Riassunto

Henri Matisse , nome completo: Henri Émile Benoît Matisse († 3 novembre 1954 a Cimiez, oggi quartiere di Nizza), è stato un pittore, grafico, disegnatore e scultore francese.

Insieme a Pablo Picasso, è uno degli artisti più importanti del Modernismo classico. Insieme ad André Derain, è considerato un pioniere e il principale rappresentante del fauvismo, che propagandava una rottura con l'impressionismo e rappresentava il primo movimento artistico del XX secolo.

L'opera di Matisse è caratterizzata da un ampio uso del colore e da linee cariche di tensione. Nei suoi dipinti, la colorazione, la composizione giocosa e la leggerezza dei temi pittorici sono il risultato di lunghi studi.

Con le sue silhouette (gouaches découpées) realizzate negli anni Quaranta - un esempio è il libro d'artista Jazz - Matisse, gravemente malato, ha creato un'opera tarda che conclude i suoi sforzi di riduzione e, con la sua colorazione e i suoi ornamenti, è considerata il punto più alto della sua carriera artistica. L'artista considerava la Cappella del Rosario di Vence, da lui progettata e decorata e inaugurata nel 1951, il suo capolavoro.

Le sue innovazioni stilistiche hanno influenzato l'arte moderna. Gli espressionisti astratti statunitensi, ad esempio, hanno fatto ripetutamente riferimento al suo lavoro.

Infanzia e istruzione (1869-1898)

Henri Matisse, figlio di Émile Matisse e di sua moglie Héloïse, nata Gérard, nasce nella fattoria dei nonni a Le Cateau-Cambrésis. I suoi genitori gestivano una farmacia e un negozio di sementi a Bohain-en-Vermandois; Matisse è cresciuto lì. Nel 1872 nasce il fratello Émile Auguste. Il padre voleva che il figlio maggiore prendesse in mano l'azienda dei genitori. Henri, tuttavia, decise di studiare legge a Parigi dal 1882 al 1887 dopo aver frequentato il ginnasio umanistico Henri Martin di Saint-Quentin, che frequentò per due anni.

Durante un breve periodo di lavoro come assistente legale a Saint-Quentin nel 1889, Matisse prende lezioni di disegno all'École Quentin de la Cour nelle ore mattutine. Nel 1890 inizia a dipingere dopo un'appendicectomia, le cui conseguenze lo costringono a letto per un anno. Nel 1891 abbandona la carriera di avvocato, torna a Parigi ed entra all'Académie Julian, dove insegna, tra gli altri, il pittore salottiero William Adolphe Bouguereau. Matisse voleva prepararsi per l'esame di ammissione all'École des Beaux-Arts. Tuttavia, non è passato.

Matisse frequentò anche l'École des Arts décoratifs (Scuola di Arti Decorative), dove conobbe Albert Marquet, con il quale ebbe una lunga amicizia. Nel 1895, dopo aver superato l'esame di ammissione all'École des Beaux-Arts, diventano entrambi allievi del pittore simbolista Gustave Moreau, nella cui classe erano già stati ammessi come studenti ospiti nel 1893. Matisse divenne padre di una figlia, Marguerite († 1982), nel 1894; la madre era Camille (Caroline) Joblaud, una donna che egli impiegò come modella e che fu la sua amante.

Durante un soggiorno in Bretagna nel 1896, Matisse conobbe la tavolozza dei colori impressionisti grazie al suo compagno di viaggio, il pittore Émile Auguste Wéry (1868-1935), che era il suo vicino di casa parigino di Quai Saint-Michel 19. In questo periodo inizia a copiare le opere classiche del Louvre ed espone per la prima volta cinque dipinti al Salon della Société nationale des beaux-arts. Nel 1897 e nel 1898 visita il pittore John Peter Russell a Belle-Île, un'isola al largo delle coste della Bretagna. Russell lo introdusse allo stile pittorico impressionista e gli fece conoscere l'opera di Vincent van Gogh. Lo stile pittorico di Matisse cambiò radicalmente e in seguito dichiarò: "Russell fu il mio maestro e Russell mi spiegò la teoria del colore".

Matrimonio (1898)

Il 10 gennaio 1898 Henri Matisse sposa Amélie Noellie Parayre. Su consiglio di Camille Pissarro, si reca a Londra per studiare le opere di Turner. Contemporaneamente, vi trascorre la luna di miele con Amélie, che la coppia, tornata brevemente a Parigi, prosegue dal 9 febbraio ad Ajaccio, in Corsica. Dal matrimonio nacquero due figli, Jean Gérard (1899-1976) e Pierre (1900-1989).

Marguerite fu accolta in famiglia; Matisse amava molto la figlia e la ritraeva spesso. In seguito sposò il critico d'arte e filosofo Georges Duthuit; poco prima della sua morte, insieme al figlio Claude Duthuit curò il catalogo ragionato delle stampe del padre.

Alla morte dell'insegnante Gustave Moreau, Matisse lasciò l'École des Beaux-Arts nel 1899 per divergenze con il successore di Moreau, Fernand Cormon. Dopo aver studiato di nuovo brevemente all'Académie Julian, segue i corsi di Eugène Carrière, amico dello scultore Auguste Rodin. Qui Matisse incontrò i suoi compagni successivi, André Derain e il suo amico Maurice de Vlaminck. Dipinge con Albert Marquet al Jardin du Luxembourg e frequenta corsi di scultura la sera. Nello stesso anno acquista da Vollard il dipinto Le tre bagnanti di Paul Cézanne. Nonostante le gravi preoccupazioni finanziarie, l'artista conservò l'opera, che ebbe una profonda influenza sul suo pensiero e sul suo lavoro creativo, fino al 1936, anno in cui regalò il dipinto al Museo di Belle Arti del Petit Palais di Parigi.

Anni di crisi (1900-1905)

Nel 1900 Matisse frequenta i corsi serali dell'Académie Rodin e lavora sotto la guida dello scultore Antoine Bourdelle con scarso successo iniziale. A causa della mancanza di reddito - l'attività di modista della moglie non fruttava abbastanza per mantenersi e i bambini dovevano spesso essere lasciati ai nonni - cadde in una grave crisi finanziaria e prese a lavorare come pittore decorativo. Insieme ad Albert Marquet, Matisse dipinse ghirlande e cornici per l'arredamento dell'Esposizione Universale del 1900, che si tenne al Grand Palais di Parigi. Il lavoro era estenuante, così tornò a Bohain esausto per riprendersi. In quel periodo Matisse era talmente scoraggiato da pensare di abbandonare la pittura.

Superata la crisi, Matisse si mette alla ricerca di collezionisti e di opportunità espositive. Nel febbraio 1902 partecipa a una mostra congiunta della neonata Galleria B. Weill. Nell'aprile e nel giugno dello stesso anno, Berthe Weill è stata la prima galleria a vendere opere dell'artista. Una prima mostra personale delle sue opere ebbe luogo nel 1904 a casa del mercante d'arte francese Ambroise Vollard. Nell'estate dello stesso anno, Matisse si reca a Saint-Tropez su istigazione di Paul Signac e inizia a dipingere quadri nello stile del neoimpressionismo.

L'emergere del fauvismo (1905)

Matisse trascorre l'estate del 1905 con André Derain e a volte con Maurice de Vlaminck a Collioure, un villaggio di pescatori sul Mediterraneo. Questo soggiorno rappresenta una svolta significativa nel suo lavoro. In questo periodo, in collaborazione con Derain, si cristallizza uno stile che passerà alla storia dell'arte con il nome di fauvismo. Il movimento ricevette il suo nome quando il piccolo gruppo di pittori che la pensava come loro, composto da Matisse, André Derain e Maurice de Vlaminck, espose per la prima volta i propri quadri in una mostra al Salon d'Automne di Parigi nell'autunno del 1905, suscitando l'indignazione del pubblico e della critica d'arte.

Il critico Louis Vauxcelles chiamò gli artisti "Fauves" ("Bestie selvagge"). Il suo commento "Donatello chez les fauves" fu pubblicato sulla rivista Gil Blas il 17 ottobre 1905 ed entrò nell'uso comune. Al centro della critica c'era il dipinto Femme au chapeau (Donna con cappello) di Matisse, dai colori forti. Leo Stein, fratello di Gertrude Stein, acquistò il quadro per 500 franchi. Questo "successo scandaloso" fece aumentare il valore di mercato di Matisse. Anche gli Stein furono tra i suoi mecenati in futuro. Il gruppo fauvista si scioglie nuovamente già nel 1907.

Oggi, il Chemin du Fauvisme di Collioure commemora la nascita del Fauvismo: riproduzioni dei dipinti di Matisse e Derain realizzati in quel luogo sono esposte su un percorso circolare in 19 punti del villaggio.

Conoscenza di Picasso (1906)

Il 20 marzo 1906, Matisse espone la sua nuova opera, Lebensfreude (Gioia di vivere), al Salon des Indépendants (Paul Signac, vicepresidente degli Indépendants, si unisce alle critiche e si risente del rifiuto di Matisse del post-impressionismo, reso evidente dal dipinto). Leo Stein, tuttavia, lo considerava "il dipinto più importante del nostro tempo" e lo acquistò per il salone che gestiva insieme alla sorella Gertrude.

Nello stesso anno, Matisse conosce Pablo Picasso; il loro primo incontro avviene nel salone degli Stein, dove Matisse è un frequentatore abituale da un anno. Da quel momento in poi, Matisse e Picasso furono legati da un'amicizia basata sulla rivalità creativa e sul rispetto reciproco. Anche le amiche americane di Gertrude Stein di Baltimora, Clarabel ed Etta Cone, divennero mecenati e collezionisti di Matisse e Picasso. La Collezione Cone è attualmente in mostra al Baltimore Museum of Art.

Viaggio in Algeria (1906)

Nel maggio 1906 Matisse si reca in Algeria e visita l'oasi di Biskra. Non dipinse durante il viaggio; solo dopo il suo ritorno realizzò il dipinto Nudo blu (Memoria di Biskra) e, dopo aver completato il quadro, la scultura Nudo reclinato I (Aurora), che presenta una postura simile. Dal viaggio di due settimane ha portato con sé oggetti di uso quotidiano come ceramiche e tessuti, che ha spesso utilizzato come motivi per i suoi dipinti. Matisse prese dalle ceramiche orientali il colore puro e piatto, la riduzione del disegno a una linea arabescata e la disposizione bidimensionale dello spazio pittorico. I tappeti orientali compaiono nei suoi quadri come in nessun altro pittore modernista. Un esempio è la natura morta Tappeti orientali, che dipinse dopo il suo ritorno.

L'Académie Matisse (1908-1911)

Su iniziativa e con il sostegno dei suoi ammiratori, Michael, Sarah, Gertrude e Leo Stein, nonché di Hans Purrmann, Marg e Oskar Moll e altri, fondò una scuola privata di pittura, che prese il suo nome: "Académie Matisse". Insegnò lì dal gennaio 1908 al 1911 e alla fine ebbe 100 studenti provenienti dalla Germania e dall'estero. Purrmann era responsabile dell'organizzazione e dell'amministrazione.

Inizialmente le lezioni si tenevano nelle sale del Couvent des Oiseaux in Rue de Sèvres. In questo convento vuoto Matisse aveva già affittato dal 1905 un altro studio, oltre a quello originario di Quai St.Michel. Dopo la decisione di fondare l'accademia privata, Stein affittò un'altra stanza del Couvent per le lezioni. Tuttavia, il complesso conventuale dovette essere lasciato libero dopo poche settimane. La scuola si trasferì quindi nel Couvent de Sacré-Cœur sul Boulevard des Invalides, all'angolo con Rue de Babylon.

Il suo carattere non commerciale distingueva l'Académie Matisse da altri atelier simili. Matisse attribuiva grande importanza a una formazione classica di base per i giovani artisti. Una volta alla settimana, il programma prevedeva la visita a un museo. Lavorare a partire da un modello è arrivato solo dopo lo sforzo di copiare. Per l'epoca, la percentuale di donne tra gli alunni era sorprendentemente alta. Tra i 18 allievi tedeschi, per esempio Friedrich Ahlers-Hestermann, Franz Nölken e Walter Alfred Rosam, c'erano otto artiste donne, tra cui Mathilde Vollmoeller e Gretchen Wohlwill. Anche Olga Markowa Meerson, nata in Russia e già compagna di studi di Wassily Kandinsky a Monaco, e la danese Astrid Holm furono tra i suoi allievi.

Matisse compie il suo primo viaggio in Germania con Hans Purrmann nel 1908. Lì fa conoscenza con il gruppo di artisti della Brücke. Fu invitato a unirsi al gruppo come "Übervater della loro ribellione" - invano. Nello stesso anno ha luogo la sua prima mostra americana presso la Gallery 291 di Alfred Stieglitz. Il suo saggio teorico-artistico Notes d'un Peintre (Note di un pittore) apparve sulla Grande Revue il 25 dicembre 1908.

Trasferimento a Issy-les-Moulineaux (1909)

Il mecenate russo Sergei Shchukin era venuto a conoscenza dell'opera di Matisse e gli commissionò due grandi dipinti: La danza e la musica. Gli anni della crisi sono passati e la posizione finanziariamente consolidata permette a Matisse di lasciare la residenza di Quai Saint-Michel a Parigi nel 1909 e di trasferirsi a Issy-les-Moulineaux, dove acquista una casa e fa costruire il suo studio nella proprietà. Per molto tempo, i membri della famiglia hanno posato gratuitamente per lui e hanno assecondato con comprensione i suoi desideri. I bambini, ad esempio, dovevano stare in silenzio durante i pasti per non disturbare la concentrazione del padre.

Dopo aver partecipato alla mostra Manet and the Post-Impressionists a Londra, organizzata da Roger Fry nel 1910, le sculture di Matisse furono esposte per la prima volta alla Gallery 291 di Alfred Stieglitz a New York nel 1912. Un anno dopo, nel 1913, alcuni dei suoi dipinti partecipano all'importante mostra Armory Show di New York, che però suscita critiche caustiche da parte del pubblico conservatore americano. Il tesoriere dell'Armory Show, Walter Pach, rappresentò l'opera di Matisse negli Stati Uniti dal 1914 al 1926.

Intorno al 1912, alcune composizioni di Matisse furono considerate paracubiste da molti critici. In quegli anni Matisse e Picasso si scambiarono spesso idee. Matisse ha commentato: "Ci siamo dati molto in questi incontri". In quelle conversazioni, Picasso giocava a fare l'advocatus diaboli, volendo costantemente mettere in discussione qualcosa della pittura di Matisse che in realtà era molto presente nella sua mente.

Oltre ai suoi soggiorni a Siviglia (1910

Anni di guerra (1914-1918)

All'inizio della Prima guerra mondiale, nell'agosto del 1914, Matisse si trova a Parigi. Si è iscritto al servizio militare, ma la sua richiesta è stata respinta. Dopo che la casa di famiglia fu distrutta da un attacco tedesco, Matisse non ricevette più notizie né dalla madre né dal fratello che, come gli altri uomini del villaggio, era stato fatto prigioniero di guerra dalle forze militari tedesche. Poco prima della battaglia della Marna, lasciò Parigi e si recò con Marquet a Collioure. Gli orrori di quel periodo riavvicinarono fauvisti e cubisti, fino ad allora divisi da conflitti artistici, così Juan Gris rimase con l'insegnante dei figli di Matisse. L'influenza cubista di quest'ultimo rafforza l'inclinazione di Matisse verso la semplificazione geometrica. I figli Jean e Pierre dovettero prestare il servizio militare a partire dall'estate del 1917.

A Nizza (1916-1954)

Nel 1916 Matisse soggiorna a Mentone, in Costa Azzurra, su consiglio del medico, poiché soffre di bronchite, e nel 1916 affitta un appartamento a Mentone.

Nel 1918, alla Galerie Guillaume, si tenne la mostra Matisse - Picasso, che fu in qualche modo la prova del ruolo di primo piano di questi pittori nell'arte contemporanea. Matisse mostra alcuni dei suoi dipinti a Renoir, che visita spesso in questo periodo; frequenta anche Bonnard ad Antibes.

Nel 1920, a Parigi, va in scena la prima del balletto Le Chant du Rossignol di Djagilev, per il quale Matisse ha disegnato i costumi e la scenografia. Si dedica nuovamente alla scultura, che aveva trascurato negli anni precedenti. Nel 1927 il figlio Pierre Matisse, divenuto gallerista, gli organizza una mostra nella sua galleria di New York; nello stesso anno riceve il premio per la pittura alla Carnegie International Exhibition di Pittsburgh.

Matisse intraprese molti viaggi di relax, ad esempio a Étretat nel 1921, in Italia nel 1925 e a Tahiti via New York e San Francisco nel 1930.

Durante il viaggio di ritorno, nel settembre 1930, fa visita al suo importante collezionista Albert C. Barnes a Merion (USA), che gli chiede un murale sul tema della danza per il suo museo privato. Opere di Georges Seurat, Cézanne, Auguste Renoir riempivano già le pareti. Matisse accettò la sfida e riuscì a completare l'opera nel 1932. Nel 1933 nasce a New York il nipote Paul Matisse.

Per l'arduo compito del murale di Barnes, Matisse aveva assunto come assistente la ventiduenne russa emigrata Lydia Delectorskaya (1910-1998), che aveva anche posato per lui. La moglie Amélie gli pone di fronte l'alternativa: "O me o lei". Lydia Delectorskaya fu licenziata, ma Amélie chiese il divorzio e lo lasciò dopo 31 anni di matrimonio. Matisse si ammala gravemente e riassume la Delectorskaya. Dopo un soggiorno a Parigi allo scoppio della Seconda guerra mondiale, torna a Nizza.

Negli anni successivi ha realizzato progetti per arazzi e illustrazioni di libri. Ha inciso scene dell'Odissea come illustrazioni per l'Ulisse di James Joyce. Nel novembre del 1931, il Museum of Modern Art di New York offre a Matisse l'opportunità di allestire la sua prima grande mostra personale americana. Preceduti da una grande mostra alla Galleria Thannhauser di Berlino alla fine dell'estate del 1930, gli anni dal 1930 al 1931 portano a maturazione molti dei progetti personali di Matisse e consolidano la sua già crescente reputazione internazionale. In ottobre viene pubblicato il primo libro illustrato da Matisse, l'edizione Skira della Poésie de Stéphane Mallarmé.

Nel 1937, Matisse fu incaricato da Léonide Massine di disegnare le decorazioni e i costumi per Rouge et noir, un balletto con musiche di Shostakovich e coreografie di Massine. Un anno dopo si trasferisce a Cimiez nell'ex Hotel Régina, con vista su Nizza.

Nel 1941, Matisse dovette subire una grave operazione all'intestino a Lione. È rimasto in ospedale per quasi tre mesi, poi in un albergo per due mesi a causa dell'influenza. Ha sofferto di un cancro al duodeno e di due successive embolie polmonari.

A maggio è tornato a Cimiez. L'operazione e la successiva malattia lo colpirono gravemente, tanto che riuscì a mantenersi in piedi solo per un tempo limitato. Durante la convalescenza riprese a lavorare, dipingendo e disegnando a letto, tra cui le illustrazioni per l'edizione Fabiani del Pasiphaé di Henry de Montherlant e l'edizione Skira del Florilège des amours de Ronsard.

Nel suo studio ai piedi della Montagne du Baou, nella villa Le Rêve, a due chilometri dalla piazza principale del villaggio provenzale di Vence, in cui si trasferì dopo un bombardamento aereo su Cimiez nel 1943, Matisse iniziò a lavorare alle composizioni taglia e incolla per il suo libro Jazz. Nel 1944, la moglie divorziata viene arrestata e la figlia Marguerite deportata per coinvolgimento nella Resistenza e condannata a sei mesi di prigione. Le Rêve rimase la sua residenza fino al 1948, quando tornò a Nizza all'Hotel Régina.

All'inizio dell'estate del 1945 Matisse si reca a Parigi, dove 37 opere vengono esposte in una retrospettiva al Salon d'Automne. Nello stesso anno espone con Picasso al Victoria and Albert Museum di Londra. Nel 1946 Matisse riceve la prima visita di Picasso e della sua compagna Françoise Gilot a Vence; i due artisti si incontrano più volte fino al 1954.

Nel 1947, Matisse è stato elevato al rango di Commendatore della Legione d'Onore. Nello stesso anno inizia gli schizzi per una cappella delle suore domenicane, la Cappella del Rosario a Vence, che lo occuperà quasi esclusivamente negli anni successivi. Il progetto nasce da una stretta amicizia tra Matisse e Suor Jacques-Marie, alias Monique Bourgeois. Nel 1941 l'aveva assunta come infermiera e modella; nel 1946 entrò in un convento domenicano a Vence e le fu dato il nome di Jacques-Marie. Quando si incontrarono di nuovo lì, lei gli chiese consiglio per la costruzione di una cappella per il monastero. Nel dicembre 1949 fu posta la prima pietra della cappella, che fu consacrata il 25 giugno 1951 dal vescovo di Nizza. Nello stesso anno, Matisse riceve il primo premio per la pittura alla Biennale di Venezia.

In occasione delle sue opere esposte negli Stati Uniti nel 1951, lo storico dell'arte americano Alfred H. Barr pubblicò Matisse: his Art and his Public, che rimane tuttora un libro importante sull'artista. Nel 1952, il Musée Henri Matisse apre le sue porte nella sua città natale, Le Cateau-Cambrésis. Un anno dopo, seguirono le mostre dei papiers découpés a Parigi e delle sue sculture a Londra. Nel 1954 fu eletto membro onorario dell'American Academy of Arts and Letters.

Matisse lavorò negli ultimi giorni della sua vita alla Rosa Rockefeller, che sarebbe stata la sua ultima opera, una vetrata per la Union Church di Pocantico Hills, commissionata dalla famiglia Nelson Rockefeller in memoria di Abby Aldrich Rockefeller. Oltre alle opere di Matisse, la chiesa contiene anche finestre di Marc Chagall.

Matisse muore di infarto a Nizza il 3 novembre 1954. La sua tomba - la cui lapide è dedicata a lui e alla sua ex moglie - si trova sul punto più alto del cimitero di Cimiez; è un dono della città di Nizza.

Il 5 gennaio 1963 viene fondato a Nizza un altro museo, il Musée Matisse. Già prima della sua fondazione, avvenuta il 21 ottobre 1953, l'artista stesso aveva donato il dipinto Natura morta con melograno (1947), quattro disegni degli anni 1941 e un'altra serie di disegni.

La concezione dell'immagine di Matisse

Nel mondo pittorico di Matisse, il colore acquisisce un carattere autonomo attraverso il suo uso bidimensionale, decorativo e ornamentale, tralasciando gli aspetti di progettazione spaziale. Qui il colore non è subordinato al colore locale né alla descrizione delle strutture di superficie. Piuttosto, Matisse lo utilizza come mezzo per riprodurre le sensazioni cromatiche suscitate nel pittore dall'impressione del motivo. Nel suo percorso attraverso il fauvismo, ha creato un mondo pittorico in cui non si dà più importanza all'oggetto che allo spazio interno, cioè allo spazio tra gli oggetti. Nessuna di queste forme è superiore o subordinata a un'altra nella realizzazione dell'"espressione" come elemento di design. Secondo questa visione, l'"espressione" può essere realizzata solo attraverso la disposizione e la connessione delle forme di colore - colore e forma sono una cosa sola - tra loro. Attraverso questa visione, l'osservazione della natura (oggetto) non solo diventa l'occasione per sensazioni colorate (soggetto), ma viene anche elevata a correttivo del processo creativo nella loro reciproca interazione. In questo senso, Matisse si considerava legato alla tradizione. Così Matisse - come Picasso - non fece mai il passo verso l'astrazione completa, perché in questo modo, come sottolineava, l'astrazione veniva solo imitata.

Un'altra caratteristica della composizione pittorica di Matisse è la linearizzazione degli oggetti. Le relazioni spaziali tra gli oggetti si ritirano sullo sfondo, si dissolvono, ma senza annullare completamente i loro riferimenti spaziali. Così, ha sottolineato che attraverso l'uguaglianza delle forme - oggetto e spazio interno - e l'autonomia del colore, era necessaria una linearizzazione degli elementi pittorici e viceversa.

Il crescente bisogno di originalità e individualità di quei tempi, da un lato, e l'avversione per quelle che i loro avversari consideravano le opinioni "degenerate" delle accademie ancora consolidate, dall'altro, portarono molti pittori a voler prendere una posizione propria. Così, pur trovando in Cézanne la figura dello spiritus rector, Matisse non intende continuare l'opera di Cézanne.

I primi lavori fino al 1900

Matisse decise tardi di intraprendere la carriera artistica. Ha iniziato a prendere lezioni d'arte quando era un paralegale ventenne a St.-Quentin. I suoi primi quadri corrispondono al naturalismo borghese che la scuola francese aveva adottato dagli olandesi. Un dipinto noto di questo periodo è La donna che legge del 1894, oggi conservato al Musée National d'Art Moderne di Parigi. Nei suoi temi pittorici, la donna dominerà la sua arte dagli esordi fino all'ultima opera degli anni Cinquanta, raffigurata nelle varie fasi di Matisse. Nel 1895 segue Natura morta con autoritratto, con colori simili al marrone-verde, che presenta una somiglianza estetica con la Natura morta di Cézanne di vent'anni prima, ma senza la sua raffinatezza. I dipinti più noti del 1897 sono La tavola imbandita e l'opera balneare Belle Île; in quest'ultima vi sono approssimazioni alla Tempesta a Belle Île di Claude Monet del 1896, che riflette le influenze impressioniste di Monet e John Peter Russell in Bretagna.

L'opera principale dell'artista può essere suddivisa nei seguenti cinque periodi:

Periodo Fauve (1900-1908)

Nel 1900 Matisse iniziò a dipingere in uno stile che a posteriori è stato definito "proto-fauve". Non vuole vedere le sue forme dissolte nella luce ma concepite come un insieme completo, e così si allontana dall'impressionismo "ortodosso". È alle opere divisioniste di Seurat, insieme a quelle di Paul Cézanne, che si dedica. Georges Seurat e i neoimpressionisti crearono le loro opere secondo la dottrina teorica basata sulla teoria del colore di Eugène Chevreul. Oltre a Seurat, furono Vincent van Gogh e Paul Gauguin ad accrescere il senso del colore di Matisse, che voleva superare l'imitazione della natura. La composizione di figure di Matisse Lusso, silenzio e desiderio (1904).

Il risultato del suo lavoro durante la fase fauvista rappresentò una soluzione sotto forma di schema cromatico bidimensionale che si opponeva alla "fusione" dei dipinti impressionisti. Ne sono un esempio Finestra aperta a Collioure e Donna con cappello, entrambi del 1905, che suscitarono l'indignazione del Salon e diedero origine al termine "fauvismo". Nel suo dipinto La striscia verde. Ritratto di Madame Matisse, sempre del 1905, il verde è una costante. La striscia sopra il volto, che a prima vista sembra innaturale, non è posizionata in modo arbitrario, ma funge da confine tra le zone di luce e di ombra. Matisse dimostrò che l'autonomia del colore in relazione alla sua applicazione bidimensionale significava che gli oggetti dovevano essere linearizzati tra loro e che le loro relazioni spaziali dovevano quindi ritirarsi sullo sfondo. Le opere degli anni successivi rappresentano principalmente variazioni su questa intuizione fondamentale.

Secondo la sua stessa dichiarazione, l'opera della sua vita iniziò con il dipinto La gioia di vivere, esposto al Salon des Indépendants nel 1906, dove suscitò aspre critiche. Dopo il suo viaggio in Algeria nel 1906, dipinse Nudo blu (Ricordo di Biskra), con le palme sullo sfondo che riflettono il viaggio. Il nudo femminile pesa a terra e fa ombra. La figura dominante e l'ambiente piatto riflettono la visione di Matisse: "È proprio la figura e non la natura morta o il paesaggio che mi interessa di più. È in lei che posso esprimere al meglio, si può dire, il sentimento religioso verso la vita che è sempre mio".

Periodo sperimentale (1908-1917)

Il periodo sperimentale di Matisse, durante il quale fu molto produttivo, si divide in due fasi: Dal 1908 al 1910 predominano le forme organico-fluide e arabescate, mentre la seconda fase, dal 1911 al 1917, segnata dal coinvolgimento di Matisse nel cubismo, è dominata da forme geometriche. Matisse non ha mai subordinato la sua pittura a uno stile uniforme, ma ha cambiato spesso posizione, passando da periodi decorativi a periodi più realistici.

Nel 1909, il mecenate russo Sergei Ivanovich Shchukin commissionò due grandi opere, La Danse (La danza) e La Musique (La musica), per decorare lo scalone della sua residenza di Mosca. Sono state create due versioni di The Dance in diverse tonalità di colore. Matisse si è ispirato alla Farandole, la danza rotonda provenzale. I dipinti, ciascuno composto da cinque corpi davanti a uno sfondo fortemente colorato, trasmettono gioia di vivere; lo stile decorativo si combina con la figura umana. La loro monumentalità deriva dalla semplificazione dei mezzi pittorici: pochi colori sono applicati in grandi aree omogenee, il disegno diventa una linea pura che forma le forme. La danza è una delle opere più famose di Matisse. La semplificazione delle forme determina anche il dipinto Bouquet di fiori e piatto di ceramica (1911). Henri Matisse riassunse le sue impressioni sulle icone russe e sugli oggetti in smalto in un'intervista rilasciata al giornale Utro Rossii (Утро России) il 27 ottobre 1911 durante il suo soggiorno a Mosca:

Durante la Prima guerra mondiale, la sua scala cromatica si fa più scura, la riduzione a forme geometriche nello stile del cubismo raggiunge il suo apice nel 1914 con il dipinto Veduta di Notre Dame e continua fino al 1918. Il colore nero ha avuto un ruolo importante durante gli anni della guerra: un esempio è la finestra della porta di Collioure, 1914.

Periodo di Nizza (1917-1929)

Matisse si dedicò, tra l'altro, a dipingere odalische in varie posizioni. Anche i ritratti, gli interni inondati di luce, le nature morte e i paesaggi erano al centro del suo interesse rappresentativo. Le sue opere presentano caratteristiche più naturalistiche che mai. Rendendo reale la sua immaginazione, Matisse dimostrò così di credere nella pittura come "fonte di gioia assoluta".

L'amore per il colore e il dettaglio è evidente nei "fondi ornamentali", spesso insoliti. Il dipinto Figura decorativa su sfondo ornamentale (1925).

Periodo di rinnovata semplicità (1929-1940)

Al periodo di Nizza seguì un periodo di rinnovata semplicità. Le aspirazioni artistiche di Matisse si concentrano sull'armonia tra il massimo sviluppo del colore e la progressiva astrazione della forma rappresentativa.

Nel 1929 si recò negli Stati Uniti e fu membro della giuria della 29ª edizione della Carnegie International. Un anno dopo si reca a Tahiti, a New York e a Baltimora, nel Maryland, e a Merion, in Pennsylvania. Albert C. Barnes di Merion, un importante collezionista di arte moderna che già possedeva la più grande collezione di Matisse in America, commissionò all'artista un grande murale per la galleria d'arte della sua casa. Matisse scelse il tema della danza, che si era già impadronito di lui fin dalla fase fauve. Il murale La danza esiste in due versioni a causa di un errore nelle misure; fu installato nel maggio 1933 ed è attualmente esposto alla Barnes Foundation. Nella sua semplicità, la composizione raffigura donne danzanti in un movimento molto forte su uno sfondo astratto, quasi geometrico. Durante il lavoro preparatorio per il murale, Matisse utilizzò un nuovo procedimento, assemblando la composizione con pezzi di carta colorata ritagliati. Dal 1940 in poi, le silhouette divennero il mezzo espressivo preferito di Matisse, tecnica che mantenne fino alla fine della sua vita.

Periodo di prescrizione all'essenziale (1940-1954)

La riduzione della forma all'astrazione porta Matisse a enfatizzare l'elemento dinamico. Intorno al 1943, a causa della sua grave malattia, le silhouette diventano il principale mezzo di espressione dell'artista; intorno al 1948 Matisse termina di dipingere del tutto. Gli assistenti dipingevano fogli di carta con colori monocromi a guazzo, dai quali ritagliava le figure e le forme libere (gouaches découpées). Matisse chiamava questa tecnica "disegno con le forbici". Offriva la possibilità di combinare linea e colore e rappresentava quindi la soluzione alle sue preoccupazioni che cercava da tempo. Nel disegno, era in grado di rappresentare un'impressione con pochi contorni, anche se senza colore. Nella pittura, questa spontaneità mancava. Quando le forbici sostituiscono il pennello e disegnano direttamente nella pittura, l'opposizione tra colore e linea viene superata. Il risultato - il taglio - è più netto della linea disegnata, quindi ha un carattere diverso. Nel 1947, una sequenza di silhouette degli anni 1943-1944 fu pubblicata come libro d'artista con il titolo Jazz, riprodotto con la stampa a stencil. Il titolo allude alla spontaneità e all'improvvisazione dello stile musicale del jazz. Sull'uso delle linee, Matisse scrive in questo libro:

A ciò si aggiungono i disegni per arazzi come Polinesia - Il cielo e Polinesia - Il mare, del 1946. La decorazione di una cappella, la Cappella del Rosario (detta anche Chapelle Matisse) a Vence, inaugurata nel 1951, di cui aveva preparato anche le vetrate in silhouette, mostra le prime vetrate dell'artista. Un altro esempio è la serie Blue Nude del 1952; è esclusivamente in blu e bianco e ha un effetto scultoreo nella sua astrazione.

Matisse creò disegni, studi per le sue opere, in gran numero. Il suo interesse per le opere grafiche iniziò intorno al 1900, quando iniziò a incidere a titolo sperimentale. Il catalogo ragionato delle stampe pubblicato dalla figlia Marguerite Duthuit e dal nipote Claude Duthuit descrive circa 800 opere, concentrandosi sulle circa 300 acqueforti e 300 litografie prodotte tra il 1908 e il 1948 e datate dal 1906 al 1952. Realizza inoltre 62 opere all'acquatinta, 68 monotipi, 70 linoleografie e, a partire dal primo periodo del 1906, un'altra opera di grande interesse.

Dopo lo scoppio della Seconda guerra mondiale, l'opera grafica di Matisse occupa uno spazio più ampio, con le illustrazioni per Pasiphaé di Henry de Montherlant (1944), Visages di Pierre Reverdy (1946), Lettres portugaises di Mariana Alcaforado (1946), Les Fleurs du Mal di Charles Baudelaire (1947), Il Florilège des Amours di Pierre de Ronsard (1948) e i Poèmes di Charles d'Orléans (al contrario, ha aggiunto illustrazioni a colori al suo famoso libro d'artista Jazz del 1947, in cui ha scritto le sue riflessioni sull'arte e sulla vita.

Più della metà delle sculture di Matisse sono state create tra il 1900 e il 1910 e spesso l'artista ha lavorato in serie, semplificando la forma nel corso degli anni. La prima opera tridimensionale dell'82, Giaguaro che divora una lepre, fu creata durante i suoi studi di scultura a partire dal 1899 e indica non solo l'influenza di Auguste Rodin, ma anche di Antoine-Louis Barye, un noto scultore francese conosciuto per le sue sculture di animali. Matisse modellò la scultura del Giaguaro sulla scultura in bronzo Jaguar dévorant un lièvre di Barye, alla quale lavorò dal 1899 al 1901. Come l'omonimo dipinto, la scultura Il servo fu realizzata nel 1900 e terminata nel 1903. L'italiano Bevilaqua, che aveva già modellato per Rodin nelle opere Giovanni Battista (1878) e Uomo che cammina (1900), gli fece da modello. Matisse ha spesso trasposto i motivi delle sue sculture in dipinti o viceversa. Le dimensioni delle sue sculture non corrispondevano a quelle reali, come nel caso degli scultori tradizionali, ma erano create in un formato più piccolo.

Nel 1907 inizia a lavorare al Nudo sdraiato, che aveva ulteriormente sviluppato a partire dal dipinto Lusso, silenzio e desiderio (1904-1905). L'argomento lo avrebbe occupato per 30 anni. La scultura Due negre del 1908 si ritrova nella Natura morta del 1910, Bronzo con frutta. Il dipinto di Cézanne, Le tre bagnanti, acquistato nel 1899, servì a Matisse come modello in opere che raffigurano il corpo in modo monumentale, come la serie di rilievi di nudi supini che Matisse realizzò tra il 1909 e il 1929. L'ispirazione per la serie Jeannette I - V, dal 1910 al 1913, fu un precedente dipinto impressionista; la testa di Jeanette divenne sempre più alienata nelle versioni. Jeanette V è un precursore dell'astrazione fisica che si diffonderà nell'arte a partire dagli anni Trenta. L'ispirazione all'arte primitiva non si riflette nei suoi dipinti, come per Picasso, ma le sue trasformazioni rimangono limitate all'opera scultorea.

Quasi tutte le sue sculture sono state realizzate in un'edizione di dieci copie, con un'unica eccezione: il Piccolo torso sottile del 1929 esiste solo in tre copie. Matisse ha utilizzato la tecnica della sabbia e della fusione a cera persa. La maggior parte delle sue opere scultoree è stata fusa negli anni successivi, quando un maggior numero di collezionisti si è interessato ad esse. I Nudi di schiena I - IV, che sono tra le sculture più importanti di Matisse, furono fusi solo dopo la morte di Matisse, su iniziativa dei suoi eredi. Negli anni '90, gli eredi fecero distruggere la maggior parte degli stampi originali per evitare ulteriori edizioni.

Tra i quattro più grandi pittori francesi della prima metà del XX secolo - Matisse, Picasso, Derain e Braque - Matisse fu il primo teorico. Il suo scritto del 1908, Notes d'un peintre (Note di un pittore), precede di molto le dichiarazioni pubblicate di Braque e Picasso. Sebbene la prima intervista di Braque (1908) sia stata pubblicata nel 1910, i suoi testi uscirono solo nel 1917. La prima dichiarazione teorica di Picasso, Picasso parla, esce nel maggio 1923.

In Note di un pittore, Matisse chiarisce le principali preoccupazioni della sua arte: "espressione" ("Ausdruck und Aussage"), elaborazione mentale delle forme naturali, chiarezza e colore. Inoltre, in questo articolo confessa la sua fede nell'arte come espressione della personalità. Per lui non è né la rappresentazione di un'"immaginazione" né il mediatore di idee letterarie, ma si basa sulla sintesi intuitiva delle impressioni della natura. In questo scritto, un passaggio centrale, spesso citato, recita:

Il secondo testo teorico Notes d'un peintre sur son dessin (Note di un pittore sul disegno) apparve su Le Point nel 1939. Negli anni successivi al 1930, realizzò molti disegni al tratto, eseguiti a matita o a penna; i disegni a penna e inchiostro, come definì Matisse, "nacquero solo dopo centinaia di disegni, dopo prove, intuizioni e definizioni della forma; poi li disegnavo a occhi chiusi".

Testimonianze di contemporanei

L'impressionista Auguste Renoir, di molti anni più anziano, fece un commento a Henri Matisse verso la fine della prima guerra mondiale, quando Matisse gli fece visita nel sud della Francia:

Nel 1905, il pittore Paul Signac, di sei anni più grande, acquistò il quadro di Matisse Lusso, silenzio e voluttà, esposto al Salon des Indépendants. Un anno dopo, il neoimpressionista derise l'opera di Matisse La gioia di vivere esposta al Salon:

Gertrude Stein, mecenate di Matisse, descrisse così il suo dipinto Nudo blu (Memoria di Biskra) del 1907 e la sua intenzione:

L'allievo e amico di Matisse, il pittore tedesco Hans Purrmann, organizzò una mostra a Berlino nel 1908 presso la galleria di Paul Cassirer. La mostra è stata oggetto di critiche. In occasione di un incontro con Max Liebermann alla galleria, quest'ultimo temeva "la rovina della giovinezza" alla vista dei dipinti e preferì occuparsi del suo bassotto. "Quadro di pan di zenzero" e "carta da parati" erano le parole d'ordine dell'epoca sulla pittura di Matisse. Qualche anno prima della morte di Matisse, Purrmann commentò le circostanze della sua ultima vita:

Picasso ha espresso molto spesso il suo apprezzamento per Matisse. Tra le tante espressioni di Picasso, tuttavia, quella che segue indica più chiaramente quanto Picasso riconoscesse l'opera di Matisse:

Il rapporto con Picasso

Matisse era l'unico artista contemporaneo che Picasso considerava alla sua altezza. Nessun altro artista contemporaneo aveva significato per lui quanto Matisse, nonostante i loro opposti orientamenti artistici. Durante i loro incontri c'è stato un vivace scambio di opinioni. "Dobbiamo parlarci il più possibile", disse Matisse a Picasso alla fine degli anni Quaranta, aggiungendo: "Quando uno di noi due morirà, ci saranno cose di cui l'altro non potrà parlare con nessun altro".

Picasso, che a volte lanciava anche insulti crudeli, non permise mai a nessun altro di criticare Matisse. Ci sono molte prove di questo, e una delle migliori testimonianze proviene da Christian Zervos. Matisse e Picasso trascorrono un pomeriggio nella Coupole insieme a molte altre persone. Matisse si allontana per un attimo dal gruppo. Quando qualcuno gli chiese dove fosse finito, Picasso rispose che era seduto al sicuro sulla sua corona d'alloro. La maggior parte dei presenti, in cerca di approvazione da parte di Picasso, iniziò ad attaccare Matisse. Picasso si arrabbiò e gridò: "Non tollererò che tu dica qualcosa contro Matisse, è il nostro più grande pittore.

In questo modo, i due hanno reso omaggio l'uno all'altro. Picasso ha detto: "Fondamentalmente, non c'è altro che Matisse. "Solo Picasso può farla franca. Riesce a confondere tutto. Sfigurare, mutilare, smembrare. È sempre, rimane sempre nel giusto", ha detto Matisse. "Solo per questo, ad esempio, Matisse è Matisse: perché ha il sole nel corpo", ha detto Picasso.

Il rispettoso rapporto artistico tra questi due artisti di riferimento del XX secolo, segnato da una rivalità creativa, è evidenziato in dettaglio da Françoise Gilot nel suo libro Matisse e Picasso - Un'amicizia d'artista.

La loro opposizione era evidente nelle questioni fondamentali sul carattere dell'immagine e sul significato dell'arte. Picasso voleva il quadro dissonante, Matisse quello armonioso. I loro opposti emergono con chiarezza nelle seguenti citazioni: "La pittura non serve a decorare gli appartamenti. È un'arma di attacco e di difesa", disse Picasso in un'intervista del 1945 a Lettres Françaises. "Un quadro alla parete dovrebbe essere come un mazzo di fiori nella stanza", commentò Matisse qualche mese dopo nella stessa rivista.

D'altra parte, l'opera di Cézanne è l'elemento che collega i due. Picasso, come Matisse, aveva studiato i suoi quadri e in seguito disse al fotografo Brassaï: "Cézanne! Era il padre di tutti noi!". Matisse studiò, tra l'altro, le lettere di Cézanne, con il quale aveva in comune l'istinto esplorativo che si sforza di produrre un'immagine pienamente "realizzata" (a questo proposito, si veda → réalisation in Cézanne). Questa ricerca, che attraversa come un filo rosso gli scritti di Matisse, è molto pronunciata nell'opera di Cézanne.

La resistenza di Matisse alla pittura astratta

Con una veemenza inflessibile, Matisse condannò la pittura astratta in una conversazione con Marie Raymond nel 1953. "Termini come non rappresentativo o astratto non sono altro che uno scudo per nascondere una carenza". E aggiunge: "Scrivi esattamente come ti dico: Matisse è contro l'arte astratta. Picasso pensa esattamente come me: tutti quelli che hanno creato un'opera pensano come me".

Alla domanda di Marie Raymond se i suoi ultimi lavori non mostrassero un certo avvicinamento alle sperimentazioni degli astratti, Matisse rispose che l'arte era sempre stata astratta e che se fosse stato più giovane avrebbe iniziato una campagna contro l'arte astratta.

Altrove, nel giustificare il suo rifiuto della pittura astratta, ha sottolineato che questa imitava soltanto l'astrazione.

Influenza sull'espressionismo astratto negli Stati Uniti

Dopo aver visto lo Studio rosso (Das rote Atelier, 1911) di Matisse al Museo d'Arte Moderna di New York alla fine degli anni Quaranta, Mark Rothko, rappresentante dell'Espressionismo astratto, rimase molto colpito dall'opera dell'artista francese, che lo influenzò notevolmente. Come raccontò una volta Rothko, trascorse "ore e ore" seduto davanti al quadro. Nel 1954, anno della morte di Matisse, Rothko dipinse Omaggio a Matisse, un'opera che nel novembre 2005 è stata battuta all'asta per oltre 22 milioni di dollari.

Anche i pittori americani dell'Espressionismo astratto, come Robert Motherwell, Sam Francis, Frank Stella e il pittore di campi di colore Ellsworth Kelly, furono influenzati dall'opera di Matisse.

Matisse e i suoi modelli

Ci sono molti pregiudizi sulla vita e l'opera di Matisse, ad esempio che avesse relazioni con le sue modelle. Hilary Spurling, il biografo britannico di Matisse, ha relegato questa ipotesi nel regno della leggenda. Scrive che dalle lettere, dai diari e dai resoconti dei compagni emerge un quadro diverso: "Tutti descrivevano un sistema di austerità e disciplina monacale, e tutti erano stati spinti ai limiti del sopportabile dalla norma disumana dell'automortificazione di Matisse". Spurling ha avuto ampie conversazioni con tutte le modelle ancora in vita.

Film su Matisse

Lo scrittore Louis Aragon conobbe Henri Matisse nell'inverno del 1941, quando quest'ultimo fuggì con Elsa Triolet dalla Francia occupata a Nizza per continuare il loro lavoro insieme nella Résistance. Si sviluppò una profonda amicizia, dalla quale nacque il libro di Aragon su Matisse, Henri Matisse, roman, che però poté essere completato solo poco dopo la morte di Elsa, nel 1971. Il lavoro di Aragon, che mescola autobiografia e critica d'arte a saggi e poesie, è stato il modello per il regista Richard Dindo, che aveva già realizzato documentari su Max Frisch e Arthur Rimbaud, tra gli altri. Nel film a colori Aragon, le roman de Matisse, della durata di 52 minuti, Dindo descrive il ritorno ai luoghi in cui Matisse aveva vissuto. Un montaggio riuscito condensa immagini e suoni in una lettura cinematografica di dipinti, libri e luoghi autentici. Produzione: Lea Produktion, Zurigo 2003, regia di Richard Dindo.

Sono stati realizzati anche filmati che sono disponibili come video e sono stati trasmessi da varie emittenti televisive: Gero von Boehm ha girato Henri Matisse - gli anni di Nizza, registrazione televisiva: ARD, 4 ottobre 1988. Matisse - Picasso, un'amicizia improbabile di Philippe Kohly del 2002 è un reportage cinematografico francese, registrazione televisiva: 3sat, 20 luglio 2003. Henri Matisse - un viaggio cinematografico (OT: Henri Matisse - un voyage en peinture), un ritratto cinematografico, è stato curato da Heinz Peter Schwerfel, Germania.

Nel 2001 è stato realizzato il film televisivo di mezz'ora Matisse & Picasso: A Gentle Rivalry, che tratta dei ritratti dei due "giganti" dell'arte del XX secolo. La mostra presenta, tra l'altro, fotografie raramente pubblicate dei loro dipinti e delle loro sculture, nonché foto e filmati d'archivio dei due artisti che li ritraggono al lavoro. Geneviève Bujold è la voce di Françoise Gilot, Robert Clary è Matisse e Miguel Ferrer è Picasso. La produzione nazionale vincitrice di un Emmy è di KERA-Dallas

Matisse sul mercato dell'arte

Le opere di Matisse raggiungono spesso prezzi altissimi alle aste. Tra gli esempi degli ultimi anni si possono citare il dipinto L'Espagnole (1922), venduto all'asta per 10,121 milioni di dollari da Sotheby's a New York nel 2007, e il dipinto del 1911 Les coucous, tapis bleu et rose, che ha raggiunto il prezzo record per un dipinto di Matisse all'asta di Christie's della collezione d'arte dello stilista Yves Saint Laurent a Parigi nel febbraio 2009. Il martello è caduto a 35.905.000 euro. A differenza di Picasso, però, le sue opere non si trovano tra i dodici dipinti più costosi al mondo. Il suo rilievo in bronzo, Nu de dos 4 état, venduto all'asta da Christie's il 3 novembre 2010, ha stabilito il record per un'opera di Matisse (in dollari): La Gagosian Gallery di New York lo ha acquistato per oltre 48 milioni di dollari (equivalenti a poco più di 43 milioni di euro).

Ritratto di donna rinvenuto nel reperto artistico di Schwabing

In occasione della conferenza stampa del 5 novembre 2013 presso lo Schwabing Art Find, è stato mostrato un ritratto di donna seduta attribuito a Matisse, realizzato intorno al 1924, che era stato confiscato nel 1942 dall'Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg dal caveau della banca del mercante d'arte Paul Rosenberg a Libourne. Lo Schwabing Art Find è il ritrovamento di 1280 opere d'arte nell'appartamento di Cornelius Gurlitt a Monaco di Baviera, avvenuto il 28 febbraio 2012. Oltre al ritratto di Matisse, le opere ritrovate, alcune delle quali sconosciute, comprendono lavori di Marc Chagall, Otto Dix, Max Liebermann, Franz Marc e Pablo Picasso.

Matisse nella vita quotidiana e nella scienza, con lode

Le opere dell'artista sono così popolari nel presente che vengono offerti molti poster con immagini delle sue opere e puzzle, ad esempio il puzzle da 1000 pezzi con l'opera La danza. La casa automobilistica Citroën non solo produce un'auto con il nome del suo amico e antipode Picasso, ma dal 2006 anche la C Matisse. Il nome di Matisse è presente anche nella scena musicale: Nel 1999, un gruppo rock alternativo greco di Atene si è chiamato Matisse, e a Troisdorf c'è un pub musicale con lo stesso nome. Nel 1993 è stata allevata una rosa che ha preso il suo nome. In Francia strade e piazze sono state intitolate a Matisse.

Sul pianeta Mercurio, i crateri prendono il nome da personaggi famosi che sono morti, ad esempio artisti, pittori, scrittori e musicisti. Il cratere Matisse, intitolato a Henri Matisse nel 1976, ha un diametro medio di circa 190 chilometri e si trova nell'emisfero meridionale di Mercurio. Il 2 aprile 1999, un asteroide della fascia principale interna scoperto nel 1973 è stato intitolato a Matisse: (8240) Matisse.

Dipinti e sagome, opere grafiche

Compilazioni biografiche

Fasi della vita

Rapporti dei testimoni oculari

Aspetti individuali del lavoro

Impatto e accoglienza

Catalogo ragionato

Narrativa

Libri per bambini

Musei

Biografie

Immagini

Fonti

1. Henri Matisse
2. Henri Matisse
3. Lawrence Gowing: Matisse, Umschlagrückseite, 1997, ISBN 3-7852-8406-3.
4. Anna Katharina Feldhaus: Henri Matisse – Malen mit der Schere. In: Schirn Kunsthalle Frankfurt. 5. April 2013, abgerufen am 14. Dezember 2020.
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6. « https://archives.yvelines.fr/rechercher/archives-en-ligne/correspondances-du-musee-departemental-maurice-denis/correspondances-du-musee-maurice-denis », sous le nom MATISSE Henri (consulté le 12 février 2022)
7. (en) Hillary Spurling, The Unknown Matisse: A Life of Henri Matisse: The Early Years, 1869-1908, University of California Press, 2001, p. 46.
8. ^ Adrian Searle (7 May 2002). "Searle, Adrian, A momentous, tremendous exhibition, The Guardian, Tuesday 7 May 2002". Guardian. UK. Retrieved 13 February 2010.
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10. ^ Spurling, Hilary (2000). The Unknown Matisse: A Life of Henri Matisse: The Early Years, 1869–1908. University of California Press, 2001. ISBN 0-520-22203-2. pp. 4–6
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12. ^ a b Bärbel Küster. "Arbeiten und auf niemanden hören." Süddeutsche Zeitung, 6 July 2007. (in German)
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