Άντι Γουόρχολ

Dafato Team | 28 Ιουν 2022

Πίνακας Περιεχομένων

Σύνοψη

Ο Andy Warhol (πραγματικό όνομα Andrew Warhola) ήταν Αμερικανός καλλιτέχνης, κινηματογραφιστής και εκδότης, καθώς και συνιδρυτής και σημαντικότερος εκπρόσωπος της αμερικανικής ποπ αρτ. Η καριέρα του ξεκίνησε ήδη από τη δεκαετία του 1950 ως γραφίστας και εικονογράφος για περιοδικά μόδας, glossy και lifestyle και αναπτύχθηκε ραγδαία. Άφησε πίσω του ένα εκτεταμένο έργο που κυμαίνεται από απλά διαφημιστικά γραφικά μέχρι πίνακες, αντικείμενα, ταινίες και βιβλία. Επιπλέον, δραστηριοποιήθηκε και ως μουσικός παραγωγός.

Παιδική ηλικία και εκπαίδευση

Ο Άντι Γουόρχολ ήταν ο νεότερος από τους τρεις γιους μιας φτωχής αγροτικής οικογένειας με λεμκο-ρουθηναϊκές (σε πιο πρόσφατη ορολογία και με μεγαλύτερη ακρίβεια: ρωσικές) ρίζες. Οι γονείς του, Ondrej Varhola (1892-1972), ήταν μετανάστες από το χωριό Miková κοντά στο Medzilaborce στα Καρπάθια, στα βορειοανατολικά της σημερινής Σλοβακίας (τότε: Βασίλειο της Ουγγαρίας). Το γενέθλιο όνομά του ήταν Andrew Warhola, αλλά αργότερα το αμερικανοποίησε περαιτέρω. Βαπτίστηκε Ελληνοκαθολικός.

Στον Άντι Γουόρχολ άρεσε να φλερτάρει με την ημερομηνία γέννησής του και κατά καιρούς "έπεφτε" στο 1930, μερικές φορές ακόμη και στο 1933, γι' αυτό και οι βιογραφίες συχνά περιέχουν μια μεγάλη ποικιλία πληροφοριών- ωστόσο, ο ίδιος δήλωσε ότι ο τόπος γέννησής του ήταν το Πίτσμπουργκ στην αμερικανική πολιτεία της Πενσυλβάνια. Γεννήθηκε εκεί, στην οδό Orr 73.

Το 1934, η οικογένεια εγκατέλειψε το διαμέρισμα δύο δωματίων στη φτωχή γειτονιά του Σόχο και μετακόμισε στο δικό της μονώροφο τούβλινο σπίτι στην οδό 3252 Dawson Street στη συνοικία South Oakland.

Στην ηλικία των οκτώ ετών, ο Γουόρχολ προσβλήθηκε από χορεία ελάσσονος σημασίας, σε συνδυασμό με μια σπάνια διαταραχή της χρωστικής ουσίας, με αποτέλεσμα να θεωρηθεί επί μακρόν αλμπίνος. Το κατάκοιτο παιδί ανέπτυξε γρήγορα ένα πάθος για τα κόμικς και τον κινηματογράφο, άρχισε να ζωγραφίζει και να κόβει χάρτινες φιγούρες. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Γουόρχολ ανέπτυξε έναν έντονο δεσμό με τη μητέρα του Τζούλια.

Από το 1945 έως το 1949, ο Γουόρχολ σπούδασε εμπορική τέχνη στο Ινστιτούτο Τεχνολογίας Carnegie στο Πίτσμπουργκ, το σημερινό Πανεπιστήμιο Carnegie Mellon, και αποφοίτησε με πτυχίο ζωγραφικής και σχεδιασμού. Μετά την αποφοίτησή του, μετακόμισε με τον συμφοιτητή του, τον καλλιτέχνη Philip Pearlstein, στη Νέα Υόρκη, η οποία δεν ήταν μόνο λογοτεχνικό και καλλιτεχνικό κέντρο αλλά και προπύργιο της διαφήμισης. Στα τέλη της δεκαετίας του 1940, ο Γουόρχολ εργάστηκε σε ένα εργοστάσιο υποδημάτων. Καθώς πήγαινε στη δουλειά του, τον πλησίασε ο Alexander Iolas, ο οποίος τον έβλεπε καθημερινά από το παράθυρο της γκαλερί του- η επαφή αυτή οδήγησε αργότερα στην πρώτη έκθεση του Warhol.

Αρχές και ανάπτυξη της μεταξοτυπίας (μέχρι το τέλος της δεκαετίας του 1960)

Στις αρχές της δεκαετίας του 1950, ο Γουόρχολ ζούσε από περιστασιακές δουλειές ως εμπορικός καλλιτέχνης και διακοσμητής βιτρινών ή πουλώντας φρούτα και λαχανικά στο δρόμο. Τον Φεβρουάριο του 1950, το περιοδικό Mademoiselle δημοσίευσε σχέδια με την υπογραφή "Andy Warhol": Ο Andrew Warhola είχε γίνει Andy Warhol. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ανέπτυξε την τεχνική του "drop and dripping" - μια μέθοδο που προμήνυε τις μεταγενέστερες μεταξοτυπίες του: μοτίβα αγγέλων, χερουβείμ, πεταλούδων ή γατών σχεδιασμένα με μελάνι αντιγράφονταν με στυπόχαρτο και μεταφέρονταν σε νέο φύλλο. Σε συνεργασία με τη σχεδιάστρια Suzie Frankfurt, αυτό είχε ως αποτέλεσμα μια σειρά από συμμετοχές για περιοδικά και εφημερίδες, καθώς και ευχετήριες κάρτες, δώρα και χιουμοριστικά βιβλία μαγειρικής (Wild Raspberries, 1959). Στα λεγόμενα "πάρτι χρωματισμού" προσκαλούσε φίλους και καλεσμένους που βοηθούσαν στο χρωματισμό των έργων του - κάτι που ήδη υπονοούσε τη μετέπειτα σειριακή "εργοστασιακή" μέθοδο παραγωγής των έργων και των ταινιών του από συνεργάτες.

Το 1952, ο Warhol ζήτησε από τον Alexander Iolas, διευθυντή της γκαλερί Hugo, μια ατομική έκθεση. Ο Γουόρχολ υπέβαλε το βιβλίο σκίτσων του στον Έλληνα, τον οποίο είχε ήδη γνωρίσει το 1945. Ωστόσο, δεδομένου ότι η σεζόν θεωρούνταν ήδη κλειστή, ο Ιόλα είχε ήδη ετοιμάσει τις βαλίτσες του για να ταξιδέψει στην Ευρώπη, όπως οι περισσότεροι επιφανείς Νεοϋορκέζοι εκείνη την εποχή. Ωστόσο, οργάνωσε μια εξαίρεση, ζητώντας από τον ιδιοκτήτη ενός κοντινού βιβλιοπωλείου να επιβλέψει την έκθεση λόγω έλλειψης προσωπικού. Το 1956, ο Γουόρχολ εξέθεσε στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης, αλλά και τις δύο φορές ως γραφίστας και όχι ως εικαστικός καλλιτέχνης.

Ζωγραφική και μεταξοτυπίες

Αν και ο Warhol ήταν εξαιρετικά επιτυχημένος ως βιομηχανικός και εμπορικός καλλιτέχνης - στα τέλη της δεκαετίας του 1950 ήταν ένας από τους καλύτερα αμειβόμενους γραφίστες στο Μανχάταν - σύντομα επέλεξε τον καλλιτεχνικό δρόμο και αναζήτησε νέες ιδέες για τους πίνακές του στον καμβά. Ο Γουόρχολ επικεντρώθηκε σε τετριμμένα θέματα ποπ κουλτούρας: αστέρες του Χόλιγουντ, κόμικς και καρτούν όπως ο Μίκυ Μάους, ο Ποπάυ ή ο Σούπερμαν, τα οποία αρχικά παρήγαγε και αναπαρήγαγε με το χέρι. Με αυτές τις εικόνες που προέρχονται από τη διαφημιστική σκηνή, απομακρύνθηκε συνειδητά από τον αφηρημένο εξπρεσιονισμό ενός Mark Rothko ή Barnett Newman ή τα Action Paintings ενός Jackson Pollock. Παραιτήθηκε, ωστόσο, αλλά σύντομα έπρεπε να συνειδητοποιήσει ότι συνάδελφοί του καλλιτέχνες όπως ο Roy Lichtenstein ή ο Robert Rauschenberg έβοσκαν ήδη το έδαφος με παρόμοια μοτίβα. Δημιούργησε μια σύνδεση με την προηγούμενη ζωή του σχεδιάζοντας μια συλλογή βιτρινών από τα "πεταμένα" έργα που εξακολουθούσαν να ζωγραφίζονται με το χέρι για τα πολυκαταστήματα Bonwit Teller στην 5η Λεωφόρο της Νέας Υόρκης και υιοθετώντας μια νέα τεχνική.

Στις αρχές της δεκαετίας του 1960, εξοικειώθηκε με τη μεταξοτυπία και άρχισε να κόβει και να συλλέγει εντατικά εικόνες από φυλλάδια, κινηματογραφικά περιοδικά, περιοδικά όπως το Life ή το Time, προκειμένου να τις χρησιμοποιήσει για τις εικόνες του με την έννοια της "μεικτής τεχνικής". Χαρακτηριστικό της επόμενης περιόδου του έργου του είναι η χρήση διαδεδομένων μοτίβων που είναι γνωστά σε κάθε Αμερικανό (κυρίως από εμπορικές διαφημίσεις και φωτογραφίες στον Τύπο), από τα οποία έφτιαχνε μεταξοτυπίες και τα οποία στη συνέχεια επαναλάμβανε κατά συρροή (απόφθεγμα: "Μου αρέσει να κάνω το ίδιο πράγμα ξανά και ξανά"). Ένας τυπικός τίτλος έργου της εποχής είναι: Τριάντα είναι καλύτερα από ένα: Μια καρτ ποστάλ της Μόνα Λίζα αναπαράχθηκε τριάντα φορές σε καμβά και ήταν επομένως καλύτερη από μία μόνο - το πρωτότυπο μετράει λιγότερο από την ποσοτική αναπαραγωγή (πολλαπλάσια).

Το 1962, ο Warhol είχε την πρώτη του ατομική έκθεση ως καλλιτέχνης με κονσέρβες σούπας Campbell's, μετά από πρόσκληση του Irving Blum, τότε συνεργάτη στην γκαλερί Ferus του Walter Hopps στο Λος Άντζελες (9 Ιουλίου έως 4 Αυγούστου 1962). Δημιούργησε 32 σχεδόν πανομοιότυπους πίνακες, επειδή η κονσέρβα σούπας είχε 32 διαφορετικές γεύσεις.

Αυτοί οι πίνακες αντιμετωπίστηκαν αρχικά με πλήρη ακατανόητη κατανόηση, μόνο πέντε αγοραστές αναγνώρισαν την επαναστατική καινοτομία της οπτικής γωνίας του Warhol- ένας από αυτούς ήταν ο ηθοποιός Dennis Hopper, ο άλλος ο Donald Factor, μετέπειτα μερικός κληρονόμος της εταιρείας Max Factor. Κανένας από τους αγοραστές δεν έλαβε τον πίνακα του, για τον οποίο ο καθένας θα πλήρωνε 100 δολάρια, επειδή ο Irving Blum, σε συνεννόηση με τον Andy Warhol, ήθελε να κρατήσει το σύνολο μαζί και μετά την έκθεση αγόρασε τους πίνακες για 100.000 δολάρια, αν και ο Warhol ήθελε μόνο 1.000 δολάρια για τους 32 πίνακες. Το 1996 πωλήθηκαν στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης έναντι 15 εκατομμυρίων δολαρίων.

Ένα από τα πιο διάσημα έργα αυτής της περιόδου είναι ίσως η εικόνα ενός κινηματογραφικού αγάλματος από την ταινία Niagara με τη Μέριλιν Μονρόε, την οποία ο Γουόρχολ δούλεψε σε πολλές χρωματικές παραλλαγές κατά τη διάρκεια των ετών. Αμέτρητοι "Elvises", "James Deans" και "Liz Taylors" θα ακολουθούσαν. Όλες αυτές οι εικόνες, ωστόσο, δείχνουν ξεκάθαρα ένα πράγμα: αποτελούν σκόπιμα επιλεγμένα και περαιτέρω επεξεργασμένα αποσπάσματα των πρωτοτύπων. Το συχνά αναφερόμενο μπονμότ του Γουόρχολ, ότι δεν ζωγραφίζει πια και ότι όλα τα μοντέλα του είναι ήδη εκεί, ότι ο ίδιος δεν παράγει πια τέχνη αλλά η ίδια η τέχνη, ότι ο καλλιτέχνης δεν υπάρχει πια με την παραδοσιακή έννοια, πρέπει να αξιολογηθεί από αυτή την άποψη. Είναι η επιλογή, ο σχεδιασμός και η βασική ιδέα που διαμορφώνουν αποφασιστικά το έργο. Η αλάνθαστη αίσθηση του Γουόρχολ για τα αποτελέσματα που προκαλούνται από το κατάλληλο σχέδιο και τον κατάλληλο χρωματισμό, που απέκτησε κατά τη διάρκεια των χρόνων του ως εμπορικός καλλιτέχνης, αποτελεί τη σταθερά αναπτυγμένη βιογραφική και αισθητική βάση. Αντίστοιχα, η τακτική της συσκότισης του Warhol, που επαναλαμβάνεται στις συνεντεύξεις του, περιλαμβάνει τον ισχυρισμό ότι τα έργα αυτά έγιναν εν μέρει μόνο κατόπιν οδηγιών του από τον νεαρό συνεργάτη του, τον εκπαιδευμένο μεταξοτυπικό τυπογράφο και ποιητή Gerard Malanga (ο Salvador Dalí, για παράδειγμα, είχε ισχυριστεί στο παρελθόν κάτι παρόμοιο για τις μεθόδους εργασίας του).

Ο Γουόρχολ χρησιμοποιούσε τα πάντα από τη λαϊκή κουλτούρα που κατά κάποιο τρόπο θεωρούσε "γοητευτικά" ή που επανερμήνευε ως τέτοια - ακόμη και αν ήταν, όπως στην περίφημη πρώτη του σειρά, ένα κουτί σούπας Campbell's. Μέσα από τη σειρά "Θάνατος και Καταστροφή" που ξεκίνησε το 1962, στην οποία χρησιμοποίησε φωτογραφίες του Τύπου από θανάτους σε αυτοκινητιστικά δυστυχήματα, καταστροφές και ηλεκτρικές καρέκλες (βλ. Ηλεκτρική καρέκλα) και τις παραμόρφωσε με μικρά ρετουσάρισμα, έκανε την τεχνική χειραγωγήσιμη εμπειρία της πραγματικότητας αντικείμενο της ζωγραφικής. Με αυτόν τον τρόπο, απέδειξε ότι ο αισθητικά προετοιμασμένος και αναπαραγόμενος τρόμος γίνεται καταναλώσιμος. Οι κριτικοί τέχνης αναγνώρισαν επίσης σύντομα ότι οι πίνακες αυτοί είχαν τεράστια αισθητική απήχηση: Μέσω της σειριακότητάς τους, απέσπασαν την προσοχή από το μοτίβο προς τον τρόπο κατασκευής των πρωτοτύπων, αποκαλύπτοντας έτσι τον χειραγωγικό χαρακτήρα της λαϊκής κουλτούρας της εποχής μας - όλοι μας καθοδηγούμαστε στις αντιλήψεις μας από τα μέσα μαζικής ενημέρωσης. "Επιπλέον, οι εικόνες είχαν την οπτική τους γοητεία στο γεγονός ότι αλλοίωναν τα πρωτότυπα πρωτότυπα μέσω του φανταχτερού χρωματισμού και της σκόπιμα πρόχειρης εφαρμογής του χρώματος με τέτοιο τρόπο ώστε να καθίσταται δυνατή μια οιονεί "κινηματογραφική" θέαση. Οι πίνακες του Γουόρχολ γιορτάστηκαν ως αίσθηση στην αγορά τέχνης το αργότερο από το 1965".

Το εργοστάσιο

Δούλεψε πάνω σε μια μεγάλη ποικιλία έργων στα στούντιό του, τα οποία ίδρυσε το 1962 και ονόμασε "Factory", διάφορα εργοστασιακά κτίρια στη Νέα Υόρκη. Τα εργοστάσια ήταν το πειραματικό πεδίο του Warhol: στούντιο, κινηματογραφικό στούντιο και "τοποθεσία για πάρτι" με επακόλουθο "τόπο διαμονής" για τους πρωταγωνιστές. Ταυτόχρονα, αποτέλεσαν τη δεξαμενή της δημιουργικής σκηνής της Νέας Υόρκης. Σταρ όπως ο Bob Dylan, ο Mick Jagger ή ο Jim Morrison βρέθηκαν εδώ, καθώς και συνάδελφοι καλλιτέχνες όπως ο Salvador Dalí ή ο Marcel Duchamp.

Ο Γουόρχολ ειδικεύτηκε στην αρχή στη μεταξοτυπία. Το υλικό που χρησιμοποιήθηκε ήταν κυρίως εικόνες από τα μέσα μαζικής ενημέρωσης, για παράδειγμα από το περιοδικό Life ή από ταινίες, επιστολές και κάρτες με αυτόγραφα. Αργότερα, προτίμησε να χρησιμοποιεί τις δικές του φωτογραφίες Polaroid για τα έργα του. Ωστόσο, πολλοί από τους πίνακες του Warhol δεν εκτελέστηκαν μόνο από τον ίδιο, αλλά και από τους βοηθούς του, όπως ο Gerard Malanga. Διάσημα είναι τα τρισδιάστατα κουτιά Brillo (εκτυπώσεις με μεταξοτυπία ενός καθαριστικού σε ξύλινα κουτιά), τα κουτιά σούπας Campbell, τα αμέτρητα πορτρέτα της Marilyn Monroe (ορισμένα από αυτά έγιναν αρνητικά) (ως σειριακή επανάληψη) ή οι σειρές από αυτοκινητιστικά δυστυχήματα, κρανία ή ηλεκτρικές καρέκλες που έγιναν κατά την παράδοση του memento mori. Προτιμούσε καμβάδες 100 επί 100 εκατοστά για τα έργα του. Εν τω μεταξύ, στην αναζήτηση νέου υλικού, ο εμμονικός κινηματογραφόφιλος Γουόρχολ στράφηκε όλο και περισσότερο στη δική του κινηματογραφική παραγωγή. Πιθανώς εμπνευσμένος από κινηματογραφιστές του Συνεταιρισμού Κινηματογραφιστών, όπως ο Jonas Mekas, αγόρασε μια φωτογραφική μηχανή Bolex 16 mm και άρχισε να κινηματογραφεί υπαλλήλους του εργοστασίου του, διασημότητες και αγνώστους σε κάθε πιθανή κατάσταση. Γνωστές από τη δεκαετία του 1960 είναι οι underground ταινίες όπως το Empire, ένα οκτάωρο πορτρέτο του Empire State Building με μία μόνο κάμερα, ή το Eat, μια 45λεπτη ταινία που δείχνει τον ποπ καλλιτέχνη Robert Indiana να τρώει μανιτάρια, και αμέτρητες λεγόμενες Screen Tests (μαζί με τον Malanga). Με το ροκ συγκρότημα The Velvet Underground, το οποίο προώθησε και αρχικά ήταν και παραγωγός, συνέλαβε τα πολυμεσικά happenings ("Exploding Plastic Inevitable"), τα οποία ήταν επιτηδευμένα έως σκανδαλώδη για την εποχή. Από τη μία πλευρά, το κοινό "εξαντλήθηκε" από τον εκκωφαντικό θόρυβο των ενισχυτών του ροκ συγκροτήματος, τις προβολές ταινιών και τα έντονα φωτεινά και στροβοσκοπικά εφέ. Από την άλλη πλευρά, οι παραστάσεις σοκάρουν μέσα από τις σεξουαλικές προκλήσεις των ηθοποιών που χορεύουν (κυρίως του Gerard Malanga και των ηθοποιών Mary Woronov και Edie Sedgwick αντίστοιχα).

Μετά τη δολοφονία της ακτιβίστριας για τα δικαιώματα των γυναικών Valerie Solanas το 1968, ο καλλιτέχνης ηρέμησε: Το "Εργοστάσιο" έγινε κτίριο γραφείων και ο ίδιος έβλεπε τον εαυτό του όλο και περισσότερο ως παραγωγό ταινιών.

Στη δεκαετία του 1970 ήταν ενθουσιώδης επισκέπτης της σκηνής των πάρτι και της λάμψης της Νέας Υόρκης, π.χ. στο Studio 54, όπου απεικόνιζε όλο και περισσότερο διασημότητες σε φωτογραφίες Polaroid. Γνωστές από αυτή την περίοδο είναι οι ταινίες του με πρεζόνια στα όρια της πορνογραφίας (Flesh, Trash, Blue Movie), τις οποίες όμως άφηνε όλο και περισσότερο στον Paul Morrissey να σκηνοθετήσει.

Ταινίες στρατοπέδων όπως το γουέστερν persiflage Lonesome Cowboys ή οι ταινίες τρόμου Flesh for Frankenstein

Σε αντίθεση με πολλές δημοφιλείς απόψεις, το παγκοσμίου φήμης λογότυπο με τη γλώσσα, το σήμα κατατεθέν των Rolling Stones, δεν σχεδιάστηκε από τον Andy Warhol, αλλά από τον σχεδιαστή John Pasche. Ο Warhol σχεδίασε το εξώφυλλο του LP Sticky Fingers με πλάνα από το κάτω μέρος του σώματος του Joe Dallesandro. Το λογότυπο της γλώσσας δημοσιεύτηκε για πρώτη φορά σε ένα ένθετο για αυτόν τον δίσκο.

Οι ταινίες

Ο Andy Warhol επικεντρώθηκε στο δεύτερο πάθος του, τον κινηματογράφο, από τις αρχές της δεκαετίας του 1960. Από τότε που μετακόμισε στο δεύτερο στούντιό του, το Factory, στα τέλη του 1963, αυτό το τεράστιο στούντιο στο κέντρο του Μανχάταν έγινε πόλος έλξης για την μποέμικη σκηνή της Νέας Υόρκης. Χορευτές, τραβεστί, επίδοξοι ηθοποιοί, ζωγράφοι, μουσικοί, τα πάντα συγκεντρώθηκαν σταδιακά εδώ, ο Γουόρχολ επέτρεψε σε όλους και σε όλα να ζήσουν τα πάθη τους. Και τα κατέγραψε όλα αυτά με μια κινηματογραφική μηχανή (αργότερα και με Polaroids). Χρησιμοποιώντας μια κινηματογραφική μηχανή Bolex, άρχισε να φωτογραφίζει συστηματικά επισκέπτες, φίλους καλλιτέχνες και άλλες διασημότητες (π.χ. Mick Jagger, Bob Dylan, Marcel Duchamp και Salvador Dalí). Ο καθένας ήταν ευπρόσδεκτος ως θέμα για τα Screen Tests ("δοκιμαστικά πλάνα"). Εκατοντάδες ταινίες, μερικές μόνο από τις οποίες έχουν δημοσιευτεί μέχρι σήμερα, γυρίστηκαν με την ίδια αρχή: το υποκείμενο καθόταν σε μια καρέκλα και φωτιζόταν από μια φωτεινή λάμπα, ενώ ο Warhol άναβε την κάμερα και απομακρυνόταν, αφήνοντας τον "ηθοποιό" μόνο του με το φακό μπροστά στο πρόσωπό του για τρία λεπτά, όσο χρόνο χρειαζόταν το ρολό του φιλμ για να ολοκληρώσει ένα πέρασμα. Τα αποτελέσματα των ρυθμίσεων κυμαίνονταν σε όλες τις διαθέσεις και τις συναισθηματικές καταστάσεις. Μια εξελιγμένη τεχνική φωτισμού με σκληρές σκιές κατέστησε αυτές τις λήψεις σημαντικά διαλογιστικά ντοκουμέντα του τέλους του μοντερνισμού.

Μαζί με την ομάδα του εργοστασίου, ιδίως τον βοηθό του Gerard Malanga και τον φωτογράφο Billy Name, ο Warhol δημιούργησε επίσης μεγάλο αριθμό ταινιών μεγάλου μήκους σε μαζική παραγωγή. Εμπνευσμένος από τις προβολές στο Film-Makers' Cinematheque, το φόρουμ για underground ταινίες στη Νέα Υόρκη υπό την αιγίδα του Jonas Mekas, ο Warhol ανέπτυξε τη δική του κινηματογραφική γλώσσα. Χαρακτηριστικό των πρώτων ταινιών είναι η ακίνητη κάμερα, η οποία καταγράφει ανελέητα ένα αντικείμενο ή μια δράση χωρίς κανένα μοντάζ για ώρες. Το "Sleep", η πρώτη ταινία, καταγράφει τον beat ποιητή John Giorno να κοιμάται επί τέσσερις ώρες, το "Eat" τον συνάδελφο ζωγράφο Robert Indiana να μασουλάει με ευχαρίστηση ένα μανιτάρι. Το αποκορύφωμα αυτής της σειράς είναι σίγουρα το "Empire", το οποίο δείχνει το Empire State Building από το σούρουπο μέχρι βαθιά μέσα στη νύχτα - για οκτώ ώρες.

Πολλές ταινίες είχαν περισσότερη δράση. Υπήρχαν πολλοί αυτοπροβολείς στο Factory που περίμεναν να κινηματογραφηθούν και να εκτεθούν στην κάμερα. Ο Mario Montez, ένας Πορτορικανός τραβεστί, έδωσε μια παράσταση ως "Harlot" και "Hedy" (Hedy Lamarr), το "Blow Job" έδειχνε το κεφάλι και τον κορμό ενός νεαρού άνδρα που απολάμβανε ορατά (αλλά όχι εμφανώς) τις απολαύσεις της πεολειχίας. Ο "Καναπές", η πιο γνωστή ταινία αυτής της σειράς, παρουσιάζει ένα πολύχρωμο δαχτυλίδι κυρίως γυμνών ανδρών (και μερικών γυναικών) σε τα πιο διαφορετικά ζευγάρια. Από τη μία πλευρά, η εστίαση στον κόσμο της ομοφυλοφιλίας σε όλες τις ποικιλίες της γίνεται εδώ σαφής, από την άλλη, ο ηδονοβλεψίας του Warhol, ο οποίος ποτέ δεν έζησε ανοιχτά τη δική του ομοφυλοφιλία. Η δεύτερη φάση της κινηματογραφικής δημιουργίας του Γουόρχολ σηματοδοτείται από τη συνεργασία του με τον σεναριογράφο Ρόναλντ Τάβελ, ο οποίος, επηρεασμένος από το θέατρο του παραλόγου, εμπλούτισε τις πλοκές και τους διαλόγους με αρκετή δόση κωμωδίας και camp αισθητικής.

Σε ειρωνική υπερβολή και ως υπόγεια εναλλακτική λύση στους γνωστούς ηθοποιούς του Χόλιγουντ, τους "αστέρες", ο Γουόρχολ ονόμασε τους ηθοποιούς του σούπερ σταρ. Αυτό χρησιμοποιήθηκε κυρίως για να περιγράψει τις γυναίκες στις ταινίες του. Η πρώτη του πραγματική "σούπερ σταρ" ήταν το νεαρό ταλέντο και μοντέλο Edie Sedgwick, ένα πάμπλουτο κορίτσι από καλή οικογένεια που είχε πάρει λάθος δρόμο. Εμφανιζόταν δημοσίως μαζί της, μερικές φορές με την ίδια αμφίεση (ασημένια βαμμένα μαλλιά), ιδίως σε πάρτι, από τα οποία έκανε μέχρι και έξι τη νύχτα με ολόκληρο τον θίασό του. Ο δεσμός της Sedgwick διήρκεσε μόνο ένα χρόνο, επειδή λόγω της χρήσης ναρκωτικών, τα προβλήματά τους πήραν διαστάσεις και εκείνη έχασε τον έλεγχο του εαυτού της. Έγινε μέλος του Bob Dylan. Η πιο διάσημη, και ίσως η καλύτερη, ταινία του Γουόρχολ από αυτή την περίοδο είναι το The Chelsea Girls του 1966, το οποίο - εν μέρει μαύρο

Προς το τέλος της δεκαετίας του 1960, όλα αυτά έλαβαν ένα απότομο τέλος: η διανοητικά διαταραγμένη ακτιβίστρια για τα δικαιώματα των γυναικών Valerie Solanas (είχε παίξει έναν μικροσκοπικό δευτερεύοντα ρόλο σε μια από τις ταινίες του Warhol) έκανε απόπειρα δολοφονίας εναντίον του Warhol, ο οποίος γύριζε εκείνη την εποχή την ταινία του "Blue Movie" (η σούπερ σταρ "Viva" κάνει σεξ με τον Louis Waldon επί ώρες). Ο ζωγράφος αναγκάστηκε να πάει στο νοσοκομείο και τα επόμενα χρόνια άφησε τη σκηνοθεσία στον συνεργάτη του Paul Morrissey. Ο τελευταίος γύρισε εντελώς διαφορετικές, εμπορικά προσανατολισμένες ταινίες μεγάλου μήκους για τις οποίες ο Warhol έδωσε μόνο το όνομα. Σε αντίθεση με τις πρώτες πειραματικές ταινίες, αυτές προβλήθηκαν στις ΗΠΑ και σε όλη την Ευρώπη. Ο Γουόρχολ είναι διάσημος γι' αυτά σήμερα.

Σύμφωνα με τις τελευταίες εκτιμήσεις του Whitney Museum of American Art, το οποίο στεγάζει την κινηματογραφική κληρονομιά, ο Γουόρχολ έκανε περισσότερα από 400 δοκιμαστικά, σχεδόν 280 ταινίες και πάνω από 4.000 βίντεο κατά τη διάρκεια της ζωής του.

Περισσότερα έργα τέχνης

Ο Warhol εξερεύνησε επίσης νέα εδάφη πέρα από τη ζωγραφική και τον κινηματογράφο. Αναγνώρισε πολύ νωρίς τις τάσεις της σύγχρονης τέχνης και τις διαμόρφωσε με τον δικό του τρόπο. Χρηματοδότησε το ροκ συγκρότημα The Velvet Underground αφήνοντάς τους να κάνουν πρόβες στο Factory (ο Lou Reed, ο John Cale, ο Sterling Morrison και η Maureen Tucker είχαν διωχθεί από όλα τα προηγούμενα δοκιμαστήρια, τις παμπ και τα διαμερίσματα επειδή ήταν βάναυσα θορυβώδεις), και χρηματοδότησε τον πρώτο τους δίσκο ως "παραγωγός". Για να το κάνει αυτό, έφερε στο στούντιο το γερμανικό μοντέλο Nico.

Οι ζωντανές εμφανίσεις του συγκροτήματος είναι θρυλικές- ο Warhol, ως ιθύνων νους, ήταν ο πρώτος που χρησιμοποίησε πολλά νέα μέσα για το light show, τα οποία είναι κοινά σήμερα: Στροβοσκόπιο και μπάλα καθρέφτη, προβολές διαφανειών και ταινιών, έγχρωμα φίλτρα και υπέρθεση. Το συγκρότημα εμφανιζόταν πάντα με μαύρα ρούχα και γυαλιά ηλίου. Οι παραστάσεις, που ονομάστηκαν Exploding Plastic Inevitable, ήταν εντυπωσιακά πολυμεσικά δρώμενα στα οποία η Malanga, ο Eric Emerson και η Mary Woronov παρουσίασαν το "χορό του μαστιγίου". Όπως και στις ταινίες του, ο Warhol κατέγραψε επίσης τη "σκοτεινή πλευρά" της σύγχρονης ροκ μουσικής με το συγκρότημά του.

Ως φωτογράφος, ο Γουόρχολ εργάστηκε ακούραστα. Τα πάντα και όλοι απεικονίζονταν. Με τις φωτογραφικές μηχανές Polaroid στιγμιαίας λήψης αποτύπωνε ό,τι συνέβαινε γύρω του- υπάρχουν δεκάδες χιλιάδες φωτογραφίες στην περιουσία του που δεν έχουν παρουσιαστεί ποτέ στο κοινό.

Ο Γουόρχολ προσπάθησε επίσης να γράψει βιβλία. Καθώς όχι μόνο φωτογράφιζε, κινηματογραφούσε και ζωγράφιζε πολύ, αλλά έκανε και μαγνητοσκοπήσεις, είχε την ιδέα να ακολουθήσει ένα άτομο από το περιβάλλον του για 24 ώρες (πιθανότατα υπονοώντας τον Οδυσσέα του Τζέιμς Τζόις) με ένα μικρόφωνο και να καταγράφει ό,τι λέει. Βρήκε αυτό το πρόσωπο στο πρόσωπο του "Ondine" (Robert Olivo), ενός διαβόητου φρικιού της ταχύτητας που φλυαρούσε ασταμάτητα όταν έπαιρνε ξανά ναρκωτικά - που ήταν η μόνιμη κατάσταση μαζί του. Οι ηχογραφήσεις, που στην πραγματικότητα δεν έγιναν σε ένα κομμάτι, αλλά επί αρκετούς μήνες, είναι ένα δυσανάγνωστο ντοκουμέντο τρέλας. Ώρες μονολόγων, που εναλλάσσονται με επιθετικές συζητήσεις, στις οποίες συνέβαλαν επίσης η Edie Sedgwick, ο Lou Reed και άλλοι, έχουν δακτυλογραφηθεί εντελώς ερασιτεχνικά από επισκέπτες που έτυχε να είναι παρόντες στο Εργοστάσιο. Το βιβλίο βρίθει από λάθη, αλλά αυτό ακριβώς ήθελε ο Warhol. Όταν ο συντάκτης του εκδότη διαμαρτυρήθηκε, ο Γουόρχολ κήρυξε το βιβλίο έργο τέχνης και μαζί του όλα τα λάθη, τις ασυνέπειες, τα κενά και τα μπερδεμένα αποσπάσματα. Ο τίτλος του βιβλίου τα λέει όλα: Α: Ένα μυθιστόρημα, όπου το "Α" σημαίνει αμφεταμίνη, τις επιδράσεις της οποίας καταγράφει.

Είναι ελάχιστα γνωστό ότι "έγραψε" ένα θεατρικό έργο. Το 1971 ανέβηκε στη Νέα Υόρκη και το Λονδίνο το έργο Pork (σε σκηνοθεσία Anthony J. Ingrassia), βασισμένο σε μαγνητοφωνημένες τηλεφωνικές συνομιλίες μεταξύ του Warhol και της Brigid Berlin. Το έργο, το οποίο, σύμφωνα με πληροφορίες, είχε αρχικά 29 πράξεις και 200 ώρες διάρκειας, προκάλεσε παντού σύγχυση και θυμό, επειδή φαινόταν να είναι μια αναμέτρηση κάτω από τη ζώνη με τους ίδιους τους σούπερ σταρ του Γουόρχολ. Ο τίτλος Pork, "pig", είναι παραφθορά του ψευδώνυμου Brigid Polk, το Billy Name έγινε Billy Noname, το "Viva" έγινε Vulva, οι πράξεις των κυρίως γυμνών ερμηνευτών ήταν άσεμνες. Παρ' όλα αυτά, έπαιξε στο Roundhouse του Λονδίνου για πάνω από ένα χρόνο.

Η δολοφονία και η περίοδος μετά τη δολοφονία

Μετά την απόπειρα δολοφονίας από τη ριζοσπάστρια ακτιβίστρια για τα δικαιώματα των γυναικών Valerie Solanas στις 3 Ιουνίου 1968, κατά την οποία ο Warhol τραυματίστηκε σοβαρά από πολλούς πυροβολισμούς και χρειάστηκε να περάσει μεγάλο χρονικό διάστημα στο νοσοκομείο, τόσο οι ανοιχτές σχέσεις του με τους υπαλλήλους και τους επισκέπτες του εργοστασίου όσο και το έργο του καλλιτέχνη άλλαξαν: επικεντρώθηκε και πάλι περισσότερο στους πίνακες και τις μεταξοτυπίες του και αργότερα έβγαλε στο εμπόριο ακόμη και τα έργα που πυροβολήθηκαν κατά τη δολοφονία της Solanas ("Elvis Lives"). Η ιστορία της δολοφονίας του Solanas γυρίστηκε σε ταινία το 1996 με τίτλο I Shot Andy Warhol.

Το νέο στούντιο του Γουόρχολ στην Union Square παρακολουθούνταν από κάμερες από τη στιγμή της δολοφονίας. Αφήνει όλο και περισσότερο τα επιχειρηματικά ζητήματα στους υπαλλήλους του- σύντομα τοποθέτησε τον νεαρό ανερχόμενο Frederick Hughes στο διοικητικό προσωπικό των μηχανών τέχνης του, ενώ ο Morrissey συνέχισε να φροντίζει την παραγωγή ταινιών. Ο Γουόρχολ φωτογράφισε τα τραύματά του από πυροβολισμό από τον Αμερικανό φωτογράφο-σταρ Ρίτσαρντ Άβεντον. Το Factory μετατράπηκε τελικά από το "μέρος της σκηνής" σε έναν κανονικό όροφο γραφείων. Το προσωπικό των πρώτων ωρών, ο Gerard Malanga και ο Billy Name εξαφανίστηκαν από το εργοστάσιο μετά από διαφωνίες. Ο Χιουζ προερχόταν από καλή οικογένεια και είχε άριστες διασυνδέσεις με Τεξανούς βιομηχάνους πετρελαίου και συλλέκτες έργων τέχνης, όπως ο Ντομινίκ ντε Μενίλ. Τα επόμενα χρόνια, παρείχαν επανειλημμένα στον Γουόρχολ παραγγελίες για πορτρέτα και ανέβαζαν τις τιμές των πινάκων του.

Μετά την καταστροφή του δικού του "καταφυγίου πάρτι" από την απόπειρα δολοφονίας, ο ίδιος ο Warhol ρίχτηκε όλο και περισσότερο στην εμπορική σκηνή των πάρτι στις αρχές της δεκαετίας του 1970 και σύντομα ήταν ένας από τους θαμώνες του Studio 54, μιας από τις πιο πολυσύχναστες ντίσκο της Νέας Υόρκης εκείνη την εποχή. Εκεί, η υψηλή κοινωνία συναντιόταν στο υπόγειο δωμάτιο και σνιφάριζε κοκαΐνη, η οποία ήταν ακόμα εξαιρετικά ακριβή εκείνη την εποχή. Οι κριτικοί τέχνης είχαν επανειλημμένα κατηγορήσει τον Γουόρχολ ότι είχε "ξεπουληθεί" κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου. Η (μη πολιτική) επαφή με αρκετά αμφίβολες προσωπικότητες από το περιβάλλον του Σάχη της Περσίας ή του δικτάτορα των Φιλιππίνων Μάρκος δεν ήταν πολύ ευνοϊκή για μια καλή εικόνα. Το 1972 πέθανε η αγαπημένη του μητέρα Julia, μια ακόμη ευκαιρία για τον καλλιτέχνη να ασχοληθεί με το θέμα του θανάτου σε μια σειρά μεταξοτυπίας (οι σειρές vanitas "Skulls", "Shadows" κ.λπ.). Ιδιωτικά, ο καλλιτέχνης αποσύρθηκε όλο και περισσότερο στο σπίτι του στη Νέα Υόρκη, όπου έζησε με τον σύντροφό του Jed Johnson για πάνω από δέκα χρόνια.

Καθώς προχωρούσε η δεκαετία του 1970, ο Γουόρχολ άρχισε να μετατρέπει την τέχνη σε εμπόριο (με τη δική του έννοια): Ζωγράφιζε πορτραίτα οποιουδήποτε του πλήρωνε την κατάλληλη αμοιβή, σαν σε γραμμή παραγωγής. Ζωγράφισε οχήματα αυτοκινητοβιομηχανιών όπως η BMW ή η Mercedes-Benz και ήταν πάντα ευπρόσδεκτος καλεσμένος σε παραγωγές βίντεο και τηλεόρασης. Φωτογράφιζε τους (ως επί το πλείστον επιφανείς και πλούσιους) πελάτες του στις συνεδρίες του (sessions) με τη φωτογραφική μηχανή Polaroid, την οποία στη συνέχεια έδινε για να εκθέσει τα εκτυπωτικά στένσιλ για τις μεταξοτυπίες του. Ολοένα και περισσότερο, επικεντρώθηκε επίσης στο colportage, έκανε ατελείωτες μαγνητοφωνήσεις και φωτογράφιζε αστέρια και σταρλετίτσες της νεοϋορκέζικης σκηνής χωρίς αναστολές και αδιακρίτως για το περιοδικό Interview, το οποίο ίδρυσε τον Νοέμβριο του 1969. Αυτός και το προσωπικό του ήταν ευτυχείς να εκθέτουν ανελέητα τους συχνά μεθυσμένους ή υπό την επήρεια ναρκωτικών συνεντευξιαζόμενους με τα άρθρα και τις φωτογραφίες του περιοδικού τους.

Όλα αυτά είναι σημαντικά για την ανάπτυξη της μεταμοντέρνας αισθητικής, και εδώ, επίσης, ο Warhol πρέπει να θεωρηθεί πρωτοπόρος: Η φαινομενική έλλειψη επιλογών αντανακλά την πληθωρική, ολοένα και πιο διαφοροποιημένη και ολοένα και πιο ανεξέλεγκτη ροή της επικοινωνίας στην κοινωνία της πληροφορίας. Ο Γουόρχολ δοκίμαζε πάντα το πιο πρόσφατο, επειδή του προσφερόταν. Η σημασία του ως καλλιτέχνη έγκειται κυρίως στο γεγονός ότι αναγνώρισε γρήγορα τις δυνατότητες των νέων αισθητικών τρόπων έκφρασης- για παράδειγμα, υπήρξε πρωτοπόρος της βιντεοταινίας (και εδώ υπάρχουν εκατοντάδες ώρες εντελώς άγνωστου μέχρι τότε υλικού) και αισθητικοποίησε τον νεοαποκτηθέντα κοινωνικό του ρόλο ως εστία κουτσομπολιού ιδρύοντας το περιοδικό Interview, το πρώτο lifestyle περιοδικό. Ως προσωπογράφος, δημιούργησε μια συνεκτική σειρά που είναι ιστορικά της τέχνης στην παράδοση ενός Βελάσκεθ και της αυλικής ζωγραφικής. Το ότι είχε πλήρη επίγνωση όλων αυτών τεκμηριώνεται από τις "Κάψουλες του Χρόνου", οι οποίες έγιναν γνωστές μόλις τα τελευταία χρόνια και τις οποίες άρχισε να δημιουργεί στις αρχές της δεκαετίας του 1970. Μέχρι το θάνατό του, ο Γουόρχολ γέμισε συνολικά περίπου 600 κιβώτια μετακόμισης με ό,τι ήταν σημαντικό ή λιγότερο σημαντικό γι' αυτόν. Αυτό είχε ως αποτέλεσμα να δημιουργηθούν φανταστικά χρονικά ντοκουμέντα των οποίων η ιδιαίτερη γοητεία αποκαλύπτεται τώρα και θα αποκαλυφθεί στις επόμενες δεκαετίες.

Τον Μάιο του 1979, ο Warhol, ο οποίος παρουσίαζε τους νέους πίνακές του στην γκαλερί Hans Mayer στο Ντίσελντορφ, συνάντησε για πρώτη φορά τον Γερμανό γλύπτη Joseph Beuys. Οι δύο καλλιτέχνες συναντήθηκαν ξανά το 1980. Η αφορμή ήταν η έκθεση Joseph Beuys by Andy Warhol, η οποία πραγματοποιήθηκε την 1η Απριλίου 1980 στην γκαλερί Lucio Amelio στη Νάπολη και περιελάμβανε εννέα πορτραίτα σε μεταξοτυπία με τίτλο Joseph Beuys, τα οποία ο Warhol είχε δημιουργήσει για τον Beuys μετά από μια συνάντηση στη Νέα Υόρκη με βάση φωτογραφίες Polaroid.

Στη δεκαετία του 1980, ο Warhol συνεργάστηκε με φίλους καλλιτέχνες όπως ο Keith Haring, ο Jean-Michel Basquiat και ο Francesco Clemente. Κατά τη διάρκεια αυτής της φάσης, δημιουργήθηκαν διάφορα κοινά έργα ζωγραφικής. Κάθε καλλιτέχνης δούλεψε με τη δική του τεχνική και τις συνδύασε σε έναν καμβά. Στις 12 Ιανουαρίου 1985, ο Warhol, μαζί με τον Joseph Beuys και τον Ιάπωνα καλλιτέχνη Kaii Higashiyama, συμμετείχαν στο πρόγραμμα "Global Art Fusion". Πρόκειται για ένα διηπειρωτικό πρόγραμμα FAX-ART που ξεκίνησε από τον εννοιολογικό καλλιτέχνη Ueli Fuchser, στο οποίο ένα φαξ με σχέδια και των τριών συμμετεχόντων καλλιτεχνών στάλθηκε σε όλο τον κόσμο μέσα σε 32 λεπτά και παραλήφθηκε στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, στο Palais-Liechtenstein της Βιέννης. Αυτό το φαξ προοριζόταν ως ένδειξη ειρήνης κατά τη διάρκεια του Ψυχρού Πολέμου.

Η τελευταία θεματική ομάδα έργων μεγάλου μεγέθους δημιουργήθηκε κατόπιν αιτήματος του γκαλερίστα και φίλου του Αλέξανδρου Ιόλα, ως απάντηση στην τοιχογραφία L'Ultima Cena (Ο Μυστικός Δείπνος), που ζωγράφισε με την τεχνική secco ο Λεονάρντο ντα Βίντσι στον βόρειο τοίχο της τραπεζαρίας της εκκλησίας Santa Maria delle Grazie στο Μιλάνο μεταξύ 1494 και 1497. Η έκθεση του Warhol πραγματοποιήθηκε απέναντι από την εκκλησία στο Palazzo delle Stelline του Μιλάνου το 1987. Ο τεράστιος κύκλος ζωγραφικής περιλαμβάνει πάνω από 100 παραδοσιακά ζωγραφισμένες με πινέλο και μεταξοτυπία εικόνες, μερικές από τις οποίες έχουν μέγεθος άνω των 4 × 10 μέτρων. Η σκανταλιά ήταν στο σβέρκο του Warhol μέχρι το τέλος: οι Μυστικοί Δείπνοι δεν είναι μια ενασχόληση με το πρωτότυπο, αλλά μια περαιτέρω επεξεργασία ενός κιτς γύψινου γλυπτού που βρήκε σε ένα παλιατζίδικο στη Μικρή Ιταλία. Η τελευταία έκθεση κατά τη διάρκεια της ζωής του ήταν για τον γκαλερίστα που είχε δώσει στον Γουόρχολ την πρώτη του ατομική έκθεση στη Νέα Υόρκη το 1952.

Θάνατος

Το πρωί της 22ας Φεβρουαρίου 1987, ο Γουόρχολ πέθανε απροσδόκητα και υπό αδιευκρίνιστες ακόμη συνθήκες από επιπλοκές μιας επέμβασης στη χοληδόχο κύστη στο νοσοκομείο της Νέας Υόρκης στο Μανχάταν. Ενταφιάστηκε με την οικογένειά του στη γενέτειρά του, το Πίτσμπουργκ. Η μνήμη του καλλιτέχνη τιμήθηκε με μια λειτουργία στον Καθεδρικό Ναό του Αγίου Πατρικίου, στην οποία συμμετείχαν πάνω από 2.000 πενθούντες, μεταξύ των οποίων οι Raquel Welch, Bianca Jagger, Grace Jones, Deborah Harry και Claus von Bülow.

Estate

Στη διαθήκη του, ο Fred Hughes ορίστηκε εκτελεστής της περιουσίας του. Ως κύριος κληρονόμος της περιουσίας του - το New York Magazine την υπολόγιζε τότε σε πάνω από 100 εκατομμύρια δολάρια ΗΠΑ - ο καλλιτέχνης είχε ορίσει, εκτός από τα μέλη της οικογένειάς του, την ίδρυση του Ιδρύματος Andy Warhol για τις Εικαστικές Τέχνες. Εκτός από τη δημοπρασία των λατρευτικών αντικειμένων, μόνο τα έργα από την ιδιωτική συλλογή του Warhol των συναδέλφων του καλλιτεχνών, όπως ο Cy Twombly ή ο Rauschenberg, απέφεραν αρκετά εκατομμύρια δολάρια.

Αναφορά

Το 1999, ένας αστεροειδής πήρε το όνομα του Andy Warhol: (6701) Warhol. Ο κρατήρας Warhol στον Ερμή στο νότιο ημισφαίριο του πλανήτη Ερμή φέρει επίσης το όνομά του από το 2012.

Ο Άντι Γουόρχολ ήταν μια εσωστρεφής, ντροπαλή και σκοτεινή προσωπικότητα. Δεν έζησε δημόσια την ομοφυλοφιλία του, αν και δεν την αρνήθηκε όταν τον ρώτησαν. Αναδεικνύοντας την (ανδρική) ομοφυλοφιλία σε ένα από τα κεντρικά σταθερά σημεία του έργου του καθ' όλη τη διάρκεια της ζωής του, προώθησε την εξέταση του θέματος.

Τη δεκαετία του 1960 εμφανιζόταν συνήθως με λευκή ξανθιά, εν μέρει ασημί περούκα και σκούρα γυαλιά ηλίου. Ο Γουόρχολ αποκάλυψε ελάχιστα για τον εαυτό του, ήταν λιγομίλητος και στυλιζαρίστηκε ως σφίγγα και είδωλο της καλλιτεχνικής σκηνής της Νέας Υόρκης. Ο συγγραφέας Truman Capote τον αποκάλεσε "σφίγγα χωρίς μυστικό". Σε συνεντεύξεις και συζητήσεις, απέφευγε επιδέξια τις προσδοκίες για τον εαυτό του και εξασκούνταν σταθερά στο χτίσιμο του μύθου του "Andy Warhol". Κάποτε έστειλε ακόμη και έναν σωσία (Allen Midgette) σε δημόσιες διαλέξεις σε πανεπιστήμια και σε ραντεβού με τον Τύπο. Είχε πολύ στενή σχέση με τη μητέρα του, η οποία ζούσε μαζί του στη Νέα Υόρκη. Ήταν θρησκευόμενος, αλλά και αυτός με τον δικό του μοναδικό τρόπο. Μετά το θάνατό του, έγινε γνωστό ότι είχε πιο εντατική επαφή με την ενοριακή εκκλησία του Αγίου Βικέντιου Φερέρ στο Upper Eastside και ότι τα επόμενα χρόνια συμμετείχε στη σίτιση των φτωχών τα Χριστούγεννα.

Μετά την απόπειρα δολοφονίας του 1968, ο Γουόρχολ ήταν ένας διαφορετικός άνθρωπος: από τότε ήταν επιρρεπής σε μια εμμονική μανία αγορών και συλλογών, η οποία αντανακλούσε τόσο στο έργο του όσο και στην ιδιωτική του ζωή. Παρόλο που ο καλλιτέχνης υπέφερε από τον δια βίου φόβο του να ξαναφτωχύνει, δεν υπήρχε σχεδόν καμία υπαίθρια αγορά στη Νέα Υόρκη που να τον λυπήθηκε και στην οποία να μην "έπρεπε" να αγοράσει τουλάχιστον ένα αντικείμενο, όπως περιέγραψε κάποτε στις σημειώσεις του. Ήταν ένας από τους πρώτους που ανακάλυψε εκ νέου τις ιδιότητες της Art Deco και αγόρασε ρολόγια, καρφίτσες και έπιπλα από εκείνη την περίοδο. Το ευρύχωρο ιδιωτικό σπίτι του Warhol ήταν μια ενιαία συλλογή ιστορικών έργων τέχνης και έργων σύγχρονων συναδέλφων του καλλιτεχνών, όπως ο Lichtenstein, ο Rauschenberg και ο Twombly, καθώς και πολύτιμων επίπλων, τεράστιων ποσοτήτων κιτς αντικειμένων (π.χ. ειδώλια του Mickey Mouse), εκλεκτής και φθηνότερης πορσελάνης, απολεσθέντων αντικειμένων, μηχανών τσίχλας και πολλών άλλων. Σύμφωνα με δημοσιεύματα του Τύπου, η δημοπρασία της περιουσίας του απέφερε περίπου 900 εκατομμύρια δολάρια ΗΠΑ.

Στις ημερολογιακές του καταχωρήσεις, που δημοσιεύτηκαν μετά θάνατον το 1989 από τη γραμματέα του και στενή του έμπιστη Pat Hackett, μαθαίνει κανείς περισσότερα για τον Άντι Γουόρχολ και την πραγματική του προσωπικότητα. Ερμηνεύοντας το βιβλίο, ο Γουόρχολ πρέπει να υπέφερε όλο και περισσότερο στα τέλη της δεκαετίας του 1980 από τους φόβους για ασθένειες όπως το AIDS, το οποίο ο ίδιος αποκαλούσε "καρκίνο των γκέι", τις συνέπειες της δολοφονίας και τη σταδιακή μοναξιά που προκαλούσαν οι αποτυχημένες σχέσεις του. Ο Γουόρχολ έγινε επίσης προληπτικός, μπήκε στην υποχονδρία του και έπεσε σε κάποιους κομπογιαννίτες, θεραπευτές πίστης και "πέτρινους θεραπευτές". Αυτό που ξεχώριζε στον Warhol, ωστόσο, ήταν η εξίσου λακωνική και κυνική προσέγγισή του στον θάνατο καθ' όλη τη διάρκεια της ζωής του: όταν πέθαιναν η πρώτη του "μούσα" Edie Sedgwick και άλλοι εργαζόμενοι του εργοστασίου του, δεν έδειξε σχεδόν καθόλου συγκίνηση. Ο ίδιος παραπονιόταν για τα αυξανόμενα σωματικά του ενοχλήματα μέχρι το τέλος, αλλά ποτέ δημοσίως. Αυτό ερχόταν σε αντίθεση με την εικόνα που ήθελε να αφήσει στον έξω κόσμο: "Πάντα ήθελα να είμαι μια μηχανή".

Τεχνικές

Τα εικαστικά έργα του Warhol ζουν από έναν πειραματικό και φωσφορίζοντα χρωματισμό (κυρίως με ακρυλικά χρώματα), στον οποίο βασίστηκε συνειδητά στη γενεσιουργό αλλοτρίωση και επίσης αποδέχθηκε στωικά τα λάθη στην αντιγραφή προτύπων ή άφησε την παραγωγή των μεταξοτυπιών στους συνεργάτες του. Ωστόσο, πολλά έργα πιθανότατα δεν προέρχονταν καν από το χέρι του. Όταν επισκεπτόταν γκαλερί ή μουσεία, λέγεται ότι διασκέδαζε με τις πλαστογραφίες των δικών του έργων. Το έργο του χαρακτηρίζεται από πρωτοτυπία, λεπτό χιούμορ, αλλά και κυνισμό- είτε πρόκειται για τους πίνακές του Do-It-Yourself για αυτοχρωματισμό, τα σχέδια καμουφλάζ, τις αναστροφές ή τη σειρά πινάκων Electric Chair, για τους οποίους λέγεται ότι είπε: "Θα τους φτιάξω σε οποιοδήποτε χρώμα, αρκεί να ταιριάζουν με τις κουρτίνες".

Το έργο του Warhol χαρακτηριζόταν πάντα από τη σειριακή αναπαραγωγή, ή αναπαραγωγιμότητα, των εικαστικών αντικειμένων, των καθημερινών, των τετριμμένων και των κοινότυπων. Πάντα γοητευμένος από την ιδέα της "αντιγραφής" και της σταθερής αλληλουχίας (εν μέρει λόγω του πάθους του για τον κινηματογράφο), ο Warhol προσπάθησε αρχικά να αντιγράψει εικόνες από κινηματογραφικά περιοδικά με το χέρι. Στη συνέχεια, εξοικειώθηκε με τη μέθοδο της έμμεσης μεταξοτυπίας (transfer printing) και άρχισε να φιλτράρει και να μεταφέρει καθημερινά, σύγχρονα και οικεία μοτίβα από μέσα μαζικής ενημέρωσης (εφημερίδες, περιοδικά). Για το λόγο αυτό, ο Γουόρχολ κατηγορήθηκε συχνά για λογοκλοπή. Προτιμούσε να χρησιμοποιεί φανταχτερά ακρυλικά χρώματα και έντονες χρωματικές αντιθέσεις για τις φωτογραφίες του (π.χ. Marilyn, Elvis, Liz). Από τη δεκαετία του 1970 και μετά, ο Γουόρχολ αναζητούσε όλο και περισσότερο νέες τεχνικές και μορφές έκφρασης (π.χ. τα Piss Paintings, πίνακες "ζωγραφισμένοι" με ούρα μέσω οξείδωσης σε χάλκινο χρώμα). Στα μεταγενέστερα έργα του, χρησιμοποίησε επίσης διαμαντόσκονη στα έργα του (π.χ. στη σειρά πορτρέτων του Joseph Beuys).

Μοτίβα

Κυριαρχούν τα πορτρέτα διάσημων προσωπικοτήτων (Marilyn Monroe, Elvis Presley, Liz Taylor, Mao και πολλοί άλλοι). Ωστόσο, τον ενδιέφερε επίσης η αισθητική του εμπορεύματος και της καταναλωτικής κοινωνίας, με αποτέλεσμα η κατανάλωση να αντιμετωπίζεται θετικά από τον ίδιο. Είναι αμφισβητήσιμο αν αυτό αποτελούσε μια παραλλαγή της υπερβολικής ταύτισης, όπως και πολλές από τις δηλώσεις του. Λάτρευε την τεχνητότητα και το εξεζητημένο κολποτάζ, και (ως εκπαιδευμένος γραφίστας) κατάφερε έξυπνα να παρουσιάσει τον εαυτό του ως εικόνα

Μουσεία για τον Warhol

Το 1991, το Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης Άντι Γουόρχολ στο Μεντζιλαμπόρτσε της Σλοβακίας ιδρύθηκε από τον αδελφό του Γουόρχολ, Τζον Γουόρχολ (1925-2010), τον υπουργό Πολιτισμού της Σλοβακίας και το Ίδρυμα Γουόρχολ της Νέας Υόρκης. Περιέχει πολλά πρωτότυπα και προσωπικά αντικείμενα που δωρίστηκαν από το Ίδρυμα Warhol και τους συγγενείς του. Το ντοκιμαντέρ Absolut Warhola του Πολωνού σκηνοθέτη Stanisław Mucha του 2001 είναι αφιερωμένο σε αυτό το μουσείο και στην περιοχή γύρω από το Medzilaborce.

Ένα άλλο μουσείο, το The Andy Warhol Museum, άνοιξε τους εκθεσιακούς του χώρους το 1994, σε επτά ορόφους, στο Πίτσμπουργκ, την πόλη όπου γεννήθηκε. Η συλλογή περιλαμβάνει 900 πίνακες ζωγραφικής, περίπου 100 γλυπτά, σχεδόν 2000 έργα σε χαρτί, περισσότερες από 1000 εκτυπώσεις, 4000 φωτογραφίες, καθώς και μια εκτεταμένη συλλογή ταινιών και βίντεο και πλούσιο αρχειακό υλικό.

Για τα 85α γενέθλια του Γουόρχολ το 2013, το Μουσείο Άντι Γουόρχολ μετέδωσε ζωντανή ροή βίντεο από τον τάφο του καλλιτέχνη. Το έργο ονομάζεται "Figment", βασισμένο σε μια δήλωση του Warhol ότι δεν ήθελε να έχει επιτάφιο, αλλά απλώς να είναι "Figment". Η κάμερα θα είναι συνεχώς στον αέρα, σύμφωνα με τον διευθυντή του μουσείου Eric Shiner "... ένας φανταστικός τρόπος για να κρατήσουμε τον Andy στον αέρα και να συνδεθούμε με το παγκόσμιο κοινό μας 24 ώρες την ημέρα, επτά ημέρες την εβδομάδα".

Αντίληψη

Η συμβολή του Warhol στην καθιέρωση της Pop Art στις εικαστικές, παραστατικές και κινηματογραφικές τέχνες τη δεκαετία του 1960 είναι σημαντική.

Σύμφωνα με την κρίση του Γερμανού κριτικού τέχνης Klaus Honnef, τίποτα από όσα είχε δημιουργήσει ο Warhol δεν ήταν άγνωστο- δεν είχε εφεύρει τίποτα εκτός από το αστέρι Andy Warhol.

Ο Philip Ursprung σημείωσε: "Το έργο του Warhol ερμηνεύεται ως ένα μηχανικό persiflage της καταναλωτικής κοινωνίας, εν μέρει εμποτισμένο με εκστατικές και ομοερωτικές αναφορές, όπως οι πρώιμες εκτυπώσεις και οι μετέπειτα ταινίες. Από την άλλη πλευρά, ο αυτοπροσδιορισμός του ως "επιχειρηματία καλλιτέχνη" γίνεται δεκτός αρκετά κριτικά. Αντιπαρέβαλε την εικόνα του αυτόνομου καλλιτέχνη που καθορίζει μόνος του τις παραγγελίες του με εκείνη του καλλιτέχνη που είναι "μόνιμα στην υπηρεσία σας". Έτσι απεικόνιζε όποιον ήταν πρόθυμος να πληρώσει 25.000 δολάρια.

Σύμφωνα με τον Dieter Buchhart, παραμένει αμφιλεγόμενο μέχρι σήμερα αν το έργο του Warhol απεικονίζει τον καπιταλιστικό καταναλωτικό κόσμο με καταφατικό ή ειρωνικό-διαβητικό τρόπο. "Ενώ οι καθιερωμένοι, μοντερνιστές κριτικοί (Clement Greenberg, Harold Rosenberg, Herbert Read) κατήγγειλαν την Pop Art ως μέρος της πολιτιστικής βιομηχανίας, οι νέοι, μεταμοντέρνοι κριτικοί τέχνης πανηγύριζαν στα έργα του Warhol την επιβεβαίωση της αμερικανικής καταναλωτικής κουλτούρας και την κατάργηση της οριοθέτησης μεταξύ αυτόνομης και τετριμμένης τέχνης. Μια τρίτη θέση κατείχε το αντιπολιτισμικό κίνημα των μπίτνικς και το φοιτητικό κίνημα- ήθελαν να δουν σε αυτό μια κριτική της αμερικανικής κοινωνίας της ευμάρειας και μια ειρωνική αντιμετώπιση των αστέρων του θεάματος".

Επιρροή

Ένα από τα μότο του Warhol ήταν: "Η καλή δουλειά είναι η καλύτερη τέχνη". Ο καλλιτέχνης ως καπιταλιστής επιχειρηματίας από μόνος του ενέπνευσε καλλιτέχνες όπως ο Jeff Koons, ο Takashi Murakami, ο Damien Hirst, ο Richard Prince και ο Keith Haring, για παράδειγμα, οι οποίοι υιοθέτησαν τις στρατηγικές του Warhol και τις ανέπτυξαν περαιτέρω.

Καλλιτεχνικά αφιερώματα

Ο Lou Reed και ο John Cale, πρώην μέλη των Velvet Underground, αφιέρωσαν στον Warhol το 1990 το άλμπουμ Songs for Drella. Τα 15 κομμάτια του άλμπουμ αντικατοπτρίζουν σταθμούς στη ζωή του Warhol, καθώς και πτυχές της προσωπικότητας και του δημιουργικού του έργου.

Ο David Bowie θαύμαζε τον Warhol από τη δεκαετία του 1960 και τον περιέγραψε ως μια από τις μεγαλύτερες πηγές έμπνευσής του. Το 1971, έγραψε το τραγούδι Andy Warhol, το οποίο εμφανίστηκε στο στούντιο άλμπουμ του Hunky Dory την ίδια χρονιά- τον Σεπτέμβριο του ίδιου έτους, επισκέφθηκε τον Warhol στο εργοστάσιό του και του έπαιξε το τραγούδι. Σύμφωνα με τον βιογράφο του Warhol Victor Bockris, ο Warhol δεν ήταν ιδιαίτερα ενθουσιασμένος: "Ο David Bowie είπε ότι το τραγούδι είχε σκοπό να είναι θετικό. Αλλά ο Άντι το βρήκε απαίσιο... Ο Άντι μοιάζει με κραυγή... Φυσικά δεν του άρεσε μια τέτοια ατάκα γιατί είχε μεγάλα κόμπλεξ με την εμφάνισή του". Το 1996, ο ίδιος ο Bowie υποδύθηκε τον Andy Warhol στη βιογραφική ταινία Basquiat του Julian Schnabel.

Ο Rosa von Praunheim συμπεριέλαβε τον Warhol και αρκετές από τις σούπερ σταρ του (π.χ. Holly Woodlawn, Taylor Mead και Jackie Curtis) σε ορισμένες από τις ταινίες του (π.χ. Underground and Emigrants, Tally Brown, New York και My New York).

Τον Μάρτιο του 2011, το The Andy Monument - ένα μεγαλύτερο από τη ζωή άγαλμα του Andy Warhol από χρώμιο, σχεδιασμένο από τον καλλιτέχνη Rob Pruitt - εγκαταστάθηκε στην Union Square μπροστά από τον πρώην χώρο του Warhol's Factory. Το φθινόπωρο του 2012 μεταφέρθηκε στο Μουσείο Σύγχρονων Τεχνών του Χιούστον στο Τέξας, όπου παρέμεινε για έξι μήνες μετά τα αποκαλυπτήριά του στις 20 Οκτωβρίου.

Το έργο του Andy Warhol Silver Car Crash (Double Disaster) έπιασε περισσότερα από 105 εκατομμύρια δολάρια (78 εκατομμύρια ευρώ) σε δημοπρασία στις 13 Νοεμβρίου 2013. Ο αγοραστής παρέμεινε άγνωστος. Ήταν το πιο ακριβό έργο του Warhol. Σύμφωνα με τον οίκο Sotheby's, το προηγούμενο ρεκόρ δημοπρασίας για πίνακα του Warhol, Green Car Crash - Green Burning Car I, ήταν 71,7 εκατομμύρια δολάρια, που δημοπρατήθηκε το 2007. Όπως και ο πίνακας που σπάει το σημερινό ρεκόρ, απεικονίζει ένα αυτοκινητιστικό δυστύχημα, μόνο που είναι πράσινο αντί για ασημί. Ο πίνακας Silver Car Crash (Double Disaster) έχει ύψος 2,67 μέτρα και πλάτος τέσσερα μέτρα. Στην αριστερή πλευρά απεικονίζονται 15 μεταξοτυπίες ενός τροχαίου ατυχήματος, ενώ η δεξιά πλευρά είναι μια κενή, ασημί επιφάνεια. Και τα δύο είναι από τη σειρά Death and Disaster του Warhol από το 1963.

Η πώληση των έργων του Warhol είναι απρόβλεπτη. Λίγα λεπτά μετά την επίτευξη του ρεκόρ, η Liz

Τον Νοέμβριο του 2014, δύο πίνακες ζωγραφικής, Triple Elvis και Four Marlons, από τη συλλογή της γερμανικής εταιρείας καζίνο WestSpiel, δημοπρατήθηκαν στον οίκο Christie's στη Νέα Υόρκη. Μαζί έπιασαν 151,5 εκατομμύρια δολάρια (81,9 εκατομμύρια δολάρια αφορούσαν το πορτρέτο του Elvis).

Μεταξύ των πιο ακριβών έργων του Warhol είναι δύο πίνακες που πωλήθηκαν σε λεγόμενες ιδιωτικές πωλήσεις. Πρόκειται για το Shot Orange Marilyn από το 1964, που πωλήθηκε το 2017 για 240 εκατομμύρια δολάρια, και το Eight Elvis από το 1963, που πωλήθηκε το 2008 για 100 εκατομμύρια δολάρια.

Τον Μάιο του 2022, το πορτρέτο Shot Sage Blue Marilyn δημοπρατήθηκε από τον οίκο δημοπρασιών Christie's στη Νέα Υόρκη. Συμπεριλαμβανομένων των εξόδων της δημοπρασίας, η τιμή αγοράς ανήλθε σε 195,040 εκατομμύρια δολάρια ΗΠΑ. Πρόκειται για την υψηλότερη τιμή που έχει επιτευχθεί ποτέ σε δημοπρασία για πίνακα του 20ού αιώνα.

Ο Άντι Γουόρχολ συμμετείχε στην 4η documenta του Κάσελ το 1968 (με την ταινία Ten Marilyns, που παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στην Ευρώπη) και εκπροσωπήθηκε ως καλλιτέχνης στην Documenta 6 (1977) και στην Documenta 7 το 1982. Μια μεγαλύτερη επιλογή ατομικών και ομαδικών εκθέσεων μπορείτε να βρείτε στον σύνδεσμο "Art Aspects".

50 χρόνια μετά τα κουτάκια σούπας Campbell's (που δημιουργήθηκαν το 1962), στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης άνοιξε στα τέλη του 2012 μια έκθεση με τίτλο "Αναφορικά με τον Warhol: "Πενήντα χρόνια, εξήντα καλλιτέχνες" για να δείξει την επιρροή του Warhol σε συναδέλφους του καλλιτέχνες. Περιελάμβανε 100 έργα 59 καλλιτεχνών, καθώς και περίπου 50 έργα του Warhol, συμπεριλαμβανομένων των περίφημων κουτιών Brillo, των πορτρέτων του Elvis και της Elizabeth Taylor, εκτός από τα κουτιά σούπας. Η έκθεση επικρίθηκε από τον Τύπο για έλλειψη πρωτοτυπίας.

Μια μεγάλη έκθεση του Άντι Γουόρχολ στη Νοτιοανατολική Ασία το 2013 έφτασε επίσης στη Σαγκάη, στη Λαϊκή Δημοκρατία της Κίνας, και χρειάστηκε να υποβληθεί στην κινεζική λογοκρισία. Παρουσιάζει μια επιμελημένη έκθεση έργων, αλλά χωρίς εικόνες του Μάο Τσετούνγκ. Η κινεζική κυβέρνηση αφαίρεσε τη γνωστή σειρά πορτραίτων του πρώην προέδρου του Κινεζικού Κομμουνιστικού Κόμματος. Η σειρά πορτρέτων του Μάο δείχνει τον Μάο, μαζί με τη Μέριλιν Μονρόε και τα κουτιά σούπας Campbell, ως εμπόρευμα, εικόνα ή μάρκα.

Το χειμώνα του 2013

Το 2014, οι Συλλογές Τέχνης του Κέμνιτς αφιερώθηκαν στην

Η ομαδική έκθεση I'm a Believer. Pop Art και Σύγχρονη Τέχνη από το Lenbachhaus και το Ίδρυμα KiCo, η οποία παρουσιάστηκε στην Städtische Galerie im Lenbachhaus από τον Μάρτιο του 2018 έως τις αρχές Μαΐου 2020, παρουσίασε κλασικές θέσεις του Andy Warhol και άλλων διάσημων καλλιτεχνών του δεύτερου μισού του 20ού αιώνα. Ορισμένα από τα έργα του ανήκουν στην γκαλερί του Μονάχου.

Η γερμανική πρεμιέρα της έκθεσης Andy Warhol - Pop Art Identities πραγματοποιήθηκε στις 4 Φεβρουαρίου 2022 στο Zeitenströmung στη Δρέσδη και θα διαρκέσει έως τις 12 Ιουνίου 2022.

Εικόνες (επιλογή)

Σε κάθε περίπτωση, οι ημερομηνίες αναφέρονται σε εκδόσεις που χρονολογήθηκαν για πρώτη φορά.

Σημείωση

Ορισμένα από τα έργα του Andy Warhol είναι δύσκολο να χρονολογηθούν, επειδή ήταν ευρέως ανέκδοτα. Φέρεται ότι "παρήχθησαν" επίσης αδιακρίτως από υπαλλήλους του εργοστασίου του. Αυτός μπορεί να είναι ένας τυπικός "ποπ" ισχυρισμός του ίδιου του Warhol. Ακριβώς όπως ο ίδιος φέρεται να είπε αργότερα ότι τον διασκέδαζαν οι απομιμήσεις των δικών του έργων σε εκθέσεις. Μάλλον, όμως, συνέβαινε το αντίθετο: ο Warhol είχε εμμονή με τον έλεγχο. Τίποτα δεν έφευγε από το στούντιό του που δεν είχε εγκριθεί από τον ίδιο. Είναι γνωστή η υπόθεση ότι το 1968 ο Gerard Malanga πρόσφερε προς πώληση στην Ιταλία "Warhols" που είχε πλαστογραφήσει - άλλωστε, γνώριζε πώς κατασκευάζονταν. Ο Γουόρχολ ενημερώθηκε για αυτό από έναν Ρωμαίο γκαλερίστα, ο Μαλάγκα έμπλεξε αμέσως σε μεγάλα νομικά προβλήματα και αναγκάστηκε να εκδώσει επιστολή παύσης και εγκατάλειψης.

Ταινίες (επιλογή)

Σημείωση για τις ταινίες και τα βίντεο

Ο Γουόρχολ παρήγαγε αμέτρητο αριθμό ταινιών, κυρίως πειραματικού χαρακτήρα (γνωστές και ως underground ταινίες), ορισμένες από τις οποίες δεν είναι πλέον χρονολογικά αναγνωρίσιμες- για παράδειγμα, η ταινία **** (Τέσσερα αστέρια) διήρκεσε περίπου 24 ώρες, προβλήθηκε μόνο μία φορά και στη συνέχεια κόπηκε σε διαφορετικές επιμέρους ταινίες. Ορισμένες ταινίες χρησιμοποιήθηκαν εν μέρει για τα Exploding Plastic Inevitable Happeningshows του Warhol. Από το 1968 (μετά τη δολοφονία του) ο Paul Morrissey ήταν ο σκηνοθέτης των ταινιών, ενώ ο Warhol τους δάνειζε μόνο το όνομά του. Κατά ειρωνεία της τύχης, οι πιο γνωστές ταινίες όπως το Flesh, Trash και Bad δεν έγιναν καθόλου από τον Warhol, αλλά είναι απλώς απομιμήσεις των πρώιμων πειραματικών ταινιών.

Διαφορές μεταξύ της αρχικής και της αγορασμένης έκδοσης

Τα βίντεο

Οι εμφανίσεις του Warhol στον κινηματογράφο και την τηλεόραση

Ο ίδιος ο Warhol εμφανίστηκε σε πολλά τηλεοπτικά, διαφημιστικά και βιντεοσκοπημένα σποτ στη δεκαετία του 1980 (μεταξύ άλλων για την εταιρεία υπολογιστών Apple), στην παρουσίαση του υπολογιστή Amiga, καθώς και σε ένα βίντεο των συγκροτημάτων The Cars και Curiosity Killed the Cat, στην τηλεοπτική σαπουνόπερα The Love Boat ή στην κινηματογραφική ταινία Tootsie. Στην τοπική τηλεόραση της Νέας Υόρκης, είχε τη δική του τηλεοπτική εκπομπή Andy Warhol's Fifteen Minutes για πέντε χρόνια.

Μια σκηνή από την ταινία The Doors του 1991 δείχνει τον Jim Morrison να συναντά τον Andy Warhol, τον οποίο υποδύεται ο Crispin Glover. Στην ταινία Men in Black 3 του 2012, ο Bill Hader υποδύεται τον Andy Warhol.

Δισκογραφία

Κατάλογοι έργων

Ο Andy Warhol ανέθεσε στον Thomas Ammann την έκδοση του καταλόγου του το 1977. Η έκδοση καθυστέρησε μέχρι το 2002, ενώ ο τρίτος τόμος εμφανίστηκε το 2010.

Πηγές

  1. Άντι Γουόρχολ
  2. Andy Warhol
  3. ^ Trebay, Guy; La Ferla, Ruth (November 12, 2018). "Tales From the Warhol Factory – In each of three successive spaces called the Factory, Andy Warhol created movies, paintings, time capsules and psychosexual dramas with a half-life of many decades. Here his collaborators recall the places, the times and the man". The New York Times. Archived from the original on January 1, 2022. Retrieved November 13, 2018.
  4. ^ Pescovitz, David (November 12, 2018). "Memories from Warhol's Factory". Boing Boing. Archived from the original on November 13, 2018. Retrieved November 13, 2018.
  5. ^ Rosen, Miss (November 13, 2018). "Juicy Stories About What Andy Warhol Was Really Like – "Andy seemed to be floating through space. He had this magical energy and looked like nobody else."". Vice. Archived from the original on November 14, 2018. Retrieved November 13, 2018.
  6. ^ a b Schaffner, Ingrid (1999). The Essential Andy Warhol. New York City: Harry N. Abrams. p. 79. ISBN 978-0-8109-5806-7.
  7. http://www.npr.org/2012/08/06/157776348/in-warhols-memory-soup-cans-and-coke-bottles
  8. Andy Warhol. In: fineartmultiple.de. Abgerufen am 13. Juni 2017.
  9. Stefana Sabin: Andy Warhol, Rowohlt, 1992, S. 10f/140
  10. Zitiert nach Andy Warhol Museum, Pittsburgh
  11. Frazier, p. 708
  12. Danto, Arthur (2011). «2. El pop, la política y la distancia entre el arte y la vida». Andy Warhol. Paidós. p. 47. ISBN 9788449326844. Consultado el 9 de diciembre de 2018.
  13. "Todos mis retratos tienen que tener el mismo tamaño para que encajen todos juntos y formen un gran cuadro llamado 'Retratos de sociedad'. ¿Es una buena idea. No?. A lo mejor el Metropolitan Museum lo querrá algún día".; vid. artículo con motivo de una exposición.[1]
  14. Schaffner, Ingrid (1999). The Essential Andy Warhol. New York City: Harry N. Abrams. p. 79. ISBN 0-8109-5806-6.
  15. a b Cueva Morales. «¿Quién era Valérie Solanas?». Archivado desde el original el 30 de noviembre de 2012. Consultado el 27 de julio de 2012.
  16. Bockris 1990, s. 14–17.
  17. a b Bockris 1990, s. 20–25.