (reprezentatywnym przykładem może być Poskromienie złośnicy, tłumaczone też czasem jako Poskromienie złośnicy); erotyczne aluzje i konotacje, przebieranki i tendencję do chaotycznego rozproszenia i pomieszania, aż do momentu, gdy fabuła opowieści doprowadzi do odzyskania tego, co zostało utracone i odpowiedniego przywrócenia w ramach tego, co naturalne. Panorama komedii obejmuje również eksplorację społeczeństwa, w którym wszyscy jego członkowie są tak samo badani, w sposób bardzo odmienny od sposobu postrzegania społeczeństwa w jego sztukach historycznych, które są montowane na makiawelicznej pogoni za władzą ("drabina z piasku", ze względu na pustkę treści) i zakłócaniu boskiego kosmicznego porządku, który król reprezentuje na ziemi. Jako galeria typów społecznych komedia stanowi więc u Szekspira przestrzeń szerszą niż tragiczna i historyczna i lepiej oddaje społeczeństwo jego czasów, choć i na tym polu wyróżnia się talent autora do tworzenia szczególnie zindywidualizowanych postaci, jak w przypadku Falstaffa.

Podczas gdy ton fabuły jest często burleskowy, innym razem ukryty jest niepokojący element tragiczny, jak w Kupcu weneckim. Zajmując się tematami, które mogą wywołać tragiczny skutek, Szekspir stara się w typowy dla siebie sposób, nie stając po żadnej ze stron, nie proponując środków zaradczych, nie moralizując i w ogóle nie głosząc kazań, pouczać o niebezpieczeństwach związanych z wadami, złem i ludzką irracjonalnością, bez potrzeby popadania w destrukcję, która pojawia się w jego tragediach, a porządek naprawczy i restytucyjny pozostawia Naturze.

Zakończenia komedii są na ogół uroczyste i przyjemne. Należy zauważyć, że wulgarny i pełen podwójnych znaczeń język, a także wielość różnorodnych punktów widzenia, zmiany losu i przewrót tożsamości stanowią niezawodny składnik, któremu często towarzyszą zaskakujące zbiegi okoliczności. Parodia seksu, rola przebrania i magiczna moc natury w naprawianiu szkód i ran zadanych przez skorumpowane i chciwe społeczeństwo to transcendentne elementy komedii szekspirowskiej.

Człowiek całkowicie zmienia swój sposób myślenia i działania, schroniwszy się w dziczy i uciekając od cywilizacji, nadaje się do gry przeciwieństw. Na koniec warto zauważyć, że sfera społeczna, jaką posługuje się Szekspir w swoich sztukach, jest może nieco węższa niż ta, którą można znaleźć w większości komedii.

Jak wspomniano wyżej, błazen - który był bardzo popularną postacią na ówczesnym dworze - jest niezachwianym elementem, na którym dramaturg czuje się swobodniej, wyrażając to, co myśli, zważywszy, że opinie takiej osoby nigdy nie były uznawane za ważne - doskonały pretekst do elaboratu.

Datę powstania komedii Szekspira szacuje się na lata 1590-1612, jako punkt wyjścia i zwieńczenie jego pracy pisarskiej. Pierwsza i najmniej rozbudowana to Dwaj panowie z Werony, następnie Kupiec wenecki, Wiele hałasu o nic, Jak wam się podoba, Opowieść zimowa, Burza i wiele innych wymienionych poniżej:

Należy wyraźnie zaznaczyć, że The Tempest, Winter's Tale, Cymbeline i Pericles są przez wielu uważane za fantazje poetyckie (w języku angielskim używa się terminu romance), ponieważ posiadają cechy, które odróżniają je od pozostałych komedii.

The First Folio klasyfikuje jako "dzieła historyczne" (histories) tylko te, które dotyczą stosunkowo niedawnej historii Anglii. Inne sztuki o tematyce historycznej, np. osadzone w starożytnym Rzymie, czy nawet Makbet, w którym występuje prawdziwy król Szkocji, nie są tu klasyfikowane. W sumie jest ich jedenaście (lub dziesięć, jeśli pominąć Edwarda III, współcześnie uważanego za apokryf). Źródło, z którego korzystał dramaturg przy komponowaniu tych sztuk, jest dobrze znane: to Kroniki Rafaela Holinsheda.

Poniżej przedstawiamy listę tych utworów, ułożonych według przybliżonej daty ich powstania.

Istnieją poważne wątpliwości co do autorstwa pierwszego z listy, Edwarda III. Uważa się, że ostatni, Henryk VIII, powstał we współpracy z Johnem Fletcherem, który zastąpił Szekspira na stanowisku głównego dramatopisarza kompanii King's Men.

Dziesięć sztuk, które napisał o królach angielskich, znanych jako "Cykl Historyczny", które Szekspir poświęcił siedmiu królom angielskim, są zwykle grupowane razem w ramach jego sztuk historycznych. Cykl ten wyklucza sztuki o królu Learze (legendarnym królu) i Makbecie (oparte na życiu szkockiego króla, Makbeta ze Szkocji) oraz sztukę o Edwardzie III (choć coraz więcej wskazuje na to, że została ona napisana przez Szekspira, przynajmniej w części, jej autorstwo nie zostało ustalone). Z tego Cyklu wyłączono Króla Jana i Henryka VIII, ponieważ nie są one zgodne z sekwencją historyczną.

Osiem z tych sztuk zgrupowanych jest w dwóch tetralogiach, których kolejność pisania nie pokrywa się z chronologicznym porządkiem przedstawianych wydarzeń historycznych. Pierwsza z tych tetralogii składa się z trzech poświęconych panowaniu Henryka VI (1422-1461), wraz z jedną poświęconą ambitnemu i strasznemu Ryszardowi III (panującemu w okresie 1483-1485). Wszystkie zostały skomponowane prawdopodobnie między 1590 a 1594 rokiem.

Druga tetralogia, na którą składają się Ryszard II, dwie części Henryka IV i Henryk V, przenosi się w czasie. Skupia się na panowaniu Ryszarda II (1377-1399), Henryka IV (1399-1413) i Henryka V (1413-1422). Wszystkie te dzieła zostały skomponowane w latach 1594-1597.

Biorąc pod uwagę, że duża część społeczeństwa była niepiśmienna, sztuki te były dobrym sposobem przekazywania historii, a w konsekwencji rozwijania patriotyzmu i miłości do kultury angielskiej, a także zaszczepiania poczucia odrzucenia wojen domowych. Poza dostarczaniem rozrywki, sztuki historyczne potwierdzały i uzasadniały władzę monarchii tym, którzy mogliby kwestionować jej legalność. W sztukach Szekspira król, podobnie jak w sztukach Lope de Vegi, jest przedstawicielem kosmicznego porządku na ziemi. To właśnie to analizowali później uczeni o randze Greenblatta, skupiając się na dominującym dyskursie i zdolności elżbietańskiego teatru do utwierdzania królewskiej władzy, utrzymywania porządku i zniechęcania do subwersji.

Biorąc pod uwagę zależność zespołów teatralnych od ich arystokratycznych mecenasów (a w przypadku The King's Men od władzy królewskiej), logiczne jest, że pisano i wystawiano sztuki, w których pojawiały się historyczne postacie należące do szlachty i ważne dla historii Anglii. Tak jest w przypadku Henryka V, zwycięzcy w bitwie pod Agincourt nad wojskami Francji, odwiecznego rywala Anglii. Poprzez podejmowanie wybitnych faktów historycznych, ignorowanie porażek i wyolbrzymianie heroizmu zwycięstwa - przypisywanego panującemu monarsze - dziełom tym udało się zwiększyć powszechne przywiązanie do korony.

W początkach dramatu szekspirowskiego chodziło o legitymizację władzy dynastii Tudorów, intronizowanej w 1485 roku, dokładnie po obaleniu Ryszarda III, jednej z najbardziej odrażających postaci dramatu szekspirowskiego. Wstąpienie Tudorów na tron budziło pewne wątpliwości, zarówno ze względu na ich walijskie pochodzenie, jak i na problematyczność ich roszczeń do tronu (podobno Henryk VII, pierwszy monarcha z dynastii, opierał swoje prawa na pochodzeniu od francuskiej księżniczki Katarzyny, wdowy po Henryku V, która kilka lat później ponownie wyszła za mąż za Owena Tudora, walijskiego szlachcica o niewielkim wpływie na monarchię narodową).

Są jednak krytycy, którzy uważają, że historyczne sztuki Szekspira zawierają zawoalowaną krytykę monarchii, zakamuflowaną w celu uniknięcia potencjalnych problemów z prawem.

Narracje rycerskie pisane prozą lub wierszem były powszechnym gatunkiem heroicznej fantazji w Europie od średniowiecza do renesansu; książki rycerskie w języku angielskim, francuskim, hiszpańskim, włoskim i niemieckim mogły również zawierać mity arturiańskie oraz legendy celtyckie i anglosaskie; magia i fantazja były również zaangażowane, a nostalgia za utraconą przedchrześcijańską mitologią wróżek i innymi przesądami była również odczuwalna. Ta legendarna narracja, której ostatnim wyrazem i arcydziełem była być może Śmierć Artura sir Thomasa Malory'ego, stała się już alternatywna i popularna, utożsamiana z językiem wernakularnym w przeciwieństwie do bardziej moralizującej narracji chrześcijańskiej, związanej ze sferą kościelną, przeznaczonej dla bardziej wyselekcjonowanej publiczności i w języku łacińskim. Dla określenia tego typu treści popularnych wybrano termin romans lub novelesque.

W Wielkiej Brytanii, na przełomie XVI i XVII wieku, romans wyłonił się jako gatunek fantastyczny, w którym oprócz przestrzegania pewnych charakterystycznych konwencji (rycerze obdarzeni specjalnymi mocami, magia, czary, zmiana rzeczywistości, zaloty postaci kobiecej, wyczyny i brawurowe przygody) dodano fakt podboju Ameryki: tygla ras i kultur barbarzyńskich, który posłużył jako inspiracja dla wielu podróżników i dramaturgów. U Williama Szekspira sztuką, która łączy wszystkie wymienione wyżej konwencje i kształtuje je w produkcję teatralną równie ciekawą, co nierealną, jest Burza, uważana za dramatyczny testament Szekspira, ponieważ była to prawdopodobnie jego ostatnia sztuka.

Po raz pierwszy wystawiono ją w 1611 roku, a po raz drugi została wystawiona około lutego 1613 roku z okazji ślubu Elżbiety Stuart, córki króla Jakuba I, z księciem Fryderykiem z Heidelbergu. Sztuka ma wiele paraleli z najwybitniejszymi postaciami okresu jakobickiego: maska zaślubinowa, którą Prospero tworzy dla uciechy Mirandy i Ferdynanda, odpowiada boskim postaciom Ceres i Junony, obiecując szczęśliwą przyszłość, jeśli szczęśliwa para przyrzeknie zachować czystość do czasu ślubu. Mogło to odpowiadać monarsze, który był znany zarówno z rygoru swoich tradycyjnych obyczajów, jak i z chorobliwego zainteresowania magią i czarami, które również pojawiają się w sztuce. Rzeczywiście, praktyki te prowadziły do palenia kobiet w okresie od XVI do XVIII wieku, a Jakub I bez wahania skazywał na śmierć wszystkich podejrzanych o przeprowadzanie takich ceremonii. Temat Burzy nie mógł więc zrobić nic innego, jak przejawić się w monarsze - Prospero - zainteresowanym położeniem kresu złemu czarowi starej wiedźmy, który groził naruszeniem porządku społecznego wyspy. Magiczny świat tego okresu pojawia się jednak ponownie w innych nowelistycznych i fantastycznych komediach ostatniego okresu Szekspira, takich jak:

Burza uważana jest za dramatyczny testament Szekspira. Pozornie zainspirowany jedną z Zimowych Nocy Antonio de Eslava, książę Prospero, rozbitek na wyspie, pół-człowiek i pół-bóg z powodu swoich magicznych mocy, w końcu łamie różdżkę, gdy zastanawia się nad swoją ograniczoną mocą, i jest prawie niemożliwe, aby nie włożyć jego słów w usta Szekspira:

Niektóre ze sztuk, które Szekspir napisał z Johnem Fletcherem, zaginęły, na przykład Cardenio, zainspirowany epizodem z Don Kichota Miguela de Cervantesa, czy Dwaj szlachetni rycerze (ponieważ ta ostatnia sztuka nie znalazła się w Pierwszym Folio, wielu czytelników kwestionuje autorstwo dramaturga). Z drugiej strony, biorąc pod uwagę zmienność wielu produkcji Szekspira, niektórzy twierdzą, że połowa z nich pasowałaby do profilu i stylu Fletchera.

Szekspir posiadał, jak wszyscy wielcy poeci, wielką moc syntezy; pisał całym językiem, miał zniuansowany i rozbudowany leksykon. Uważał na retoryczną stylizację swojego blank verse, często nieco osadzonego w barokowej konceptualistycznej tradycji eufuizmu, co czyni go wystarczająco trudnym do zrozumienia i rozszyfrowania dziś nawet dla samych Anglików; świadomie unikał retorycznych symetrii, zbyt oczywistych opozycji pojęć; język był wówczas językiem proteańskim, a znaczenia słów nie były jeszcze jednoznacznie ustalone przez repertuary leksykalne. Jeśli jego przepracowany język jest i był (i był nawet wtedy, gdy Voltaire atakował w swoich English Letters antyklasyczne nabrzmienia jego stylu) przeszkodą w docenieniu dzieła autora, to prawdą jest również, że jest on podstawą jego twórczości, prawdą jest również, że jest to fundament, na którym spoczywa jego sława i prestiż jako szlifierza metafor i wynalazcy neologizmów porównywalnych z innymi znanymi dramaturgami i poetami jego czasów, takimi jak Hiszpanie Miguel de Cervantes, Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Luis de Góngora i Calderón de la Barca.

Ogólnie rzecz biorąc, krytycy podkreślali dwa główne aspekty twórczości dramatycznej Williama Szekspira.

Po pierwsze, niemal nieludzka obojętność i oderwanie autora od rzeczywistości swoich bohaterów, którą dzieli także z największą introspekcją i głębią w tworzeniu swojej psychologii. Szekspir nie moralizuje, nie wygłasza kazań, nie proponuje wiary, przekonań, etyki ani żadnego rozwiązania ludzkich problemów: porusza, i robi to lepiej niż ktokolwiek inny, niektóre z podstawowych niepokojów ludzkiej kondycji (być albo nie być, niewdzięczność, synowska (Król Lear) albo nie, pusta ambicja), ale nigdy nie daje odpowiedzi: Nie wiemy, co myślał Szekspir, dla którego spektakl świata jest sprawą bez znaczenia, nawet jeśli jego zasadnicza wizja jest pesymistyczna i ponura w obliczu nędznej i minimalnej pozycji, jaką zajmuje człowiek wykonany z tego samego materiału co sny w tajemniczym, głębokim, niezrozumiałym i pozbawionym sensu wszechświecie. Podczas gdy hiszpański teatr barokowy uprzywilejowuje to, co boskie, nad tym, co ludzkie, Szekspir w równym stopniu podziela jego zachwyt (a właściwie zdumienie) nad tym, co niebieskie i ziemskie:

Ponieważ Szekspir jest otwarty na wszystko, nie narzuca sobie żadnych ograniczeń religijnych, etycznych czy filozoficznych; każe Juliuszowi Cezarowi powiedzieć, że "ze wszystkich cudów, jakie słyszałem, najdziwniejsze wydaje mi się to, że ludzie powinni się bać", a w każdym razie można się bać tylko "strachu innych".

Krytycy nieraz zwracali uwagę na stały wątek mizantropii w jego twórczości, a z drugiej strony tylko kosmiczne oderwanie od wszystkiego, co boskie i ludzkie, jest w stanie ukuć takie frazy:

Albo:

Po drugie, krytycy podkreślali niezwykłą siłę syntezy "Łabędzia z Avonu" jako liryka; jego fantazja jest w stanie zobaczyć uniwersum w pigułce; jako twórca postaci, każda z nich stanowi sama w sobie światopogląd, za co został nazwany Poetą. Ryszard III, Hamlet, Otello, Brutus, Makbet, Lady Makbet, Falstaff... to autentyczne kreacje. Jednak, i właśnie dlatego, był również krytykowany: bohaterowie jego sztuk wydają się autystyczni, nie umieją słuchać siebie nawzajem i pozostają zamknięci w swoim świecie na jakiekolwiek głębokie zrozumienie drugiego człowieka. Jakie współczucie istnieje między Hamletem a jego biedną, umęczoną dziewczyną Ofelią? Czy Marek Antoniusz i Kleopatra, którzy mimo że są kochankami, są wobec siebie chorobliwie podejrzliwi, kiedykolwiek "słuchali" siebie nawzajem? Krytyk Harold Bloom wskazał to jako jedną z najbardziej zauważalnych i wrażliwych różnic między Szekspirem a Cervantesem. U tego ostatniego między jego bohaterami istnieje empatia, przyjaźń i ludzka więź, dzięki czemu uczą się od siebie i ewoluują, podczas gdy autystyczne postacie tragiczne Szekspira nie są w stanie się zrozumieć i zrealizować tego ludzkiego zbliżenia.

Do studiów nad Szekspirem podchodzono z wielu różnych perspektyw. Początkowo historyzm analizował jego dzieło z historycznego i zewnętrznego punktu widzenia, skupiając swoją uwagę na tym, co pozaliterackie. Jako reakcja, neokrytyka bardziej skłaniała się do analizy samego dzieła, pomijając wszelkie elementy pozaliterackie. Głównym wykładnikiem tej szkoły krytyki był Stephen Greenblatt.

W ostatnich latach studia nad Szekspirem z perspektywy feministycznej, ostro krytykowane przez autorki takie jak Bloom, zyskały pewną walutę w kręgach akademickich.

Poezja Szekspira

Szekspir oprócz niekwestionowanego znaczenia jako dramaturg był również poetą i sonetnikiem, a powszechnie uważa się, że cenił siebie bardziej jako liryka niż dramaturg i tylko jako taki miał nadzieję wyprzedzić swoje czasy. Choć pisał głównie długie poematy narracyjne i mitologiczne, jest szczególnie pamiętany jako wyjątkowy autor czysto lirycznych sonetów.

Pierwsza wzmianka o tych ostatnich znajduje się w Palladis Tamia (Wit's Treasury) (Londyn, 1598) autorstwa licencjata z Cambridge Francisa Meresa, który chwali Szekspira za jego "cukrowe sonety"; wzmianka ta świadczy o tym, że ich rękopiśmienne kopie krążyły w tym czasie wśród jego bliskich przyjaciół:

Wkrótce potem, w 1599 roku, niektóre z jego sonetów, 138 i 144, oraz trzy zawarte w komedii Stracone zachody miłości, zostały wydrukowane (z licznymi zmianami w późniejszych wydaniach) w zbiorze liryków zatytułowanym The Passionate Pilgrim, który jest miscellanią różnych autorów fałszywie przypisywaną w całości Łabędziowi z Avonu i który zawiera wśród swoich sonetów osiem innych, które słusznie zostały mu przypisane ze względu na styl i treść. Dopiero w 1609 roku ukazało się tajemnicze kompletne wydanie, prawdopodobnie bez zgody autora, przez niejakiego T. T. (Thomas Thorpe, wydawca, który był przyjacielem pisarzy i sam pisarzem). Dedykacja jest dla niejakiego pana W. H.

Nie ma sposobu na ustalenie z całą pewnością tożsamości kryjącej się za tymi inicjałami i wysunięto różne teorie co do osoby, która się za nimi kryje; najbardziej prawdopodobne jest to, że był to jeden ze stałych mecenasów poety, a zdecydowana większość krytyków skłania się ku temu, że inicjały są odwrócone i że jest to Henry Wriothesley (1573), hrabia Southampton, ponieważ Szekspir już wcześniej publicznie wyraził swoje uznanie dla niego, dedykując mu inne wiersze: Wenus i Adonis oraz Gwałt na Lucrece. Ale innym możliwym kandydatem jest William Herbert, hrabia Pembroke i syn Mary Herbert, siostry Sir Philipa Sidneya, słynnego poety, który skomponował Arkadię; na korzyść tego ostatniego przemawia również to, że miał on intensywne przywiązanie do teatru i był patronem King's Men, zespołu teatralnego Szekspira. Obaj byli przystojnymi szlachcicami oddanymi mecenatowi sztuki i literatury, a także znacznie młodszymi od poety, co jest wymogiem stawianym każdemu prawdziwemu odbiorcy wierszy.

Porządek ustalony przez edycję Thorpe'a zapisał się osobliwą strukturą bardzo odmienną od zwykłego włoskiego śpiewnika petrarchańskiego; rzeczywiście, nie ma tu kompozycji w innych metrach, które przełamywałyby monotonię, metrum bardzo różni się od klasycznego sonetu (składa się z trzech serwitutów i kupletu, tzw. sonet szekspirowski) i poświęcone jest w przeważającej części przyjaźni (lub miłości) człowieka, którego często interpeluje, by stworzyć swój własny obraz i podobieństwo:

Jest więc zainstalowany w całkowicie odnowionej i oryginalnej tradycji, z czego ironicznie zdawał sobie sprawę sam poeta:

Można go podzielić na dwa kolejne cykle sonetów: jeden ze 126, sławiący jasnowłosą, dobroduszną przyjaciółkę wysokiego urodzenia, patronkę poety, której proponuje on porzucenie samotności, narcyzmu i uciech oraz spłodzenie dziedziców, i ostatni 28, dotyczący ciemnoskórej kobiety, która była zamężna, jak można wnioskować z aluzji w sonecie 152, i była zapewne kobietą wykształconą, skoro umiała grać na szpinecie lub klawesynie. Dwa z sonetów rozpatrujemy osobno, gdyż są to wersje tego samego epigramu z Antologii greckiej.

Z drugiej strony, w trio Szekspira, enigmatycznego adresata i ciemnej damy pojawia się też czasem rywalizujący z nim poeta, co dodatkowo komplikuje historię miłości, która w ówczesnym języku mogła być rozumiana także jako przyjaźń lub jako ten szczególny rodzaj dylematu, jaki nawiązuje się między poetą a jego patronem. Eksperci (William Minto, a następnie Edward Dowden, Tylor i Frederick Furnivall) w większości utrzymują, że poetą tym był hellenista George Chapman, ponieważ jest on identyfikowany jako autor aleksandrynów, wersów, które były wówczas dość rzadkie w angielskiej metryce i które były używane tylko przez tego autora.

Tematami sonetów są miłość i czas, które w pewnym sensie są sobie przeciwstawne; w tym drugim, temat przemijania jest dogłębnie zbadany, czasami osiągając wymiar metafizyczny. Każdy sonet zawiera również dramatyczny ruch; można również docenić przede wszystkim moralną i duchową wartość przesłania oraz filozofię, którą nam pozostawia: jak najlepiej wykorzystać tę niewielką ilość czasu, którą oferuje nam życie, aby w pełni się mu oddać. Claudio Guillén podkreśla również, że "Szekspir ośmiela się mówić rzeczy nowe, zupełnie nowe, takie jak brak rozróżnienia między przyjaźnią a miłością, a także zasadniczy brak rozróżnienia między miłością do kobiety a miłością do mężczyzny".

Chronologia sonetów jest trudna do ustalenia, ale przypuszcza się, że powstały one w latach 1592-1597.

W każdej epoce historycznej pewne sztuki były traktowane priorytetowo, zgodnie z dominującymi problemami i zainteresowaniami. Panująca w XVIII wieku koncepcja "poetyckiej sprawiedliwości" doprowadziła do odrzucenia wielu tragedii Szekspira, gdyż według jej kryteriów teatr powinien promować przykłady cnoty. Angielski krytyk Samuel Johnson (1709-1784) nie zaakceptował zakończenia Króla Leara, które uznał za okrutne i niepotrzebne, a wersja Nahuma Tate'a z 1681 roku zastąpiła wersję Szekspira aż do połowy XIX wieku, zadziwiając czytelniczą publiczność swoim wielkim sukcesem: ma szczęśliwe zakończenie, w którym Kordelia i Lear zdołają zatriumfować nad przeszkodami, a bohaterka poślubia Edgarda, prawowitego dziedzica hrabiego Gloucester.

W 1731 roku słynny aktor David Garrick (1717-1779) wystąpił po raz pierwszy w roli garbatego Ryszarda III na scenie teatru w londyńskich slumsach i odniósł spektakularny sukces. Kiedy objął dyrekcję eleganckiego Drury Lane Theatre, jego olśniewający występ wywołał istną "Szekspiromanię", która osiągnęła punkt kulminacyjny, gdy sam Garrick zorganizował pierwszy jubileusz na cześć poety w Stratfordzie (1769), wydarzenie, które wywołało taki entuzjazm, że nawet Irlandia ekshumowała pod jego szyldem fałszywe dokumenty literackie przypisywane Szekspirowi. Do 1772 roku Garrick zmienił znaczną część Hamleta, usuwając scenę z grabarzami i zwalniając Laertesa z winy za truciznę w jego mieczu. Ponadto królowej Gertrudzie udaje się przeżyć, by prowadzić życie pełne pokuty, co nie ma miejsca w oryginale. W tym samym czasie sława dramatopisarza rozeszła się po Europie; W tym samym roku Gotthold Ephraim Lessing opublikował w Niemczech Hamburgische Dramaturgie, zbiór krytycznych studiów teatralnych, w których opowiadał się za odrzuceniem klasycznej tragedii francuskiej i nowym wyniesieniem Szekspira, podobnie jak Johann Gottfried Herder w 1771 roku w swoim Blättern von Deutscher Art und Kunst. Podobnie jak Garrick w Anglii, Friedrich Ludwig Schröder, aktor i reżyser teatralny, przyczynił się swoim pierwszym przedstawieniem Hamleta w Niemczech (1777) do ożywienia Szekspira na niemieckiej scenie. Goethe wystawiał w Weimarze sztuki Szekspira i Calderóna, gdy otrzymał zlecenie na kierowanie teatrem księstwa, a sam i Friedrich von Schiller doświadczyli wpływu angielskiego geniusza w swoich własnych sztukach. W Hiszpanii Ramón de la Cruz przetłumaczył Hamleta w 1772 roku, a Leandro Fernández de Moratín w 1798 roku.

Odrodzenie Szekspira (jak również Pedra Calderóna de la Barca) było decydującym wydarzeniem w historii teatru europejskiego, ponieważ sprzyjało nadejściu preromantyzmu i jednocześnie umożliwiło powstanie niemieckiego dramatu narodowego, a później francuskiego dramatu romantycznego Victora Hugo.

W 1807 roku Thomas Bowdler opublikował Family Shakespeare, zmodyfikowaną wersję, aby uczynić ją, jego zdaniem, bardziej odpowiednią dla kobiet i dzieci, która nie mogłaby "obrazić cnotliwego i religijnego umysłu". Ta adaptacja dała początek angielskiemu słowu bowdlerize, które oznacza purytańską cenzurę.

W epoce wiktoriańskiej przedstawienia charakteryzowały się na ogół archeologiczną próbą rekonstrukcji epoki, a inscenizatorzy i aktorzy mieli obsesję na punkcie realizmu historycznego zgodnie z dokumentalną metodologią pozytywizmu. Awangarda artystyczna wpłynęła również na dramaturgów: Gordon Craig w 1911 roku podjął próbę stworzenia kubistycznego Hamleta. Jego obrazoburcza koncepcja sceny otworzyła drogę do różnych estetycznych rewizji sztuk Szekspira w XX wieku. W 1936 roku Orson Welles wystawił w Harlemie nowatorskiego Makbeta, przenosząc nie tylko epokę, w której rozgrywa się sztuka, ale także zatrudniając afroamerykańskich aktorów. W filmie fabularnym Laurence'a Oliviera Henryk V, nakręconym na cześć uczestników II wojny światowej, niektóre fragmenty zostały uwypuklone, aby zachęcić Brytyjczyków do patriotyzmu, a najważniejszym z nich jest przemowa monarchy do swoich żołnierzy przed bitwą pod Agincourt przeciwko wojskom francuskim. Podobnie jest z niezliczonymi adaptacjami teatralnymi i filmowymi do dnia dzisiejszego.

Tak więc adaptacja, interpretacja i przekształcanie dzieła Szekspira przez długi czas były produktem specyficznych interesów moralnych, politycznych i estetycznych, i przesłoniły one ponurą koncepcję życia, którą Szekspir autentycznie oferuje.

Jeśli chodzi o jego wpływ na inne kultury, a w szczególności na kulturę hispanoamerykańską, Szekspir zawsze był bogatym źródłem inspiracji dla pisarzy nowoczesnych i współczesnych, ale jego obecność stała się naprawdę odczuwalna dopiero w XIX wieku. W Ameryce Hiszpańskiej pisarze tacy jak Rubén Darío, a w szczególności eseista José Enrique Rodó, czytali Burzę ze szczególnym zainteresowaniem. Rodó, na przykład, wyartykułował w swoim znanym eseju Ariel (1900) całą interpretację Ameryki opartą na mitach dwóch jej głównych bohaterów, Ariela i Kalibana.

Ale jego koronacja jako autora literatury uniwersalnej musiała poczekać w Hiszpanii do końca XVIII wieku, kiedy to Wolter wzbudził wśród hiszpańskiego Oświecenia pewną ciekawość wobec angielskiego autora poprzez to, co powiedział o nim w swoich Listach angielskich; Ramón de la Cruz przetłumaczył Hamleta w 1772 roku z francuskiej redukcji autorstwa Jean-François Ducis (1733-1816), który zaadaptował francuskie przekłady tragedii Szekspira na wiersz bez znajomości angielskiego zgodnie z gustami neoklasycyzmu i eliminując gwałtowne zakończenie, wśród innych retuszy. Przekład ten jednak nigdy nie został opublikowany. Leandro Fernández de Moratín natomiast wydrukował swój własny, również ze złej wersji francuskiej Ducisa, dodając inne braki do tych, które miał jego model (Madryt: Villalpando, 1798).

Istniały też inne wersje poszczególnych utworów (Macbé lub Los Remordimientos, 1818, autorstwa Manuela Garcíi, także z francuskiej wersji Ducisa), ale dopiero w drugiej połowie XIX wieku podjęto globalne próby przetłumaczenia całego dorobku autora, do czego niewątpliwie przyczynił się prestiż, jaki autor zyskał dzięki niesłabnącym pochwałom niemieckiego romantyzmu.

Rok 1872 był fundamentalny w hiszpańskiej recepcji Szekspira. Ukazały się pierwsze bezpośrednie tłumaczenia z języka angielskiego: Obras de William Shakspeare trad. fielmente del... inglés con presencia de las primeras ediciones y de los textos d á luz por los más célebres comentadores del inmortal poeta, Madrid, 1872-1877 (Imp. Manuel Minuesa, R. Berenguuillo). Tłumaczenie jest autorstwa Matíasa de Velasco y Rojasa, markiza Dos Hermanas, ale nie wyszło poza trzy tomy; drugi i trzeci wydrukowano w 1872 roku, pierwszy z jego wierszami i sonetami, drugi z Kupcem weneckim, a trzeci z Julią i Romeo.

W latach 1872-1876 Jaime Clark przetłumaczył Romeo i Julię; Hamleta; Otella; Króla Leara; Kupca weneckiego; Jak wam się podoba; Dwunastą noc i Burzę. W 1873 roku Gibraltarczyk William Mcpherson rozpoczął druk swojego przekładu 23 sztuk białym hendecasylabem, z ważnymi prologami.

Z drugiej strony, w latach 1872-1912 przedstawienia jego sztuk były częste w Madrycie; Szekspir pojawił się nawet jako postać w Un drama nuevo Manuela Tamayo y Bausa, choć już wcześniej występował w tej roli w dramacie Enrique Zumela Guillermo Shakespeare (Granada: José María Zamora, 1853). Podobnie krytycy hiszpańscy podjęli po raz pierwszy pogłębione studia nad Szekspirem; pierwsi byli Guillermo Macpherson i jego przyjaciel Eduardo Benot (1885), a zwłaszcza Eduardo Juliá Martínez (1918), który wykorzystał datę stulecia do spopularyzowania postaci Szekspira rodzajem powieściowej biografii, która pod tytułem Szekspir i jego czas: historia i fantazja (1916) miała na celu wyeksponowanie "prawdy pośród pozorów rozrywki" (s. xii). Praca jest dobrze udokumentowana, o czym świadczą obfite przypisy i końcowe aneksy (po tym Juliá napisał interesującego Szekspira w Hiszpanii (1918), który posłużył za podstawę pracy Alfonso Para o tym samym tytule. Wśród innych sztuk przełożył Króla Leara na język kataloński i hiszpański. W 1916 roku, w trzecią rocznicę śmierci dramaturga, napisał po katalońsku Vida de Guillem Shakespeare, która ukazała się po hiszpańsku w 1930 roku, a w tym samym roku Contribución a la bibliografía española de Shakespeare; jego poświęcenie zostanie uwieńczone dwoma kolosalnymi dziełami, jednym opublikowanym w 1935 roku, Shakespeare en la literatura española, w dwóch tomach, a drugim w następnym roku, pośmiertnym Representaciones shakespearianas en España, również w dwóch tomach. Należy tu również wspomnieć o innym hiszpańskim badaczu Szekspira, Ricardo Ruppert y Ujaravi (1920), pisarzu realistycznym Juanie Valerze oraz członkach Pokolenia '98, takich jak Miguel de Unamuno i Valle-Inclán, którzy poświęcili eseje Łabędziowi znad Avonu.

Wśród przekładów wyróżniają się dzieła kompletne w ośmiu tomach autorstwa wspomnianego Williama Macphersona (1885-1900), opatrzone odpowiednimi wstępami. Uprzywilejowane miejsce zajmują także Complete Works of Shakespeare Rafaela Martíneza Lafuente, choć są to najprawdopodobniej retranslacje z francuskiego, gdyż zawierają w prologu fragmenty esejów Victora Hugo o życiu i twórczości dramaturga, które poprzedzały francuski przekład. Całość utworu, a nawet przypisane tytuły, zawiera już wersja prozatorska Luisa Astrany Marína, wydana w latach 1920-1930, szeroko czytana przez Federico Garcíę Lorkę; Astrana skomponował też biografię, którą przedrukował w rozszerzonej formie, oraz opracował całościowe studium jego twórczości, które wykorzystał jako wstęp do swojego monumentalnego wydania. Na uwagę zasługują również przekłady i adaptacje dokonane przez symbolistów Antonio Ferrera i Roberta (Noche de Epifanía (Romeo i Julia (1918) oraz Hamlet (1918) Gregorio Martíneza Sierry. Znaczna liczba opracowań i tłumaczeń wykorzystanych i zgromadzonych przez Williama Macphersona i Rafaela Martíneza Lafuente znajduje się również w Biblioteca del Ateneo de Madrid.

Wśród współczesnych przekładów, poza słynnym i wspomnianym już przekładem prozatorskim Luisa Astrany Marína, należy wymienić Obras completas José Maríi Valverde (Barcelona: Planeta, 1967), również prozatorskie, oraz wydania dwujęzyczne z hiszpańską wersją w wierszu ślepym, przygotowane przez Instytut Szekspirowski w Walencji, poświęcony w całości temu przedsięwzięciu od 1980 roku pod kierunkiem Manuela Ángela Conejero i Jenaro Talensa. Na uwagę zasługują również wersje niektórych sztuk najważniejszego hiszpańskiego dramaturga tragicznego drugiej połowy XX wieku, Antonio Buero Vallejo. Ángel Luis Pujante od 1986 roku podjął się również nowego tłumaczenia jego dzieł kompletnych dla Editorial Espasa-Calpe.

Wreszcie na Uniwersytecie w Murcji powstała internetowa baza danych zawierająca teksty wszystkich tłumaczeń historycznych tekstów Szekspira na język hiszpański, pięć biografii autora, materiały uzupełniające oraz bibliografię opracowaną przez Ángela-Luisa Pujante i Juana F. Cerdá Szekspir w Hiszpanii. Dwujęzyczna bibliografia adnotowana

Wśród filmowych wersji biografii Szekspira znajdują się Zakochany Szekspir (1998) w reżyserii Johna Maddena, Miguel i Wilhelm (2007) reżyserki i scenarzystki Inés París o Miguelu de Cervantesie i Szekspirze oraz Anonim (2011) w reżyserii Rolanda Emmericha, który w ramach wątku politycznego stawia możliwą odpowiedź o autorstwo jego dzieł.

Na podstawie tekstów Szekspira powstało około 250 filmów, co świadczy o ogromnym wpływie jego twórczości. Najczęściej filmowaną sztuką jest Hamlet - w latach 1907-2000 powstało 61 adaptacji filmowych i 21 seriali telewizyjnych. Do filmów opartych na sztukach Szekspira należą:

Tragedia

Są one wymienione w porządku alfabetycznym. Zobacz listę w porządku chronologicznym powyżej.

Komedia

Są one wymienione w porządku alfabetycznym. Zobacz listę w porządku chronologicznym powyżej.

Dramat historyczny

Są one wymienione w porządku alfabetycznym. Zobacz listę w porządku chronologicznym powyżej.

Źródła

1. William Shakespeare
2. William Shakespeare
3. La muerte de Shakespeare coincidió con la fecha, 23 de abril, tenida por la de la muerte de Miguel de Cervantes. Sin embargo, en realidad Cervantes, aunque fue sepultado el 23 de abril, había fallecido el día anterior. Por otro lado, tampoco la muerte de Shakespeare y el entierro de Cervantes tuvieron lugar el mismo día. El motivo es la diferencia de calendarios usados: la fecha de la muerte de Shakespeare se refiere al calendario juliano, vigente por entonces en Inglaterra, en tanto que en los países católicos, como España, ya había entrado en vigor el calendario gregoriano. En realidad, la muerte de Shakespeare tuvo lugar varios días después de la de Cervantes (dependiendo de los autores, se fecha en el 3 o en el 4 de mayo del calendario gregoriano). Son muchos, sin embargo, los autores que han creído erróneamente que ambos fallecimientos se produjeron el mismo día, entre ellos el gran poeta francés Victor Hugo, quien anotaría al principio de su obra William Shmiz: "Murió el 23 de abril, tenía 52 años justos, pues había nacido el 23 de abril de 1564. Ese mismo día, 23 de abril de 1616, murió Cervantes, genio de la misma altura".
4. «Shakespeare como canon de la literatura de occidente.»
5. Traducción libre: «Widely regarded as the greatest writer of all time, William Shakespeare (or Shakspere) occupies a position unique in world literature. Other poets, such as Homer and Dante, and novelists, such as Tolstoy and Dickens, have transcended national barriers; but no writer's living reputation can compare with that of Shakespeare, whose plays [...] are now performed and read more often and in more countries than ever before. The prophecy of his great contemporary, the poet and dramatist Ben Jonson, that Shakespeare "was not of an age, but for all time," has been fulfilled». Artículo en Britannica CD '97. Single-user version. Sección "Introduction", Art. "William Shakespeare".
6. Bloom, Harold (2005). El canon occidental. Barcelona: Anagrama. ISBN 84-339-6684-7, p. 57.
7. ^ In italiano si trovano la rara e antica forma adattata Guglielmo Scespir (Museo di letteratura e filosofia, per cura di S. Gatti. Nuova ser., vol. 1-15; 3a ser., vol. 1-nuova [4th], Volume 7, Museo di scienze e letteratura, 1845, p. 256; Scrivendo & parlando: usi e abusi della lingua italiana, Luciano Satta, 1988, p. 137; Opere edite e inedite in prosa ed in versi, Volume 22, Saverio Bettinelli, 1801, p. 113) e le varianti ancor più rare Scespiro e Scespirio.
8. ^ La data di battesimo è il 26 aprile 1564, mentre l'esatto giorno di nascita è un argomento ancora dibattuto tra gli esperti. Si dice che sia nato il 23 aprile per convenzione, in quanto in quel giorno si celebra la festa di san Giorgio, patrono della nazione.
9. ^ La data di morte riportata segue il calendario giuliano allora in uso in Inghilterra. Secondo il calendario gregoriano, introdotto nei paesi cattolici dal 1582, Shakespeare morì il 3 maggio. Nella stessa data del 23 aprile 1616, ma del calendario gregoriano, fu sepolto Miguel de Cervantes, morto il giorno addietro, e morì il meticcio inca Garcilaso de la Vega. Per questo motivo l'UNESCO ha scelto il 23 aprile per la Giornata mondiale del libro e del diritto d'autore.
10. ^ The concept that Shakespeare was born on 23 April, contrary to belief, is a tradition, and not a fact;[1] see § Early life below.
11. ^ Dates follow the Julian calendar, used in England throughout Shakespeare's lifespan, but with the start of the year adjusted to 1 January (see Old Style and New Style dates). Under the Gregorian calendar, adopted in Catholic countries in 1582, Shakespeare died on 3 May.[2]
12. ^ The crest is a silver falcon supporting a spear, while the motto is Non Sanz Droict (French for "not without right"). This motto is still used by Warwickshire County Council, in reference to Shakespeare.
13. Facts about Shakespeare’s Birthday. [dostęp 2007-01-25]. [zarchiwizowane z tego adresu]. (ang.).